Destination Anywhere – neue Single/ Video “Bassdrum” BOOM! YEAH! WHOOH! – neues Album „Mehr davon“ am 19.05.2023
Die neue Single „Bassdrum“ von Destination Anywhere ist ab sofort am Start! Es ist das schönste Gefühl der Welt. Egal ob auf dem Zeltplatz beim Festival oder auf dem Weg zum Lieblingsclub in deiner Stadt. Schon aus der Ferne hörst du das dumpfe Wummern der Bassdrum und weißt – das wird ein guter Tag, ein guter Abend! Und wenn du dann vor der Bühne stehst, ist eh Ausnahmezustand: BOOM! YEAH! WHOOH!
Jetzt gibt es kein Halten mehr – tanzen, springen, singen! Da verschwindet der graue und deprimierende Alltag kilometerweit weg im Rückspiegel. All das haben Destination Anywhere in einen Song gepackt – ab jetzt überall zum Streamen verfügbar.
Single/ Video “Bassdrum”:
Live dann demnächst beim Festival und im Club: BOOM! YEAH! WHOOH!
CULCHA CANDELA – ZU WAHR UM SCHÖN ZU SEIN ZU WAHR UM SCHÖN ZU SEIN – mit gewohnter Selbstironie, einer guten Portion Humor und einer Prise Gesellschaftskritik melden sich Culcha Candela mit ihrem 11. Studioalbum zurück!
CULCHA CANDELA – ZU WAHR UM SCHÖN ZU SEIN ZU WAHR UM SCHÖN ZU SEIN
Auch das neueste Werk der Kult-Formation strotzt nur so vor Gute-Laune-Club-Hymnen und Hits mit Haltung! Auch im 21. Jahr des Bandbestehens begeistern Culcha Candela ihre Fans mit brandneuen Songs, die uns mal zum Schmunzeln bringen, mal zum Nachdenken anregen und bei denen mit Sicherheit niemand stehen bleiben kann!
ZU WAHR UM SCHÖN ZU SEIN ist ein Album, das die Fans mit auf eine kleine Reise nimmt. Auf zehn brandneuen Tracks begeistert die legendäre HipHop-, Reggae-, Latin-Band mit ihrem einzigartigen Sound und großartigen Lyrics, die mit gewohnt spitzer Zunge auf den Punkt formuliert sind und uns in vielerlei Hinsicht aus der Seele sprechen. Ruhestand? Weit gefehlt.
Statt sich auf ihrer beispiellosen Karriere auszuruhen, Awards zu zählen und dem Treiben in der Welt zuzusehen packen Mateo, Chino, Don Cali & Johnny viel lieber an und sind mittendrin. Nach insgesamt mehr als fünf Millionen verkauften Tonträgern, knapp 35 Edelmetall-Awards & über 1.500 Live-Shows erfinden sich Culcha Candela zwar nicht mehr neu, aber das müssen sie auch gar nicht. Aufhören kommt also nicht in Frage und der Ernst des Lebens kann noch ein wenig warten.
Denn gute Laune und Liebe verbreiten sich bekanntlich nicht von selbst. Diese Jungs haben noch eine Mission zu erfüllen. Die Fans bestätigen das mit der ausverkauften, gleichnamigen Tour im März!
Neben ihrem ungebrochen starken sozialen Engagement in zahlreichen Projekten erträgt es die Band auch 2023 nicht, einfach nur Zaungast zu sein.
Neben dem starken Output in den sozialen Medien, bei denen die vier Jungs so manchem hippen TikToker vormachen, wie das Social Media Game so läuft, schafft es diese weiterreiste Band immer wieder aufs Neue ihre Community und Fans mit neuen Songs und vor allem bei ihren gefeierten Live-Shows zu begeistern.
Auf ZU WAHR UM SCHÖN ZU SEIN legt die Band eine große Spannweite feinster Tracks auf: Von gesellschaftskritischen Tönen wie auf ihrem Titelsong „ZU WAHR UM SCHÖN ZU SEIN“ über besondere Schmankerl wie in ihrer Single NUMMA („N U doppel M E R, Nummer yeah“) bis hin zum knallenden HBz Remix des Klassikers HAMMA ist hier sowohl für Wegbegleiter wie auch neue Fans etwas dabei!
In punkto Vielseitigkeit haben sich Culcha Candela mal wieder selbst übertroffen und dennoch nicht vergessen wo sie herkommen. Ihre legendären Reggaeton und Dancehall Beats gepaart mit energetischen modernen Sounds, die straight nach vorne gehen, ziehen sich konsequent durch das gesamte Album.
Voller Lebensfreude und Spaß bringen sie mit dem brandneuen Album ZU WAHR UM SCHÖN ZU SEIN garantiert jedes Tanzbein in Bewegung. VÖ: 10.03.2023
Le Fly veröffentlichen mit „Mutter Natur“ die nächste Single mit offiziellem Video – aus dem neuen Album „La Vie, Oder Was?“ (VÖ 26.08.2022)– Release Konzert am 03.09.2022 in Hamburg
Le Fly veröffentlichen mit „Mutter Natur“ die nächste Single mit offiziellem Video – aus dem neuen Album „La Vie, Oder Was?“ (VÖ 26.08.2022)
Le Fly, Hamburgs feinste Konzert-Zerleger zwischen Rock, Rap, Reggae und Ska, sind zurück – und das mit einer Macht und peitschenden Dringlichkeit, dass dabei nicht nur die Ohren schlackern.
Bereits Anfang ver-gangenen Jahres erschien mit „Walk of Fame“, Le Flys satirischer Abrechnung mit dem US-Präsidenten Walkampf, der erste Vorab-Track ihres vierten Albums „La Vie, Oder Was?“(VÖ 26.08.2022). In diesem Jahr eröffnete nun „Alessio“ den Reigen der offiziellen Vorab-Singles zum Album, ein grandioser Track, der sich mit falschen Götzen und fehlgeleiteter Selbstgeilfindung in sozialen Netzwerken auseinandersetzte. Es folgte mit „L’A-mour“ die zweite offizielle Single, die sich mal wieder ganz um die Kernkompetenz des Quintetts dreht: „Wir reiben alle ein mit Liebe pur.“
Le Fly
Alle Songs bewiesen, dass Le Fly, generell ja vor allem eine Band, die auf Konzerten Freude, Fun und Vielseitigkeit zu einem funky Hexenkessel verrührt, mit ihrem vierten Album viele gesellschaftlich relevante Themen aufgreifen und in ihrer unvergleichlich lässig-ironischen Art in brillante Texte formen. Ähnliches gilt nun auch für die dritte Single „Mutter Natur“, eingetrümmert zusammen mit den Blue Voice Chorkids und auf den Punkt gebracht und produziert von dem alten Bandfreund Benno Kupsa im Le Fly-Headquarter in Hamburg und gemischt vom profilierten HipHop-Urgestein Kaspar „Tropf“Wiens.
Video Premiere „Mutter Natur“:
Hier erhältlich:https://save-it.cc/sptm/mutter-natur
In „Mutter Natur“ geht es – der Titel legt es nahe – Naturschutz und den Klimawandel. Zeilen wie der Refrain machen das unmissverständlich klar: „Oh no, wir schmelzen wie Eis / Der Sommer ist viel zu heiß Boy / Wie kann das eigentlich sein? / I don’t know?!“. „Es ist wichtig, dass man sich seiner Doppelrolle in der Welt bewusst ist“, sagt die Band. „Einerseits als aufgeklärter grüner Ecki, andererseits ist man selber täglich am Pesten.“ oder mit den Worten des Songs: „Oh, ich weiß nicht warum die alle Panik haben / Wenn der Spiegel steigt / Komm ich besser mit der Nase ran / Muss mich nicht flugschäm’ / Denn der Flug in die Südsee fällt aus / Der Strand ist jetzt vor meinem Haus.“
„Da, wo es klare Spielflächen für die Inhalte gibt, da gibt es auch mal einen klareren Kopf für eindeutige Zeilen“, so Rapper Schmiddlfinga. „Wir beschäftigen uns als Menschen ja auch mit Themen von gesellschaftlicher Relevanz, und da lag es nahe, auch mal Texte zu schreiben, die in ihrer gesellschaftlichen Relevanz stimmig sind.“ „Wir haben uns Themen gesucht, zu denen man einfach auch mal etwas sagen möchte und muss“, ergänzt Sänger Olli. „Das mag im Kontext von Le Fly erstmal ungewohnt wirken, weil wir ja doch vor allem dafür bekannt sind, Spaß zu bringen und Spaß zu haben.
Aber für ein viertes Album kann man ja auch mal eine neue Herangehensweise suchen, und es kann eben genauso viel Spaß machen, mal über Phänomene wie Social Media, Politik oder Klimawandel so zu texten, dass der Spaß dabei nicht verloren geht. Klar kippt Le Flys legendärer Humor in solchen Fällen eher in die (auch: Selbst-)Ironie. Aber Spaß macht es eben trotzdem.
Neben zwei weiteren anstehenden Singles und dem am 26.08. erscheinenden Album kann man Le Fly nun auch endlich wieder live dabei zuschauen, wie sie die Club- und Festivalbühnen generalstabmäßig abreißen. Neben rund 15 gebuchten Festival-Auftritten sei hiermit auf die große „Doppelklatsche“-Tournee im Oktober hingewiesen, die Le Fly zusammen mit DAS PACK durch zwölf deutsche Städte führt: 13.10. Berlin, Cassiopeia
14.10. Hannover, Faust
15.10. Bochum, Rotunde
18.10. Kassel, Goldgrube
19.10. Nürnberg, Z-Bau
20.10. Dresden, Groovestation
21.10. Jena, Rosenkeller
22.10. Bremen, Tower
26.10. Düsseldorf, The Tube
27.10. München, Backstage
28.10. Stuttgart, clubCANN
29.10. Köln, Helios 37
Und folgend ausführlich alle Infos zu dem „La Vie, Oder Was?“ Release-Konzert in Hamburg am 03.09.2022 Wann: 03.09.22 (18-22 h) Veranstaltungsname: HAFEN INFERNO Bands: LE FLY & LIEDFETT
LE FLY mit Video Premiere und offiziellem 2. Single VÖ „L’amour“am 03.06.2022 – neues Album „La Vie, Oder Was?“am 26.08.2022 – Live Dates 2022
LE FLY, Hamburgs feinste Konzert-Zerleger zwischen Rock, Rap und Ska sind zurück – und das mit einer Macht und peitschenden Dringlichkeit, dass dabei nicht nur die Ohren schlackern. Bereits Anfang vergangenen Jahres erschien mit „Walk of Fame“, LE FLYs satirischer Abrechnung mit dem US-Präsidenten-Wal-kampf, der erste Vorab-Track ihres vierten Albums „La Vie, Oder Was?“ (VÖ 26.08.2022).
In diesem Jahr eröffnete nun „Alessio“ den Reigen der offiziellen Vorab-Singles zum Album, ein grandioser Track, der sich mit falschen Götzen und fehlgeleiteter Selbstgeilfindung in sozialen Netzwerken auseinandersetzte. Beide Songs bewiesen, dass LE FLY, generell ja vor allem eine Band, die auf Konzerten Freude, Fun und Vielseitigkeit zu einem funky Hexenkessel verrührt, mit ihrem vierten Album viele gesellschaftlich relevante Themen aufgreifen und in ihrer unvergleichlich lässig-ironischen Art in brillante Texte formen.
Nun folgt mit „L’amour“ die zweite offizielle Single, die sich mal wieder ganz um die Kernkompetenz des Quintetts dreht: „Wir reiben alle ein mit Liebe pur.“ So heißt es auch im dazugehörenden Refrain, wieder einmal verpackt in eine Hook, die unmittelbar in Beine und Ohren geht: „L’amour / Wir teilen und geben weiter in einer Tour / L’amour / Wir haben das Allheilmittel weiterentwickelt mit Bravour / Gegen Stress, gegen Angst, gegen Hass, ja, da hilft nur / Nur L’amour.“ Das gilt im Grunde für fast alle, aber eine Ausnahme wird konsequenterweise auch hier gemacht: „Jeder Longboard-Horst mit ‘ner Billabong Shorts / Jeder Karotten-Jeans G, der sein Spiegelbild liebt / Sogar die Masse, die laut jubelt und keinen Plan hat von Rap / Und auch der Nachbar, der laut pöbelt wegen Scratches um 6 / (…) / Selbst jede Wespe, die dich sticht, hat sehr viel Liebe verdient / einfach alle außer du, wenn du die AFD wählst.“
Es sind durchaus neue Töne im Hause LE FLY – aber sie stehen der Band ausgezeichnet. Das wirklich Besondere an dieser zweiten Single eines Albums, das wohl viele mit einem Grinsen im Gesicht durch den Sommer tragen wird, ist allerdings das Video – es dürfte zu den aufwändigsten Videoclips gehören, die je eine deutsche Band produziert hat. Unter der Regie von Xander Bartole, produziert von Holobay und Streetsmart Media, haben LE FLY mit einer neuen „Virtuell Production“-Technik gearbeitet. Im Cinegate Studio wurden gewaltige Videowalls der Firma PRG aufgestellt, auf die im Grunde jedes x-beliebige Szenario projiziert werden kann, während die Band im Vordergrund ihre Szenen spielt. „Man muss sich das vorstellen wie einen Green Screen, nur halt next generation und mit bewegten Hintergründen“, erklärt LE FLY-Drummer Rob. Dass sie die Technik gleich voll ausgereizt und ein extrem mitreißendes Video produziert haben, in dem es um Splatter und Liebe geht – „L’amour“ eben – ist nun die Großtat aller Beteiligten, die das Video zu einem der aufregendsten macht, das man in diesem Jahr zu sehen bekommen dürfte.
Neben zwei weiteren anstehenden Singles und dem am 26.08. erscheinenden Album kann man LE FLY nun auch endlich wieder live dabei zuschauen, wie sie die Club- und Festivalbühnen generalstabmäßig abreißen. Neben 15 gebuchten Festival-Auftritten sei hiermit auf die große Tournee im Oktober hingewiesen, die LE FLY zusammen mit DAS PACKdurch zwölf deutsche Städte führt:
Grammy ausgezeichneter Gitarrist Eric Krasno macht sich mit seiner neuen Single „Leave Me Alone“ über Paparazzi und „Leute, die Klatsch lieben“ lustig… Neues Album “Always” am 04.02.2022!
In den letzten zwei Jahren haben sich die meisten Menschen nach mehr Zeit zu zweit gesehnt. Aber auf seiner neuen Single „Leave Me Alone“ reflektiert der Songwriter und Produzent Eric Krasno augenzwinkernd über die Art von Menschen, auf die er immer noch verzichten könnte – Paparazzi und „Leute, die gerne tratschen“.
Video „Leave Me Alone“:
„Leave Me Alone‘ ist ein Song, den ich vor einer Weile geschrieben habe, nachdem ich im Fernsehen einen Clip über Paparazzi gesehen hatte und wie einige von ihnen Prominente terrorisieren, um an ihre Fotos zu kommen“, erklärt Krasno. „Als ich anfing, den Song zu schreiben, bezog ich mich auf Freunde von mir, die gerne tratschen, und begann, ein wenig Mitgefühl für sie zu empfinden (wie man in der Bridge hören kann), denn jeder ist ein Mensch. Letztendlich ist es ein unbeschwerter Song, der sich über die Lust am Tratschen und das Anzetteln von Dramen unter Freunden und Familie lustig macht. Und er ist funky.“
Die Themen Zweisamkeit und Einsamkeit ziehen sich durch Krasnos kommendes Soloalbum „Always“, das am 4. Februar über die Mascot Label Group erscheint. Nach “So Cold”, “Silence” und “Alone Together” ist es bereits die vierte Auskopplung aus dem am 4. Februar erscheinenden Album “Always”.
Auf dem neuen Album definiert sich der Soulive- und Lettuce-Mitbegründer, Sänger, Multi-Instrumentalist und zweifache GRAMMY®-Preisträger nicht nur als Künstler, sondern auch als Ehemann, Vater und Mann – und das in zehn Tracks mit unnachahmlicher Instrumentierung, beredtem Songwriting und unverstellter Ehrlichkeit. „Vor 2020 hatte ich eine gute Zeit, aber ich war überhaupt nicht geerdet“, fügt er hinzu. „Ich bin von Auftritt zu Auftritt gegangen. Ich rannte immer ohne Ziel herum. Im letzten Jahr habe ich meine Menschen in Form meiner Frau und meines Sohnes gefunden. Ich habe eine Familie gegründet, die immer für mich da sein wird. Darum geht es auf dem Album.“
Krasnos umfangreicher Katalog umfasst drei Soloalben, vier Lettuce-Alben, zwölf Soulive-Alben und Produktion und/oder Songwriting für Norah Jones, Robert Randolph, Pretty Lights, Talib Kweli, 50 Cent, Aaron Neville und Allen Stone. Als Musiker hat er die Bühne mit den Rolling Stones, der Dave Matthews Band, John Mayer und The Roots geteilt. Von den sieben Nominierungen erhielt er zwei GRAMMY® Awards für seine Rolle als Songwriter und Gitarrist auf Tedeschi Trucks Band’s „Revelator“ und als Gitarrist auf Derek Trucks Band’s „Already Free“.
Doch als die globale Pandemie die Pläne der Welt veränderte, musste er viel nachdenken und ebenso viel schreiben. Auf Anregung seines alten Lettuce-Band Kollegen Adam Deitch schloss er sich mit dem Musiker und Produzenten Otis McDonald zusammen und arbeitete gemeinsam an einer Version von Bob Dylans „The Man In Me“, einem Song, der für Krasno in den letzten Jahren eine tiefere Bedeutung erlangt hatte. „Meine Frau und ich hatten geheiratet, ein Haus gekauft und ein Baby bekommen“, erinnert er sich. „Ich hatte das Lied schon oft gehört, aber es hatte mich nie so berührt, wie es mich jetzt berührte. Ich habe ihn nur mit Akustikgitarre und Gesang aufgenommen, und ich fand es toll, was Otis daraus gemacht hat. Er schickte es mir zurück, und ich dachte: ‚Genau so will ich meine nächste Platte machen‘.“
Bei den Aufnahmen, die zunächst virtuell und dann in den legendären Hyde Street Studios in der Bay Area stattfanden, die durch 2Pac, Grateful Dead und Digital Underground berühmt wurden, entwickelten Krasno und McDonald als Co-Produzenten einen gemeinsamen Geist und gründeten schließlich Eric Krasno & The Assembly mit Otis am Bass, Wil Blades an den Tasten und der Orgel, Curtis Kelly am Schlagzeug und James VIII an Gitarre und Gesang.
„Wenn ihr eine Botschaft der Liebe und das Always-Konzept mitnehmt, ist das großartig“, sagt er abschließend. „Vor allem möchte ich euch an einen glücklichen Ort bringen. In der Vergangenheit fühlte ich mich persönlich nur als Gitarrist, Songwriter und Produzent. Jetzt fühle ich mich wie ein vollwertiger Künstler.“ Am Ende heißt Eric jeden willkommen, ein Teil seiner Familie auf ‚Always‘ zu sein.
Gitarrenlegende Carlos Santana veröffentlicht das Video für „Move” mit Rob Thomas sowie den Gesangstalenten von American Author. Aus Santanas kommenden starbesetztem Album „Blessings and Miracles“ (VÖ 15.10.2021)
LOS ANGELES (7. Oktober 2021) – Der mehrfache GRAMMY®-Award-Preisträger und mit einem Platz in der legendären „Rock and Roll Hall of Fame“ geehrte Gitarrist Carlos Santana hat nun sein Musikvideo zu „Move“ veröffentlicht. Die neue Single ist eine Kollaboration mit dem ebenfalls mehrfachen GRAMMY®-Preisträger und Singer-/ Songwriter Rob Thomas (Matchbox Twenty) sowie den großartigen Gesangstalenten von American Authors und ein erster Vorbote aus dem starbesetzten meisterhaften neuen Album „Blessings and Miracles“, das weltweit am 15. Oktober via BMG erscheint.
Video Premiere „Move”:
Das Video beginnt in der Szenerie einer Schwarz-Weiß-Landschaft, die in Wolken und Nebelschwaden verschwimmt. Thomas‘ dynamischer und zugleich sinnlich wie anziehender Gesang vermischt sich mit Santanas pulsierenden Gitarrenlicks, die sprichwörtlich den Himmel aufbrechen und alles unter Strom setzen. Es folgt eine groovende, mitreißende und fast stolz anmutende, aber alles in allem einfach atemberaubende Mischung aus Pop und Latin-Rock gepaart mit einer Hook, die sich garantiert tagelang in die Gehörgänge festsetzen wird.
Rob Thomas wird gesanglich von den American Authors unterstützt – vor allem von Zac Barnett, der in der zweiten Strophe den Gesangspart übernimmt. Santana seinerseits liefert mit seinen überragenden Solo-Darbietungen auf eine bebende, fast explosive Weise das perfekte Gegenstück dazu. Ein lebendig quirliger Bläsersatz scheint von allen Seiten geradezu herbeizuströmen und mit einem Extra-Push an Energie erfährt der Song im Refrain seine absolute Krönung.
Mit der bereits im August dieses Jahres veröffentlichten Single „Move“ wurden die hohen Erwartungen an das erfolgserprobte Duo Carlos Santana und Rob Thomas, dessen 1999 mit gleich mehreren GRAMMY®-Awards ausgezeichneter Song „Smooth“ zu einem weltweiten Hit und Vorbild wurde, sogar übertroffen – die beiden haben erneut einen absoluten Klassiker abgeliefert.
So schrieb der San Francisco Chronicle:„Wieder einmal trifft sich Thomas exakt an der Schnittstelle zwischen amerikanischem Pop und Latin-Flair und präsentiert seine unverwechselbare Stimme, die sich mit Santanas schwindelerregender Gitarre, den Congas und einer lebhaften Bläsersektion vereint… auch bei ‚Move‘ entsteht eine ähnlich gigantische Energie [wie bei Smooth], die sich sowohl für nachmittägliche Grillpartys als auch bestens für Tanzclubs eignet“. Billboard bezeichnet „Move“ als „sommerliche Latin-Rock-Single“ und American Songwriter konstatiert: „‚Move‘ klingt so, als wäre mit ‚Smooth‘ die Zeit stehengeblieben und nicht schon 22 Jahre vergangen“.
„‚Move‘ ist tatsächlich ganz ähnlich entstanden wie ‚Smooth‘'“, sagt Santana. „Es war als hätte eine göttliche Intelligenz im Hintergrund die Fäden gezogen, und ich wusste ganz einfach instinktiv, dass ich es mit Rob aufnehmen musste. In dem Song geht es darum, seine Moleküle in Bewegung zu bringen. Sich zu aktivieren und sein eigenes Feuer zu entfachen. Wenn Rob und ich zusammenarbeiten, entsteht ein ganz fantastischer Sound.“
Gerade erst hat Santana einen überaus erfolgreichen Schlusspunkt unter seine Sommertournee in den USA gesetzt – vom 3. November bis zum 11. Dezember wird er seine mehrjährig andauernde Spielzeit im House of Blues im Mandalay Bay Resort und Casino in Las Vegas fortsetzen.
Weiter aktuell… Offizielles Video „A Whiter Shade of Pale (feat. Steve Winwood)”:
Seit mehr als fünf Jahrzehnten und Santanas frühesten Tagen als wegweisende Afro-Latin-Blues-Rock-Fusion-Band in San Francisco ist Carlos Santana die visionäre Kraft hinter einer Kunst, der es gelingt, nicht nur musikalische Genres, sondern auch generationsübergreifende, kulturelle und geografische Grenzen zu überschreiten. Santana hat zehn Grammy Awards – darunter das rekordverdächtige neunfach mit einem Grammy ausgezeichnete Werk „Supernatural“ (1999), das darüber hinaus auch zum Album des Jahres gekürt wurde und mit „Smooth“ den Song des Jahres enthielt – und drei Latin Grammys gewonnen. Er hat im Jahr 1996 den Billboard Century Award erhalten, wurde zwei Jahre später in die „Rock and Roll Hall of Fame“ aufgenommen, 2009 mit den Billboard Latin Music Award für sein Lebenswerk und 2013 mit dem Kennedy Center Honors Award ausgezeichnet. Neben vielen weiteren Auszeichnungen und Ehrungen wurde Carlos Santana vom Rolling Stone auf Platz 15 der Liste der „100 größten Gitarristen aller Zeiten“ gewählt. Zusammen mit den Rolling Stones ist Santana eine von nur insgesamt zwei Bands, deren Alben in jedem Jahrzehnt seit den 1960er Jahren die Top 10 erreichten. Im Jahr 2018 startete er mit seiner ersten MasterClass und feierte erst kürzlich gleich drei monumentale Meilensteine in seiner einzigartigen Karriere: das 20-jährige Jubiläum seines bahnbrechenden Albums „Supernatural“, den 50. Jahrestag seines legendären Auftritts in Woodstock und den 50. Jahrestag seines Meisterwerks „Abraxas“.
Farbenfeuer veröffentlichen 2. Single/ Video „Sehnsucht“ – aus ihrem Debüt Album „Träume und Sehnsüchte“ (VÖ 14.01.2021)
Farbenfeuer
Nach ihrer Debüt-Single „Auf zu neuen Ufern“ legt Farbenfeuer mit „Sehnsucht“, der 2. Auskopplung für das Album „Träume und Sehnsüchte“(VÖ 14.01.20222), noch mal eins drauf. Der aufrichtige und persönliche Titel erzählt die Geschichte eines Pilgers auf der Suche nach „etwas wovon ich gar nichts weiß“. Man hat in der Tat den Eindruck, sich auf eine Reise durch innere Landschaften zu begeben, während man den Song hört. Musikalisch bunt durchgemischt: Von Balladen-Feeling über perkussive Gospel-Chorpassagen und rock’n‘rollige Saxlicks hin zu einem bombastischen orchestralen Finale!
Offizielles Video „Sehnsucht“:
Bunt, lebendig, fetzig, poetisch und tiefgehend. So lässt sich das Debütalbum „Träume und Sehnsüchte“ von Farbenfeuer kurz und knackig beschreiben. Max Weninger (22) und Tim Proy (19) – Kopf und Herz der 11-köpfigen Newcomerband aus dem südlichen Niederösterreich – vereinen spielerisch auf ihrer ersten Platte Elemente aus verschiedensten musikalischen Welten. Einflüsse von Pop- und Rocklegenden à la Queen, Paul Simon und Elton John sind genauso erkennbar wie Inspirationen aus Musicals und dem modernen progressiven Rock-Bereich. Während Proys verspielter Klavierstil seinen gefühlsgeladenen Gesang unterstreicht, fügen sich Weningers charismatische Gitarrensoli auf wunderbare Weise in die pompösen Chor-, Bläser- und Streicherarrangements.
In ihrer Debütsingle „Auf zu neuen Ufern“(VÖ 25.06.2021) träumen sich die jungen Künstler von Farbenfeuer in eine glückliche, zukunftsfähige Welt. Die 11-köpfige Newcomerband aus dem südlichen Niederösterreich lässt in ihrem Erstling zwischen Pop, Rock, Klassik, Punk und Funk keine Stilrichtung auf der Strecke liegen. Da dürfen selbstverständlich getragene Streicher, fetzige Bläser und fette Gitarren auch nicht fehlen. Wer glaubt, Einflüsse von Queen und Elton John zu erkennen, liegt genauso richtig, wie jemand, der Georg Danzer und Jesus Christ Superstar heraushört. Dadurch wird Farbenfeuer seinem Namen mehr als gerecht. Die poetischen Texte, bunten Melodien und phänomenalen Klangwelten berühren das innerste der Seele, ohne gewaltsam in sie einzudringen.
Video „Auf zu neuen Ufern“:
Die stärkste Inspiration für Proys Texte war sein eigenes Leben. In einer selbstverständlich wirkenden Aufrichtigkeit singt er von der Achterbahn, die durch sein tiefstes Innerstes fährt – mit allen Höhen und Tiefen, Ecken und Kanten. Seine Liebe zu Dichtern wie Hermann Hesse, Rainer Maria Rilke und Mascha Kaléko prägte den Stil des jungen Künstlers ebenso wie Georg Danzer, Herbert Grönemeyer und Konstantin Wecker – Größen der deutschsprachigen Musikwelt.
Farbenfeuer
Nachdem Proy im Sommer 2019 zur Backstagefeier bei einem Wecker-Konzert eingeladen wurde, entstand ein wohlwollendes und interessantes Gespräch zwischen den beiden. „Das gefällt mir, mein Lieber. Musikalisch und thematisch“, antwortete Wecker Anfang 2021 auf die Anfrage des jungen Künstlers bezüglich eines Labelvertrags zwischen Farbenfeuer und „Sturm und Klang“.
Und so liegt nun das Album „Träume und Sehnsüchte“ mit dem, an eine Funk’n’Roll-Symphonie erinnernden, Singletitel „Auf zu neuen Ufern“ vor.
Jake Shimabukuro kündigt ‚Jake & Friends‘ an. Sein bisher kreativstes und ehrgeizigstes Album, auf dem das Who is Who der Musikwelt vertreten ist
“Jake & Friends“ enthält Kollaborationen mit Willie Nelson, Bette Midler, Jimmy Buffett, Kenny Loggins, Moon Taxi, Michael McDonald, Vince Gill und Amy Grant, Jon Anderson, Ziggy Marley, Warren Haynes, Jack Johnson, Billy Strings und vielen anderen
Am 12. November 2021 veröffentlicht der auf Hawaii geborene Ukulele-Spieler Jake Shimabukuro „Jake & Friends“, sein bisher kreativstes Projekt, bei dem er mit einem Who’s Who der Musikszene zusammenarbeitet, von Willie Nelson und Bette Midler bis Jimmy Buffett und Kenny Loggins.
In Bezug auf Größe und Umfang und in Anbetracht der schieren Anzahl an legendären Stars, die ihre unnachahmlichen Talente für das Projekt zur Verfügung gestellt haben, kann „Jake & Friends“ nur mit anderen Benchmark-Duett-Alben von Größen wie Frank Sinatra und Tony Bennett verglichen werden – ein Zeugnis dafür, wie weit der einzigartig begabte Jake gekommen ist. Höre Dir die ersten beiden Singles des Albums an, “Two High,” mit Moon Taxi und “Stardust,” mit Willie Nelson.
Listen to “Two High,” featuring Moon Taxi: https://youtu.be/zFwIhI1EmRA and “Stardust,” featuring Willie Nelson: https://youtu.be/4u0ND8TJ6ps
Pre-Order ‘Jake & Friends’:https://smarturl.it/JakeShimabukuro
Jake dreht sich der Kopf, wenn er die Liste seiner hochkarätigen Gäste betrachtet, die auf dem Album vertreten sind: Willie Nelson, Bette Midler, Jimmy Buffett, Moon Taxi, Kenny Loggins, Michael McDonald, Vince Gill und Amy Grant, Jon Anderson, Ziggy Marley, Warren Haynes, Jack Johnson, Jesse Colin Young, Ray Benson & Asleep at the Wheel, Sonny Landreth, Lukas Nelson, Billy Strings.
„Ich muss mich kneifen, wenn ich diese Namen auf meinem eigenen Album sehe“, sagt er. „Es ist wie, ‚Ist das wirklich passiert? Das Album zu machen war eine echte Herausforderung, aber ich fühle mich zutiefst geehrt, dass all diese Künstler zugestimmt haben, mit mir aufzunehmen.“
In den letzten zwei Jahrzehnten hat Jake bewiesen, dass es keinen Musikstil gibt, den er nicht spielen kann. Während die Vielseitigkeit eines jeden Musikers beeindruckend ist, ist das Bemerkenswerte an Jakes transzendentem Können die Art und Weise, wie er sein scheinbar grenzenloses Vokabular – ob Jazz, Rock, Blues, Bluegrass, Folk oder sogar Klassik – auf dem vielleicht unwahrscheinlichsten aller Instrumente erkundet: der Ukulele.
Als Antwort auf die dringenden Rufe seiner glühenden Vorstellungskraft hat Jake die Ukulele in Bereiche gebracht, die zuvor für unmöglich gehalten wurden, und dabei hat er die Anwendungen für dieses winzige, bisher unterschätzte viersaitige Instrument neu erfunden, was viele dazu veranlasst hat, ihn als „den Jimi Hendrix der Ukulele“ zu bezeichnen.
Jakes unglaublicher Weg führte ihn vom lokalen Phänomen zur YouTube-Sensation, von Auftritten in winzigen Clubs zum Headliner der renommiertesten Konzerthäuser der Welt wie dem Hollywood Bowl, dem Lincoln Center und dem Sydney Opera House. Er ist in den größten Fernsehshows aufgetreten und hat eine Reihe von preisgekrönten Alben veröffentlicht, die in den Charts ganz oben stehen. Erst kürzlich wurde er von Präsident Joe Biden zum Mitglied des National Council on the Arts ernannt. Man kann mit Fug und Recht behaupten, dass Jake mehr als nur ein paar Bewunderer hat – Millionen von ihnen, um genau zu sein – aber erst als er mit seinem letzten Album begann, entdeckte er, wie viele seiner Fans in Wirklichkeit seine eigenen musikalischen Helden waren.
Jake & Friends‘ begann mit der bescheidenen Idee, vielleicht zwei oder drei Gaststars einzuladen, aber das Konzept wuchs schnell. Willie Nelson war der erste Künstler, der mitmachte, und er wählte bezeichnenderweise seinen Lieblingssong „Stardust“, den er vor über 40 Jahren zum ersten Mal aufnahm. Die einzigartige Kombination führt zu einem magischen Ergebnis – Jakes zarte Ukulele-Linien bilden eine intime Grundlage für Nelsons schmerzhaft schönen Gesang. „Ich war in der Nacht vor der Aufnahme so nervös“, gibt Jake zu, „aber Willie hat mich sofort beruhigt. Ich glaube, als wir den Schnitt fertig hatten, war ich für alles bereit, was danach kam.“
In Zusammenarbeit mit der beliebten Alternative-Rock-Band Moon Taxi, aus Nashville, nahm Jake den 2017er-Hit „Two High“ der Gruppe wieder auf und überredet sogar den Sänger und Gitarristen Trevor Terndrup, einen weiteren Ukulele-Enthusiasten, ihn auf seinem Instrument zu begleiten. Inspiriert vom universellen Friedenszeichen, ist „Two High“ ein sonniger und luftiger Balsam für unsere unruhigen Zeiten.
„Die Aufnahmen mit Moon Taxi waren ein Riesenspaß“, sagt Jake. „Trevor hat eine unglaubliche Ausstrahlung, die jeden Raum erhellt, und er kann auf der Ukulele schreddern. Und [Gitarrist] Spencer Thomson gab den Rhythmus vor und sorgte dafür, dass alles groovt. Es war eine Freude, mit ihnen zusammenzuarbeiten.“
Bette Midler klingt bei der Neuauflage ihres mit dem Golden Globe ausgezeichneten Klassikers „The Rose“ regelrecht himmlisch. „Come Monday“ spielte Shimabukuro bereits live auf Tournee mit Jimmy Buffett. Nun folgt seine Interpretation als Studioversion. „Why Not“, geschrieben und gesungen vom Multi-Platin-Hitmacher Kenny Loggins, ist ein herrlich beschwingtes Stück Soul-Pop mit tollen Hooks und einem spritzigen Ukulele-Solo, das die Herzen höher schlagen lässt. Fans, die sich nach instrumentaler Glückseligkeit sehnen, werden sich an dem treffend benannten „Smokin‘ Strings“ erfreuen, das Jake zusammen mit der Bluegrass-Gitarristen Billy Strings geschrieben und eingespielt hat. Mit Warren Haynes von den Allman Brothers und Gov’t Mule liefert sich Jake einen epischen Schlagabtausch bei ihrer feurigen Interpretation des Blues-Rock-Klassikers „On the Road to Freedom“.
Die Beatles haben in Jakes Repertoire schon immer eine große Rolle gespielt, schließlich landete er mit seiner großartigen Version von „While My Guitar Gently Weeps“ seinen ersten Hit. Deshalb covert er auf Jake & Friends nicht nur ein, sondern gleich drei Juwelen der Fab Four. Unterstützung fand er hierfür bei Ziggy Marley, Jon Anderson sowie Vince Gill und Amy Grant.
„Wenn ich jetzt zurückblicke, fühlt es sich wie ein Traum an“, sagt Jake mit einer Mischung aus Stolz und Erleichterung. „Ich bin mit der Vorstellung aufgewachsen, eines Tages meine musikalischen Helden zu treffen, und hier bin ich nun und spiele mit ihnen auf meiner eigenen Platte. Das ist einfach unbeschreiblich. Ich bin so glücklich, dass ich diese Erfahrung machen durfte, und ich kann es kaum erwarten, dass die Leute es hören. Ich denke, sie werden spüren, dass ich die beste Zeit meines Lebens hatte.“
Stay tuned for additional updates.
Erscheint am 12. November 2021 über Mascot Label Group/Music Theories Recordings und JS Records
Mit ihrem Debütalbum „Witchdoctor“(VÖ 27.08.2021) hat es sich die experimentelle Rock-Formation Sticky Hickey zur Aufgabe gemacht, das tiefere Territorium auszuloten was der Rock heutzutage bedeuten kann.
Keine Genregrenzen, lautete das Motto. Nur ein bisschen Voodoo war im Spiel, daher der Albumtitel. Die teils komplexen harmonischen Strukturen und die verschiedenen Einflüsse der Musiker machen das Album etwas experimentell und sehr interessant.
Übersetzt bedeutet Sticky Hickey klebriger Knutschfleck. “Wir möchten einen emotionalen Abdruck hinterlassen, der einen auch nach dem Hören noch beschäftigt, wenn man in den Spiegel schaut”, so Sänger Pablo Schallenberg. “Schon lange wollte ich mit Grab (Gitarre) und Chris (Hammond/Piano) eine Platte machen. Auch weil wir schon in vielen Projekten miteinander gearbeitet haben, aber in erster Linie, weil die Welt da draußen unbedingt das Talent dieser beiden Masterminds erleben soll. Dass noch weitere Hochkaräter auf “Witchdoctor” zu hören sind, liegt wohl daran, dass wir inmitten des Corona-Vakuums produziert haben.”
Den Drumhocker teilen sich Sina Döring, die mit ihren 21 Jahren bereits mit Größen wie Brian May und Ian Paice gearbeitet hat, und der Musikproduzent Jan Niemeyer, der unter anderem in der Band von Lena Meyer-Landrut hinterm Schlagzeug saß. Am Bass ist Ufo Walter vertreten, der kürzlich mit Randy Hansen und Helge Schneider eine Produktion abgeschlossen hatte und über einen gemeinsamen Freund ins Studio geholt wurde. Hinzu kommen Bläser-Arrangements von Til Schneider (u.a. Rundfunktanzorchester Ehrenfeld, Die Toten Hosen) und viele weitere Talente, die spontan in den kreativen Prozess eingestiegen sind.
Die besondere Energie von „Witchdoctor“ kommt auch daher, dass alles analog auf einer 24-Spur-Bandmaschine aufgenommen wurde. “Beim live Einspielen entsteht etwas Spürbares zwischen den Spuren, was verloren geht, wenn man alles nacheinander aufnimmt”, so Grab.
Das massive Fundament bildet die gemeinsame Leidenschaft für Oldschool-Rock, gepaart mit Oldschool-Funk, Soul, Blues und Reggae. Ein bisschen von den Beatles haben wir auch abgekupfert. Dieses postmoderne Pottpüree gepaart mit einem wachsamen Auge für aktuelle Themen und einem Ohr für das innere Kind, ergeben die klebrige Mischung von Sticky Hickey.
“In Zeiten, in denen die Probleme in der Welt nur global zu lösen sind, gewinnt Musik wieder an Bedeutung, da sie universell verständlich ist und die Kraft hat, eine Botschaft ohne Umwege direkt in die Herzen der Menschen zu katapultieren. Kein anderes Medium hat diese Power!”, meint Pablo.
NEW ORLEANS, LA – 11. Januar 2021 – New Orleans Funk Powerhouse Dumpstaphunk kündigen ihr neues Album Where Do We Go From Here an, das am 23. April 2021 (via Mascot Label Group / The Funk Garage) erscheinen wird.
Es ist das erste Album der Band seit sieben Jahren und zweifelsohne das stärkste und politischste ihrer Karriere. Zu den bereits veröffentlichten Singles gehören Justice 2020, das kürzlich von der New York Times als einer der besten Songs des Jahres 2020 bezeichnet wurde, und der nachdenkliche Titeltrack Where Do We Go From Here. Die Platte stellt ohne Zweifel ein relevantes Statement dar.
Dumpstaphunk veröffentlichte den Titeltrack des Albums „Where Do We Go From Here“ im August 2020 zum 15. Jahrestag des Hurrikans Katrina und erntete Lob von der New York Times für seinen „slinky funk backbeat“ und „gospel determination“. Am Vorabend der Präsidentschaftswahlen veröffentlichte die Band strategisch die Single „Justice 2020“ (featuring Chali 2na und Trombone Shorty), die zu einer inoffiziellen Hymne der Bewegung für soziale Gerechtigkeit wurde. Das kraftvolle Musikvideo veranlasste die New York Times dazu, „Justice 2020“ zu einem der „Top 20 Songs of 2020“ zu ernennen, was zum Teil auf die starke Botschaft des Musikvideos zurückzuführen ist, die auf soziale Ungerechtigkeit, systemischen Rassismus, Polizeibrutalität und die Notwendigkeit von Veränderungen anspielt, während sie gleichzeitig textlich fordert, dass wir als menschliche Wesen „We Are All Beautiful“ sind.
Das Arsenal der Band an klassischen und modernen Einflüssen ist hier wunderbar zu hören. Eine unverwechselbare Mischung aus echtem New Orleans Funk, Old School R&B und gitarrenlastigem modernem Rock; vom Slap-Bass-Rave „Make It After All“ bis hin zu den zeitgenössischen Interpretationen von NOLA R&B-Raritäten (das Blackmail-Juwel „Let’s Get At It“ von 1975) und Klassikern der frühen Siebziger (Sly and the Family Stone’s „In Time“). Bei der Coverversion von Buddy Miles‘ Hendrix-inspiriertem „United Nations Stomp“ aus dem Jahr 1973, wartet das aufstrebende Bluesgitarren-Phänomen Marcus King als Special Guest mit einem glühenden Gitarrensolo auf.
„Wir hoffen, dass die Leute die neuen Songs hören und zum Tanzen animiert werden und gleichzeitig aber auch zum Nachdenken angeregt werden“, sagt Ivan und spricht über die heikle Balance des neuen Albums zwischen thematischem Material und Dancefloor-Rockern.
In den letzten 17 Jahren hat sich Dumpstaphunk den Ruf einer hoch angesehenen New Orleans-Musikinstitution der nächsten Generation erspielt – die Art von Band, deren Live-Auftritte schon Legenden wie Carlos Santana, Bob Weir, George Clinton und Mitglieder von Phish auf den Plan gerufen haben. Neben den ursprünglichen Kernmitgliedern Tony Hall und Nick Daniels und den Neuzugängen Alex Wasily, Ryan Nyther und Schlagzeuger Devin Trusclair haben Ivan und Ian Neville (die Söhne von Aaron Neville bzw. Art „Poppa Funk“ Neville) auf dem ikonischen NOLA-Erbe ihrer Familie aufgebaut und Dumpstaphunk in den herausragenden Funk-Fusion-Export New Orleans verwandelt, was zu aktuellen Karrierehöhepunkten wie dem Support für die Rolling Stones im Juli 2019 in ihrer Heimat, dem Mercedes Benz Superdome, führte.
Den Groove der Neville/Meters-Familie zu modernisieren und neu zu beleben ist eine der treibenden Kräfte von Dumpstaphunk, seit sich die Band 2003 spontan während des New Orleans Jazz & Heritage Festivals formierte. Where Do We Go From Here ist vielleicht der bisher beste Beweis für Dumpstaphunks Fähigkeit, ihre einzigartigen Crescent City-Wurzeln in Kombination mit den tieferen äußeren musikalischen und philosophischen Einflüssen, auf denen die Band basiert, zu stärken und zu transformieren.
„Natürlich ist die Geschichte von New Orleans in uns verankert, aber wir schaffen es auch, all die anderen Sachen, die wir über die Jahre gehört haben, mit einzubeziehen“, sagt Ivan. „Wir repräsentieren ein Erbe, aber wir interpretieren auch vieles davon neu.“
Dumpstaphunk kündigen neues Album mit dem Titel “Where Do We Go From Here” an VÖ am 23.04.2021 via Mascot Label Group / The Funk Garage
Der zweifache „Contemporary Blues“ Grammy-Preisträger Fantastic Negrito ist als begnadeter Bluesmusiker bekannt. Obwohl der Blues nach wie vor die Grundlage seines Sounds ist, ist seine Herangehensweise an das Genre ebenso einfallsreich und vielseitig wie seine schicke Garderobe.
Klassische Bluesmerkmale sind nach wie vor feste Bestandteile, aber seine moderne Auffassung fügt Elemente von Rock, Funk, Soul, R&B und Hip-Hop hinzu. Negrito fokussiert sich textlich auf die Komplexität von psychischen Erkrankungen und setzt gleichzeitig seine langjährige Auseinandersetzung mit der sozialen und politischen Lage Amerikas fort. Als Gäste sind der Rapper E-40 und Tarriona „Tank“ Ball von Tank and the Bangas an Bord.
Fantastic Negrito – Have You Lost Your Mind YetParanoia, Angst und Verzweiflung – alles wiederkehrende Themen auf dem neuen Album – sind Gefühle, die Fantastic Negrito, geborener Xavier Amin Dphrepaulezz, nur allzu gut kennt. Nachdem er im Alter von 12 Jahren von zu Hause weggelaufen war, wurde er in Pflegefamilien aufgezogen. Als Jugendlicher wurde er in das Straßenleben hineingezogen und verlor Familienmitglieder durch Schusswaffengewalt. Negrito sagt, die Erfahrungen hätten ihn abgestumpft und narzisstisch gemacht und zu zweifelhaften Lebensentscheidungen geführt. Im Jahr 2000 kam es zu einem Wendepunkt, als Negrito nach einem Autounfall in ein Koma fiel und dem Tod nahe war. Er überlebte und erfand sich danach als moderner Bluesmusiker und selbsternannter Wiederbelebungskünstler der „Black Roots Music“ neu. Der alte Negrito – der charismatische Egoist, der Frauen verfolgte, Menschen verletzte und sich nur um sich selbst kümmerte – existiert heute nur noch als lyrischer Bezugspunkt.
Die ersten beiden Alben von Fantastic Negrito, „Last Days of Oakland“ und „Please Don’t Be Dead“, wurden beide mit Grammys für das beste zeitgenössische Blues-Album ausgezeichnet. Sie enthielten Songs über soziale Ängste, die Genesung von seinem lebensbedrohlichen Autounfall, die Auswirkungen der Gentrifizierung, giftigen Konsum und die Obdachlosigkeit.
HAVE YOU LOST YOUR MIND YET? markiert Fantastic Negritos bisher konzeptuellste und weitreichendste Arbeit, in dem er textlich nochmal tiefer als bisher geht. Inspiriert von und erinnernd an die sozio-politischen Alben aus dem schwarzen Amerika der späten 1960er und bis in die 70er Jahre hinein, untersucht Negrito die Komplexität des psychischen Wohlbefindens und der seelischen Gesundheit und setzt gleichzeitig seine langjährige Auseinandersetzung mit der zunehmend gebrochenen sozialen und politischen Lage Amerikas fort. Aufgrund des übergreifenden Themas von psychischen Erkrankungen sei es auch die größte persönliche Herausforderung gewesen, sagte er. „Nicht die Geisteskrankheit, die offensichtlich ist bei Typen, die in West Oakland die Straße entlang gehen und mit sich selbst reden. Ich spreche von der, die wir alle im Stillen erleben, von dieser Informationsflut, für die wir meiner Meinung nach nicht wirklich gebaut sind – eine Art von Geisteskrankheit, mit der wir einfach irgendwie jeden Tag existieren“.
HAVE YOU LOST YOUR MIND YET? bezieht sich auf die Psyche, sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne. Negritos Texte bewegen sich oft auf dunklen Wegen, aber es gibt ein Gleichgewicht von Schatten und Licht, das die beabsichtigte Wirkung der Katharsis erzielt. Und das durchgängige Thema hält das Projekt als ein Album zusammen, nicht nur als eine Sammlung von Liedern: Auf zwölf Titeln zieht der Künstler eine Grenze zwischen nuancierten Themen wie der Selbstzerstörung durch Drogenmissbrauch, dem Paradoxon der toxischen Männlichkeit, der Macht der weiblichen Sexualität und der missverstandenen Natur gesellschaftlicher Ausgestoßener und emotional-stummer Gesetzloser. Negritos charakteristisches Falsett und sein Hang zu deep-pocket grooves und ohrwurmartigen Hooks bleiben durchweg erhalten, ebenso wie seine Affinität zu gesellschaftlichen Kommentaren. Aber sein Genie ist seine Fähigkeit, unangenehme Themen auf eine Weise anzusprechen, die sich universell anfühlt. Anstatt urteilend zu sein oder von einem Podest aus zu predigen, bezieht sich Negrito auf die Menschheit aus einer näheren Perspektive.
„Auf den ersten beiden Alben habe ich über allgemeine Themen geschrieben“, sagt Fantastic Negrito. „Die Verbreitung von Waffengewalt, die NRA, Gentrifizierung und Obdachlosigkeit, Pharmaunternehmen, die Jagd auf die Menschen machen. Auf diesem Album wollte ich über Menschen schreiben, die ich kenne oder kannte, mit denen ich aufgewachsen bin, über Menschen, deren Leben ich persönlich beeinflussen konnte und deren Leben mich beeinflusst hat. Für mich war es das schwerste Album, das ich je geschrieben habe. Was möchte ich diesen Menschen und der Welt sagen? Wenn ich die Chance hätte, würde ich ihnen sagen, dass der Schmerz, den sie empfinden, dass die Dunkelheit, die sie durchleben, vorbeigehen wird – vor allem, wenn man die Spanne eines ganzen Lebens betrachtet, ist da noch mehr. Ich würde ihnen sagen, dass wir diese Hindernisse nicht allein bekämpfen können. Wir brauchen uns gegenseitig. Raus aus dem Internet. Sprecht mit Menschen. Ich würde ihnen sagen, dass ich für Sie da bin. Wir können uns vor dem Schmerz nicht verstecken. Wir müssen uns ihm stellen. Jemandem wirklich in die Augen zu schauen, bedeutet, seine Macht und seine Verletzlichkeit zu spüren, Menschlichkeit und Liebe zu empfinden“.
Fantastic Negrito – Chocolate Samurai
Obwohl der Blues nach wie vor die Grundlage seines Sounds ist, ist seine Herangehensweise an das Genre ebenso einfallsreich wie seine schicke Garderobe. Klassische Bluesmerkmale vom traurigen Klagen bis hin zum orgelumsponnenen Boogie-Woogie sind nach wie vor Bestandteile, aber seine moderne Auffassung fügt Elemente von Rock, Funk, Soul, R&B und Hip-Hop hinzu. „Ich werde mich immer für Blues und all das begeistern, aber ich will es nicht auf die gleiche langweilige Art und Weise angehen, wie die Leute es getan haben“, sagt er.
Anfang April veröffentlichte Fantastic Negrito als ersten Vorboten den hymnischen, federnden Opener des Albums „Chocolate Samurai“ .Der Song wurde musikalisch durch den Stevie-Wonder-Klassiker „Higher Ground“ beeinflusst, sagte Negrito. Er beschreibt jemanden der darum kämpft, sich über Wasser zu halten. Anstatt sich in Depressionen zu suhlen, besteht seine Antwort auf Stress und Angst darin, „heute Nacht frei zu werden“, wie der Refrain des Liedes mahnt. Bei der Freiheit, die in dem Lied beschrieben wird, geht es laut Negrito darum, sich nicht in das vorherrschende Wertesystem einzukaufen und stattdessen Stärke von denen zu beziehen, die einem am nächsten stehen. Im Crowd-Sourced Video zu „Chocolate Samurai“ haben sich Fans während der ersten Tage der COVID-19-Pandemie in Amerika zu Hause gefilmt. Der Clip hat für viel Aufmerksamkeit gesorgt und so schrieb bspw. Consequence of Sound: „Als Künstler, der seit langem für seine Live-Auftritte bewundert wird, muss es für Fantastic Negrito besonders schwierig sein, im Moment keine Verbindung zu den Fans herzustellen. Der Blues-Rocker findet aber immer noch Wege, seine Fans zu erreichen. Für das Video zu seiner neuen Single ‚Chocolate Samurai‘ startete Fantastic Negrito ein weltweites Mitsingen, das alle seine Fans in Selbstisolation zusammenbrachte“. Chocolate Samurai beginnt mit der Zeile „Have you lost your mind yet?“, der auch der Titel des Albums ist. Er singt „My people my teachers my soldiers let’s get free tonight“ und erklärt dazu „Ich möchte, dass die Menschen frei von sich selbst sind. Der größte Gegner, dem ich jeden Tag gegenüberstehe, bin ich selbst, und ich denke, das gilt für uns alle. Hören wir auf, unsere Handys anzustarren, damit wir uns anschauen und ein bisschen miteinander reden können. Ich denke, das ist das beste was wir im Jahr 2020 machen können. Hören wir auf, uns von der Idee versklaven zu lassen, dass wir berühmt sein müssen, oder dass die Zahl unserer Vorlieben und Anhänger unseren Wert bestimmt. Davon müssen wir frei sein.“
Fantastic Negrito „Chocolate Samurai“ – Late Show #PlayAtHome
Obwohl Negrito in erster Linie als begnadeter Bluesmusiker bekannt ist, zeigt er eine außergewöhnliche musikalische Vielseitigkeit wie zB. auf der zweiten Single „How Long“. Der Song beginnt mit dem Text “to all my baby Al Capones” und setzt sich mit denen auseinander, die hinter Schießereien an Schulen, Polizeibrutalität und anderen sinnlosen Gewalttaten stecken. Negrito hält der Gesellschaft als Ganzes einen Spiegel vor und fragt, warum sich die Menschen von der Menschheit abgekoppelt haben und wie unsere gegenwärtige Kultur zu einer fruchtbaren Umgebung für dieses Verhalten geworden ist. Es handelt sich nicht um ein Lied, das aus topografischer Distanz beobachtet und kommentiert. Es ist ein Lied aus den Schützengräben. Ein Lied, das alles gesehen und gelebt hat. Ein Lied, das nicht mehr weinen kann. Negrito dazu: „Das Lied spricht zu Leuten, die Probleme hatten. Sie müssen nicht alle ausschließlich Gangster verehren. Ich meine, was ist schlimmer, einen Gangster zu verehren oder einen Markennamen anzubeten? Sie sind beide destruktiv. Als ich „How Long“ schrieb, sprach ich eigentlich von dem dem Amokläufer – ein sehr vertrautes Thema in der amerikanischen Gesellschaft. Wir alle wissen, wer der Amokläufer ist. Er ist isoliert, hat Angst, vielleicht fühlt er sich verraten, und um seine Angst zu verbergen, konsumiert er Bilder und Medien, die ihm das Gefühl geben, mächtig zu sein. Wenn ich die Chance hätte, würde ich dem Amokläufer sagen, dass er nicht allein dabei ist. Ich würde ihm sagen, dass ich Verzweiflung kenne. Ich würde ihm all die schrecklichen Dinge gestehen, die ich in meinem Leben getan habe. All die Dunkelheit, die Pflegeheime, die Sexualstraftäter, meine früheren kriminellen Aktivitäten. Ich habe vielen Menschen wehgetan. Ich bin von zu Hause weggelaufen, als ich 12 Jahre alt war. Ich sah meinen 14-jährigen Bruder mit weggeblasenem Kopf, und ich half meiner Mutter, das Blut vom Boden zu entfernen. Ich sah zu, wie mein 16 Jahre alter Cousin in einem Sarg beerdigt wurde. Mein bester Freund wurde in einem Friseurladen hier in der liberalen, friedliebenden Bay Area ermordet. Ich überlebte ein dreiwöchiges Koma. Ich verlor meine Spielhand, und ich fühlte mich, als sei alles vorbei. Aber das war es nicht. Hoffentlich kann die Fähigkeit, diese Dinge zu überleben und sie mit Menschen in Verzweiflung zu teilen, dazu beitragen, den ganzen Schmerz zu lindern.“
„How Long„, richtet sich aber auch an den im vergangenen Dezember verstorbenen aufstrebenden Rapper Juice WRLD, der eine tödliche Überdosis verschreibungspflichtiger Pillen genommen hatte. Diese Tragödie ist ein Beispiel für die Art von Selbstzerstörung, die Negrito auf seinem Album erkunden wollte. „Das hat etwas sehr Krankhaftes“, sagte er über die Überdosis. „Diese Dinge, für die Sie arbeiten und von denen Sie geträumt haben, und doch fehlt noch etwas in Ihrem Leben, dass Sie diese verschreibungspflichtigen Pillen brauchen. Und da können wir alle hineinfallen.“
Fantastic Negrito – How Long? (Official Video)
Negrito zeigt seine musikalische Vielseitigkeit auch bei „Searching for Captain Save a Hoe (Feat. E-40)„, einer zum Nachdenken anregenden modernen Neuerfindung des Klassikers „Captain Save A Hoe“ des legendären Bay Area-Rappers von 1993. Zu den weiteren Höhepunkten gehört „I’m So Happy I Cry“ mit dem kraftvollen Gesang von Tarriona „Tank“ Ball von Tank and the Bangas. Dies ist die allererste Kollaboration von zwei früheren Gewinnern des einflussreichen NPR-Wettbewerbs „Tiny Desk Concert“. Einer der ergreifendsten Songs des Albums, „King Frustration„, wurde durch eine zufällige Begegnung mit einem Familienmitglied inspiriert, das in Drogenabhängigkeit und Prostitution versunken war. Persönliche Beziehungen stehen auch im Mittelpunkt von „These Are My Friends„, einer schrulligen, aber ansteckenden Melodie über wahre Freunde, die die Schwächen des anderen akzeptieren. Dann gibt es „All Up In My Space„, einen Song über den Respekt vor den Grenzen der Menschen, das sich in Zeiten einer Pandemie unheimlich treffend anfühlt.
Fantastic Negrito – I’m So Happy I Cry (Official Video) ft. Tarriona „Tank“ Ball
So unbeständig die Zeiten gerade sein mögen: Have You Lost Your Mind Yet bestätigt mehr als deutlich, dass Fantastic Negrito einer der vitalsten und provokativsten Künstler der amerikanischen Musikszene ist, ganz gleich, um welches Genre es sich handelt. Was Negritos Mojo heutzutage mehr als alles andere antreibt, ist sein Sinn für Spiritualität, eine Suche nach seelenbewegender Resonanz und tief verwurzelten Gefühlen, die seinen Aufnahmen Gravität verleihen und den Besuch seiner Live-Shows zu einer religiösen Erfahrung werden lassen.
Album Facts:
VÖ: 14.08.2020 Artist: Fantastic Negrito
Title: Have You Lost Your Mind Yet? Label: Cooking Vinyl
Formate: Vinyl, CD, Digital
Genre: Blues / Rock / Funk
Die Mischung macht’s und die ist Mishell Ivon Walton und Basti Braun, alias NOVI, auf ihrem ersten Album „Modern-Day Goddess“ fabelhaft gelungen. Ein Sound der erfrischend vielfältig ist, aber dennoch vertraut und inspirierend. Dabei verschwimmen die Grenzen zwischen Funk, Pop, Soul und Elektro-Elementen, die an legendäre Künstler wie Jamiroquai, Prince oder Daft Punk erinnern.
Nun ist das aktuelle Album seit dem 09. August veröffentlicht und nach dem Video zur ersten Single „Goldfish Memories“ legen NOVI nun mit dem Video zur zweiten Single „Black Violet“ nach, hier zu sehen:
Zum Video gibt es folgendes Statement: The Fool’s Journey from the Rider-Waite Tarot wird zur Geschichte eines jeden Künstlers, der leiden und wachsen muss, um sich zu einem erfolgreichen, selbstbewussten und weisen Menschen in der Welt zu entwickeln. Die 22 Karten des Major Arcana – die großen Geheimnisse – bilden die Hauptstationen des Tarots. Jeder Charakter hat eine starke symbolische und esoterische Bedeutung und die Reihenfolge der Karten ist nicht zufällig. Der zentrale Handlungspunkt im Tarot ist „The Fool’s Journey“ – eine Reise der Selbstfindung: Hindernisse überwinden, die eigenen geistigen Gaben und Talente meistern und sie in der physischen Welt manifestieren. Damit ist das Konzept mit dem zentralen Thema von Black Violet verbunden: Selbstverwirklichung durch Musik und Kunst.
Der Narr ist die Hauptfigur in der Geschichte – in unserem Fall handelt es sich um einen jungen, naiven Künstler, der voller brillanter Ideen, Gaben und Talente ist, sich aber nicht vollständig dessen bewusst, wie man sie einsetzt. Er begibt sich auf die Suche nach Selbstfindung und trifft 22 Szenarien / Charaktere – jedes von ihnen wird ihm dabei helfen, stärker, bewusster und entschlossener zu werden, bis die Reise ihren siegreichen Abschluss in der Weltkarte erreicht. Er hat das Bewusstsein gemeistert und ist jetzt bereit, die Welt zu regieren!
Eigentlich ist Mishell Ivon schon von Haus aus ein echter Remix. Amerikanischer Vater, deutsche Mutter, internationale Schulen, jede Menge Umzüge und Studium in England. Das ergibt eine deutsch-englische Denkweise und ein charmantes Denglish. Aufgewachsen ist sie mit den Heimatländern ihrer Eltern, diese zwei Welten, in denen sie sich mit spielerischer Leichtigkeit bewegt, herrschten in musikalischer Hinsicht auch Zuhause. Da kam alles Mögliche aus den Lautsprechern, von Soul und Funk, über Pop und Rock, bis hin zu Motown und sonntags liefen die aus Amerika geschickten Musikvideos im Hintergrund.
NoviMit „Modern-Day Goddess“ starten NOVI in eine Freiheit, die ihre (bisher von anderen) gesetzten Grenzen aufhebt. Ihre gemeinsame Vorliebe zum klassischen Soul hört man schnell und die Themen, die sie in ihren Texten aufnehmen, sind ein bunter Mix aus Erlebtem und aktuellen Begebenheiten.
Das ganze Album „Modern-Day Goddess“ handelt von Mishells Reise, ein Risiko einzugehen. „Meine Musik alleine zu machen, ohne den Einfluss anderer oder deren Visionen umzusetzen, während meine auf Eis liegen. Auf diesem Album geht es darum, in das schwarze Wasser einzutauchen und triumphierend aufzutauchen. Auch wenn viele erwartet haben oder sogar wollten, dass ich ertrinke. Der Sound und der Tonfall ist genau das was ich bin, und was aus mir geworden ist. Das Gute und das Schlechte, das Schöne und das Hässliche. Ich spreche es laut aus und lass alle los, die mich festgehalten haben.“
Stilmix mit Qualität und Schalk im Nacken – RLO (Rock Lounge Orchestra) veröffentlichen neues Album am 09. November 2018
Sie haben sich ein bisschen Zeit gelassen, um das, was ihnen am Herzen liegt, zu vollenden. Und das Ergebnis kann sich sehen und hören lassen. Aus den zahlreichen Einflüssen vieler Musik-Erlebnisse, unzähligen Konzerten mit vielen auch noch aktuellen Formationen aus (mehr oder weniger) allen Musikrichtungen (von Klassik bis Rock), haben RLO (Rock Lounge Orchestra) eingängige Rocksongs mit Ohrwurm-Gefahr und augenzwinkerndem Schalk im Nacken geschaffen.
Dass da mal die Stilrichtung (Rock, Reggae, Funk) wechselt, oder auch die Sprache, macht das Album (VÖ 09.11.2018) erst interessant. Sicherlich spiegeln sich vereinzelt auch Einflüsse einiger Vorbilder wie Bruce Springsteen, Cougar-Mellenkamp oder auch Deep Purple, Marc Cohn oder Doors wider. Alles in allem hat ihre Musik aber auch durch die vielseitige Instrumentierung – oder gerade deswegen – einen eigenen Charakter.
Das Rock Lounge Orchestra überzeugt nicht nur mit kraftvollen Classic Rock &Melodien. Bei diesem Aufgebot an Musikern KANN doch nur gute Musik entstehen. Jeder einzeln hat an zahlreichen Produktionen und Live-Auftritten mit bekannten Künstlern teilgenommen. Von Placido Domingo über Jon Hiseman (Colosseum) , Hubert von Goisern und Fritz Hilpert (Kraftwerk) bis Klaus Doldinger, James Morrison… von Bayerischen Rundfunk bis Düsseldorfer Schauspielhaus, um nur einige Stationen und Kooperationen zu nennen.
Also: reinhören lohnt sich…und an neuen Songs wird bereits wieder gebastelt!
Vorab gibt es mit dem Video zur aktuelle Single “Nie“ schon mal einen ersten Eindruck, hier zu sehen:
Der fast philosophisch anmutende Text ist eine Hommage ans Nichts-Tun. „NIE“ erscheint am 28.09.2018 und handelt von einer gestressten Person, die nie NEIN sagen kann und plötzlich entspannen kann, indem er NIE-Bier trinkt. Gemeinsam mit der Olchinger-Braumanufaktur wurde eine Brauerei gefunden, die passend zum Gefühl des Songs ein „NIE-Bier“ gebraut hat. Die Kombination der fruchtigen Hopfensorten und den eingängigen Melodien des Songs überzeugt nicht nur so manchen Craftbier-Trinker.
Live Dates aktuell:
23.11.2018 Wintertollwood München – CD-Release Party Theresienwiese
07.12.2018 Cafe Nea Zoi – 84503 Altötting
20.12.2018 Schwabinger Weihnachtsmarkt München – Münchner Freiheit
Chris Wayfarer ist zurück auf Colour In Music. Der umtriebige Produzent aus Deutschland veröffentlicht mit „One Of Many“ seine zweite EP auf dem Lissabonner Label und bringt dabei eine gehörige Portion Funkyness ins Spiel.
Chris Wayfarer – One Of Many EPDer namensgebende Titeltrack der EP kommt reich bepackt mit Pads daher, die dem Tune seine Tiefe verleihen. Gleichzeitig umspielen Rhodes und Stabs das zum Träumen einladende Hauptthema, welches von klassischen Oldschool Breaks und einer fordernden Kick angeschoben werden. Kopfnickermusik mit Sommerfeeling.
Mike Morales tritt in seinem Remix von „One Of Many“ die Flucht nach vorne an oder besser gesagt, auf die Tanzfläche. Obwohl er den Breakbeats treu bleibt, reduziert er den Track auf das Wesentliche. Heraus kommt dabei ein dickes, an Hip House angelehntes Gerät mit fetter Bassline und starker Reminiszenz an die 90er Jahre.
Chris Wayfarer „Point Of View“ Tracklist: 01. Chris Wayfarer – One Of Many (00:07:34)
02. Chris Wayfarer – One Of Many (Mike Morales Remix) (00:08:35)
03. Chris Wayfarer – Point Of View (00:06:22)
04. Chris Wayfarer – Point Of View (Luis Bravo Dub Remix) (00:07:17)
Previews auf Soundcloud
Mit „Point Of View“ bringt Chris Wayfarer etwas Dunkel ins Licht und orientiert sich ebenfalls in Richtung Tanzfläche. Modulierte Synths und Pads schweben über einer düsteren Drone-Bassline und bekommen ihren Schub von einer orientalisch anmutenden Percussion.
Einen Schritt weiter geht Luis Bravo in seiner Version von „Point Of View“, indem er das Original einer Dub Behandlung unterzieht und den geheimnisvollen und schwebenden Charakter durch weitere Pads verstärkt.
Early support kommt von Nick Warren, Steve Lawler, Paco Osuna, Sossa, Seven Davis Jr., The Mekanism, Gene Farris, Shiba San, Onionz, Reelow, Fog, T.W.I.C.E, Jose Maria Ramon, Lars Behrenroth, Mix Feed, DasBaumHaus, Time 2 House, Universal Vibes, Fact Worldwide, Deep in Radio, Kiss FM Ukraine, House Afrika, Eminent.,This Is Why We Dance und vielen mehr.
Artwork: El Ciganito
Videos: Enzo Avanzato
Content Writer: Samuel Fedy
Übersetzung: Textwandler.net
Masterings by Pristine Creations Studios
In allen Stores als digital download erhältlich ab dem 26.02.2018.
Explosionen am Firmament, kollektive Streifzüge durch abenteuerliche Klanglandschaften: Andromeda Mega Express Orchestra sind zurück mit ihrem vierten Album „Vula“.
Nachdem das „genresprengende Faszinosum“ (FAZ) zuletzt das 10-jährige Jubiläum mit etlichen Live-Shows zelebriert hat, klingen AMEO im Jahr 2017 deutlich melodischer – aber kein bisschen weniger explosiv und unberechenbar.
ANDROMEDA MEGA EXPRESS ORCHESTRA – ALBUM: Vula (07.07.2017, via Alien Transistor)
Flirrend bahnt es sich an, mit leichten Winden, tänzelnden Melodien, aber ihre Schuldigkeit tun die altbekannten Isothermen und Isotheren schließlich doch: Blitze zucken durch die vertonte Einträchtigkeit, ungeahnte Energien entladen sich, rollen rhythmisch wie Urgewalten über die Klanglandschaft hinweg. Indem sie inmitten der sich entfaltenden Dramatik mit vereinten Kräften nach wiederkehrenden Harmoniemomenten suchen, Schutzräume aufmachen, bricht das 18-köpfige Großensemble um Leiter und Komponist Daniel Glatzel auf ins vierte Album: „Vula“!
Während auch diese sieben Kompositionen durch zu viele Dekaden, Traditionen und Genres führen, um das in wenigen Zeilen fassen zu können, ist „Vula“ durchaus anders gelagert als der Live-Vorgänger oder auch das letzte Studioalbum „BUM BUM“ von 2012: Weniger kleinteilig und verknüpft durch wiederkehrende Motive und Harmonien, wirkt die LP geschlossener, wie ein vielsträngiges Abenteuer, das erst über seine gesamte Spieldauer seine volle Wirkung entfaltet. „Die Musik wird sich dem Hörer nicht durch flüchtiges Durchzappen erschließen, sondern nur durch konzentriertes Hören in stiller Umgebung, mit gutem Sound und über die volle Länge des Albums“, so Glatzel. „Das mag anachronistisch klingen, aber so hat sich auch die Arbeit dargestellt: Es gab in der jahrelangen Entstehungsphase extrem viele inhaltliche und organisatorische Widerstände, die sehr hohen Einsatz gefordert haben. Trotz des Getöses war aber immer wieder eine klare Eingebung zu spüren, der ich folgen konn
te. Die Musik scheint uns zu sagen: Wenn du dich nicht hingeben kannst, bist du verloren. Und wenn du es kannst, dann kannst du was erleben.“
Andromeda Mega-Express Ochestra by Christoph-Soeder
Seit seiner Gründung 2006 ist das Andromeda Mega Express Orchestra (AMEO) eines der unverkennbarsten und eigenwilligsten Großensembles. In seiner aktuellen Besetzung besteht es unter der Leitung von Komponist, Arrangeur und Saxophonist Daniel Glatzel aus 18 jungen Instrumentalisten unterschiedlichster musikalischer und kultureller Herkunft. Das Kollektiv bewegt sich seit jeher kompositorisch und interpretatorisch zwischen und jenseits der gängigen Musikszenen-Aufteilung und veröffentlichte bisher drei hochgelobte, unkonventionelle Alben ausschließlich mit Eigenkompositionen.
Dabei ist die eingeschworene und fest zusammenarbeitende Gruppe ein vielteiliges Mosaik aktueller Musik: Die Mitglieder sind versiert in Jazz und Neuer Musik, Klassik, Afro-Funk, Electronica, Progressive Rock und Freier Improvisation, sowie Tanz, Theater und Contemporary Performance. Sie arbeiten regelmäßig mit renommierten Künstlern ihrer Gattung zusammen, z.B. als feste Mitglieder im Ensemble Intercontemporain, The Notwist oder als Solisten mit Kenny Wheeler, Tony Allen, Bobby Hutcherson, Cory Arcangel, Robert Wilson, Pina Bausch’s Tanztheater oder Camerata Bern.
Andromeda Mega Express Orchestra LIVE: 14.10.2017 – DE – Berlin, Zafraan Ensemble invites @ Musikbrauerei
19.10.2017 – DE – Bremen, Theater Bremen
20.10.2017 – DE – Köln, Philharmonie
24.10.2017 – DE – Ludwigshafen, Enjoy Jazz Festival
25.10.2017 – AT – Salzburg, Jazz & The City
Die neue Single „Bassdrum“ von Destination Anywhere ist ab sofort am Start! Es ist das schönste Gefühl der Welt. Egal ob auf dem Zeltplatz beim Festival oder auf dem Weg zum Lieblingsclub in deiner Stadt. Schon aus der Ferne hörst du das dumpfe Wummern der Bassdrum und weißt – das wird ein guter Tag, ein guter Abend! Und wenn du dann vor der Bühne stehst, ist eh Ausnahmezustand: BOOM! YEAH! WHOOH!
Jetzt gibt es kein Halten mehr – tanzen, springen, singen! Da verschwindet der graue und deprimierende Alltag kilometerweit weg im Rückspiegel. All das haben Destination Anywhere in einen Song gepackt – ab jetzt überall zum Streamen verfügbar.
