Archiv der Kategorie: Musik

Laid Back "Cosy Land" CD Cover

Laid Back „Cosy Land“

In den 80ern feierte das dänische Duo LAID BACK mit ihrer entspannten Mischung aus Synthie Pop, Electronic-, Funk- und Reggaeelementen große Hits.

Laid Back "Cosy Land" CD Cover
Laid Back "Cosy Land"

In Deutschland waren vor allem Songs wie „Sunshine Reggae“ oder „Bakerman“ hoch in den Charts. In USA dagegen war es der Anti-Drug-Song „White Horse“, der heute als Meilenstein und Klassiker der elektronischen Musik in den 80ern gilt.

2010 überraschten Tim Stahl und John Guldberg ihre Fans mit Cocaine Cool – einem Song der auch schon in der Zeit von “White Horse” entstanden ist. 2011 wurde dann der sehr gelungene Bakerman Remix von Soul Clap veröffentlicht. Laid Back sind zurück, arbeiten an einem neuen Album und planen eine Welttournee.

Mit „COSYLAND“ präsentiert das Duo vorab im Mai 2012 ein Mini-Album mit teils unveröffentlichtem Material und Songs aus unfinished grooves von den „White Horse“ Jam-Sessions 1981.

Analoge 8-Spur Bänder wurden digitalisiert, Drumbeats, Bass und Vocals addiert und im Studio neu bearbeitet.

Laid Back verbinden analoge 70er Electronica – irgendwo zwischen Giorgio Moroder und Jean-Michel-Jarre – mit ihrem typischen, subtilen Electro-Funk.

Unter den fünf Tracks/Mixes befindet sich auch die bislang unveröffentlichte „Extended Vol.2“ Version ihres letztjährigen Club-Hits „Cocaine Cool“.

Laid Back „Cosy Land“ EP

Absolute rarities are unearthed on this Mini Album, taken from original multi-track archive tapes! Recordings at the source of it all were done in 1981 with brand-new equipment such as a Roland TR-808 rhythm box, a SH-101, a Pro-One monophonic synthesizer and a GR-500 guitar controller-and-synth. At the time, this was Science-Fiction.

LAID BACK - das dänische Duo knüpft an alte Zeiten an
Recently, that material was copied from analogue to digital and, to stay as true as possible to original intentions, we only added vocals, bass and drumbeats ahead of a final mix.

All recordings were improvised for their own pleasure while experimenting with a new technology, difficult to learn for mere mortals. Besides, they were mere newcomers and beginners in this context, not knowing to later end up defining a new type of trademark Sound. The current release is an archaeology excavation trip, so welcome aboard on a journey to Cosyland!

Laid Back is basically a very artistic band – not necessarily your „average Pop act“. If one has to set a sonic trademark on them, it will have to be their minimal „less is more“ style. The secret of Laid Back has always been to make the difficult easy and the complicated simple.

Laid Back „Cosy Land“ Tracklist:

1. Cosyland video edit: 3:09
2. Get Laid Back: 4:53
3. Cocaine Cool extended: 5:40
4. 101 Part 2: 4:25
5. Cosyland: 5:06

LAID BACK – THE STORY

Way back in the seventies, Tim Stahl and John Guldberg met in a band called The Starbox Band and soon found out that there was a spezial chemistry between them. They were always the ones left that kept on jamming when band rehearsals ended. After a disaster of a support gig for The Kinks in Copenhagen, where people walked out on them, the band split up. New technology came as a revolution to musicians in the mid-seventies: multi-track tape recorders, rhythm boxes and synthesizers. In a backyard downtown Copenhagen, John had set up a small studio where they began jamming together and do tape recordings. They soon realized that they had created a new sound, a new way of making music.

The debut album “Laid Back” with their first #1 hit “Maybe I’m Crazy” was released in 1981. The next single, “Sunshine Reggae”, was the summer hit of 1982 in Denmark. In 1983 it then went on to be a huge hit in Italy, and after several earlier attempts, that song began climbing up German charts and finally reached #1, selling more than 750,000 singles. Soon, “Sunshine Reggae” went #1 in 22 countries around the World and having so far sold more than 20 million units, compilations included. In the USA, the focus was however on another song, “White Horse”, which became a #1 Dance track and trendsetter for many other artists. When their US record company told them “don’t come, people think you are black”, Tim and John saw it as the biggest acknowledgement a musician could ever get and stayed away…

Today, “White Horse” is known for being a benchmark cornerstone of the electronic music-making in the Eighties, having been sampled over and over again and becoming a true classic. Another outstanding song is “Bakerman”, a big hit in 1990 and known for the skydiver video by the world-known Danish film director Lars von Trier.

In 2001, they composed the music score for the Danish movie “Flyvende Farmor”, for which they received a Robert (the Danish Oscar Award). That same year, they also showed a new artistic side when a successful Laid Back exhibition of paintings took place in Copenhagen. On covers, posters and website, their own artwork is a perfect link to their music. Live, they still improve on a growing reputation for high musical standards. They performed at the 2004 hip Festival on the Isle of Wight, UK, and in 2005 played at the famous open air stage of the Copenhagen Tivoli Gardens and the equally prestigious Roskilde Festival.

In terms of releases, the album “Happy Dreamer” came in 2005, propelling especially its single “Beautiful Day” to great feedback. This also due to a co-operation with noted DJ / Producer Trentemoeller doing a remix of that track.

This further cemented their command of a particular and personal touch able to inspire a new generation of producers and DJs. Among 12” releases, it is worth noting “Cocaine Cool” (also in its remix by Soul Clap) in actually stemming from the days documented on the present Mini Album in unadulterated form. This resurrected track and its release also signalled the start of an own label, and, Laid Back unhindered producing themselves in their Copenhagen studio. So, fast-forwarding to the present, Laid Back have now an own record company, Brother Music!

The time has come for the release of tracks to be regarded of historical significance.

In one way or another since their label’s start, Laid Back came up with apt videoclips to fit their music along with a free rein in using own imaginative graphics and visuals. You can expect them continuing this rather unique stance, already setting them apart from the run-of-the-mill.

Schlager 2012 Folge 1 CD Cover

Schlager 2012 Folge 1

Der Frühling steht unweigerlich vor der Tür! Das erkennt auch die Schlager-Welt. Auf der brandneuen Compilation SCHLAGER 2012 Folge 1 finden sich die aktuellen Hits der Saison wieder.

Schlager 2012 Folge 1 CD Cover
Schlager 2012 Folge 1

Die Doppel-CD ist optisch im zur Jahreszeit passenden Krokus-Lila gehalten und beinhaltet alle die Schlager-Interpreten, die so beliebt sind – mit ihren ganz aktuellen Songs.

Helene Fischer eröffnet die CD mit ihrem Hit „Wär heut mein letzter Tag“, den die meisten aus dem Radio kennen. Viele weitere Radio-Schlager sind auf CD1 der Doppel-CD enthalten, so u.a. „Rosen ohne Dornen“ (Andrea Jürgens), „Das ist Leben“ (Alexander Klaws) oder „Alles wird gut“ von Hubertus von Garnier.
Weitere Top-Stars auf CD1 der Schlager 2012 Folge 1: Mary Roos, Jörg Bausch, Höhner, De Randfichten, Anna-Maria Zimmermann, Diana Sorbello, Marianne Rosenberg und Jürgen Drews, der den Hit Roland Kaiser-Hit „Am Ende bleiben Tränen“ performt. Gelungen!

Aber auch Teil 2 der Schlager 2012 Folge 1 hat einiges zu bieten: Roland Kaiser singt „Du Wunderbare“ und Hansi Hinterseer möchte es noch einmal tun („Lieb mich noch mal“).

Stefanie Hertel ist ebenso mit von der Partie. Sie hat den James Last Klassiker „Biscaya“ zum ersten Mal mit einem Text versehen und singt „Ein Meer aus Liebe“ auf die James Last-Melodie, die wir alle kennen. Zu schön. Zum Träumen bei den ersten Sonnenstrahlen des Frühlings genau richtig.

Insgesamt sind 44 Schlager-Hits auf der Doppel-CD vertreten. – Die Top-Stars sind alle vereint: Die Paldauer, Lena Valaitis, Frank Schöbel, Nicki, Isabel Varell, Patrizio Buanne, Leonard, Die Grubertaler, Andreas Fulterer, Antonia aus Tirol, Jürgen Marcus und natürlich Publikumsliebling Matthias Reim, der die Live-Version seines Hits „Du bist mein Glück“ vorstellt.

Selbst die Top-Stars aus Österreich und der Schweiz sind auf dieser Doppel-CD zu hören: Stefanie Werger (Österreich) sowie Francine Jordi im Duett mit Florian Ast (Schweiz).

Mit Schlager 2012 Folge 1 kann der Frühling so richtig beginnen und das Schlager-Jahr enorm durchstarten!

Die Jazzkantine spielt Volkslieder CD Cover

Die Jazzkantine spielt Volkslieder!

Die Köche der Jazzkantine haben sich auf eine Forschungsreise ins Innere der deutschen Seele begeben, zu den Ursprüngen von Gesang und Gemüt: sie erkunden unser aller »Heimat« und sie erforschen dabei die Wurzeln populärer Musik im Volkslied.

Die Jazzkantine spielt Volkslieder CD Cover
Die Jazzkantine spielt Volkslieder!

Die Jazzkantine greift mit vollen Händen in die Schatzkiste des Deutschen Liedgutes, fördert ein Füllhorn heimatlicher Klänge zu Tage und startet eine Herz erfrischende Verjüngungskur im unverwechselbaren Sound:

Die Jazzkantine schafft herrlich freche und bewegend anrührende Neuinterpretationen von Kinderliedern wie das Lied vom »Bi-Ba-But­zemann«, von politischen Liedern wie »Die Gedanken sind frei«, Liebesliedern wie »Wenn ich ein Vöglein wär« und von Wanderliedern wie »Im Frühtau zu Berge«.

Dazu kommen Klassiker wie »Kein schöner Land« oder Schillers & Beet­hovens »Ode an die Freude«, heimatliches Immergrün wie »Am Brunnen vor dem Tore« und die Uraufführung »Mutter Türkei«.

Die solistischen Gefährtinnen und Mitwanderer auf der Volkslied-Tour sind der Kieler Autor Peter Schanz, »DePhazz«-Sängerin Pat Appleton, Sam Leigh-Brown (»Hip Teens«), der schwedische Posaunist Nils
Landgren, Sängerin / Saxofonistin Cathrin Groth sowie die Rapper Michel (Ex-Such a Surge) und Carlos.

Aber wie soll das denn gehen: Volkslieder verjazzen? Heimat besingen? Was bedeutet denn überhaupt Heimat: Eine Adresse? Ein Gefühl? Ein Geruch? Ist Heimat, wo die Wiege stand? Ist Heimat eine Erfindung der Möbelindustrie? Ist Heimat, wo noch niemand war? Und: sind wir überhaupt ein Volk? Und wenn ja – wie viele? Und wie viel Volk steckt in einer Nation? War Heimat früher leichter? Gibt es Heimat ohne Freiheit? Geht Jazz nur mit heimatlosen Gesellen? Woher kennen wir plötzlich so viele Volkslieder? Fragen über Fragen und so viel Musik.

Wunderbare, uralte Lieder – von den Ururgroßeltern zu den Großeltern weitergereicht. Jetzt ist sie bei uns angekommen. Und was machen wir jetzt damit? Singen. Spielen. Weiterspielen, Weitersingen – so wie wir sie hören. Und so reichen wir sie weiter. Unter den Volkslied-Schreibern und Sängern finden wir wackere Vorfahren, die ihre Freiheit erst noch erstreiten mussten.

Sie haben für uns gekämpft – wir müssen das nicht mehr: »Ich singe was ich will und was mich beglücket!« Auf diese Heimat wollen wir uns gerne beziehen. Und diese unsere Heimat – und ihre Lieder – werden wir uns nicht von den Rechten besetzen lassen.

Seit den 90er Jahren begeistert die Jazzkantine ihre Fangemeinde landauf und landab. Der unverwechselbare Sound, der erstmals in Deutschland Elemente des Jazz und des HipHop miteinander ver­schmolz und auch keine Berührungsängste zu Soul & Funk kennt, animiert immer wieder die unterschiedlichsten Musiker zur Mitarbeit: Götz Alsmann, Till Brönner, Joo Kraus, Bill Evans, Gunter Hampel, Wu-Tang-Clan, Smudo, Edo Zanki oder Xavier Naidoo sind schon mit der Jazzkantine aufgetreten oder haben für sie Titel geschrieben.

Ein gutes Dutzend CD-Produktionen unterstreicht die Beliebtheit dieser außergewöhnlichen Band, die mittlerweile weit über tausend Konzerte auf ausgedehnten Tourneen durch die Clubs und Hallen Mitteleuropas und Afrikas gab, und die auf den Jazz-Festivals von Montreux bis Kaliningrad zu Hause ist.

In den letzten Jahren haben die ECHO-Preisträger rund um Bassist und Produzent Christian Eitner mehrfach in interessanten Crossover-Projekten mitgewirkt und manch überraschendes Experiment erfolgreich verwirklicht. Eine Tanzzkantine-Tournee zeigte zeitgenössisches Ballett in einer gemeinsam mit den JK-Musikern live
performten Choreographie.

100 Jahre HipHop erzählte in Koproduktion mit der Landesbühne Hannover in Jugendzentren und Schulaulen von Ostfriesland bis in den Harz die Geschichte des türkischen Rappers Puff Baba. Musiktheater-Projekte wie Ölper Zwölf Pöints oder Unser Eintracht führen in Braunschweig mittlerweile regelmäßig zehntausende Besucher im Hochsommer ins Staatstheater.

Zuletzt stand die Jazzkantine dort als »Tiffanys« in Fleisch ist mein Gemüse auf der Bühne. Das letzte Studio Album »Hells Kitchen« erreichte die Nr. 1 der deutschen Jazzcharts und erhielt den Jazz Award des Bundesverbandes Musikindustrie für über 40.000 verkaufte Alben.

JAZZKANTINE

**Cappuccino (vocals / rap)
**Tachi (rap)
**Christian Eitner (bass)
**Tom Bennecke (git)
**Simon Grey (keyb)
**Christian Winninghoff (tp)
* *Heiner Schmitz (sax)
**Andy Lindner (drums)
**Air-Knee (dj)*

[amazon_link asins=’B007IHKT5Y,B001SOYND2,B00MVE5J72,B01IJ4XJ88,B01IUN74KM,B00E83P1M2,B001SP6O9W‘ template=’ProductGrid2′ store=’hai-angriff-21′ marketplace=’DE‘ link_id=’4bef5c2c-795c-11e8-af51-5d4a36d40d74′]

Sebastian-Block-Band-Es-passiert

Sebastian Block „Bin ich Du“

Der Berliner Musiker Sebastian Block geht auch 2012 wieder mit seiner Band auf Tour.

Sebastian-Block-Band-Es-passiert
Sebastian Block "Es passiert"

Obwohl er seit Herbst 2011 ständig unterwegs war, hat er dennoch Zeit gefunden, sein 2011er Debütalbum „Bin ich du“ als akustische Version aufzunehmen, welches ab 13. April 2012 in einem limitierten Bundle mit dem Original-Album erhältlich sein wird.

Als Bonus enthält die Limited Edition mit „Es passiert“ einen brandneuen Song, der bereits am 30. März digital veröffentlicht wird und außerdem Namensgeber der neuen Tour ist. Tourstart ist der 12. April in Leipzig.

Das vergangene Jahr war ein höchst produktives Jahr für Sebastian Block.

Im Alleingang mit seinem Freund und musikalischem Mitstreiter Sven van Thom produzierte er innerhalb von sechs Monaten das Album „Bin ich du“ in einem kleinen Studio in Berlin-Mitte. Bis auf wenige Ausnahmen spielte er alle Instrumente selbst ein.

Nebenbei gründete er sein eigenes Label Januar und schrieb den Titel „Unsere Heimat ist die See“ für den Kinofilm „Niemandsland“ (Regie: Toke Constantin Hebbeln, mit August Diehl u.a.).

Sebastian Blocks Solodebüt erschien am 24. Juni 2011 und erhielt durchweg sehr gute Kritiken. Kein Mainstream, sondern authentisch und lebendig irgendwo dazwischen – so die einhellige Meinung. Die taz schrieb beispielsweise: „Block ist ein Singer-Songwriter-Album im besten Sinne des Wortes gelungen (…)“. Und die Melodie & Rhythmus lobte die unglaublich warme Stimme und resümierte: „Für den Geschichten erzählenden Musiker Block könnte die Zeit nach dem Debütalbum erfolgreich werden.“

In der Tat: Sebastian Block war sowohl solo als auch mit seiner Band permanent auf Tour und nahm jede Herausforderungan. Das wurde schließlich belohnt: Mit dem Song „Ich hoffe ja“ gewann er im August 2011 den Sommer Song Contest des RBB Fernsehens (rbb ZIBB) und im Oktober den Band Contest von Radio Eins (Völkerball 2011).

Eine einzigartige Stimme, Stories über den Wahnsinn des alltäglichen Lebens und musikalisch auf den Punkt arrangierte Songs, zu denen man einfach tanzen und lauthals mitsingen möchte : das ist Sebastian Block.

SEBASTIAN BLOCK & BAND: „ES PASSIERT“ TOUR 2012

12.04.12 Leipzig – Neues Schauspiel 13.04.12 Dresden – Katys Garage
14.04.12 Hof – KunstKaufHaus 26.04.12 Köln – Stereo Wonderland
27.04.12 Saarburg – Offizierscasino 28.04.12 Aachen – Jakobshof
05.05.12 Lübeck – Blauer Engel 12.05.12 Eberswalde – Studentenclub
15.05.12 Gera – Songtage @ Bürgercafé Steinweg (solo) 24.05.12 Weimar – Zum Falken
25.05.12 Brandenburg an der Havel – HdO 28.06.12 Hildesheim – Kulturfabrik (solo)

Sly and Robbie Blackwood Dub

SLY & ROBBIE „BLACKWOOD DUB“

„Strictly Dub – No Vocals“ ! Sly & Robbie präsentieren ihr erstes lupenreines Dub Album seit Jahren.

Sly and Robbie Blackwood Dub
SLY & ROBBIE "BLACKWOOD DUB"

Sly Dunbar & Robbie Shakespeare sind die mit Abstand weltweit bekanntesten und erfolgreichsten Musiker Jamaikas.

Neben essentiellen Dub- und Reggae Aufnahmen für lokale Größen, wurden sie als Schlagzeuger und Bassist auch von diversen Weltstars des Rock/Pop für Aufnahmen engagiert.

Dabei haben sie aber immer auch den talentierten Nachwuchs der Kingstoner Ghettos unterstützt.

Ende Februar präsentieren Sly & Robbie ihr erstes lupenreines Dub-Album seit Jahren. „Blackwood Dub“ wurde u.a. mit langjährigen Weggefährten wie Mikey ‚Mao‘ Chung (Gitarre) und Uziah ‚Sticky‘ Thompson (Perkussion) realisiert.

Aufgenommen wurde das Album in Kooperation mit dem Produzententalent Alberto ‚Burur‘ Blackwood im legendären Harry J Studio (dort wurden u.a. auch die Bob Marley & The Wailers Alben ‚Catch A Fire‘, ‚Burnin‘ & ‚Natty Dread‘ aufgenommen).

‚Blackwood Dub‘ ist ein starker Beginn des Jahres 2012 mit den Festivitäten zur 50 Jahre Unabhängigkeit Jamaikas! Das Album wird als CD (6-Fold Digipak), als LP-Vinyl mit Poster, als limitierte Picture-Disc und als Digital Download erscheinen.

SLY & ROBBIE BLACKWOOD DUB

Tracklisting CD
1. Dirty Flirty
2. Shabby Attack
3. Burru Saturday
4. Communication Breakdown
5. Frenchman Code
6. Riding East
7. Ruff House
8. Smoothie
9. The Bomber
10. The Great Escape

Musician Credits:

Drums / Percussion / Syn Drums: Sly Dunbar
Bass / Guitar: Robert Shakespeare
Guitar: Mikey Mao Chung, Dalton Brownie, Dougie Bryan, Daryl Thompson
Keyboards: Robbie Lyn, Hansel Collins
Percussion: Sticky Thompson, Skully

Studio, Engineer, Producer Credits:
Recorded at Harry J Recording Studio & Mixing Lab Recording Studio by Steven Stewart, Alberto ‚Burur‘ Blackwood / Linford ‚Fatta‘ Marshall, Colin ‚Bulby‘ York
Mixed at Anchor Recording Studio by Delroy ‚Fatta‘ Pottinger / Alberto ‚Burur‘ Blackwood
Producer: Alberto ‚Burur‘ Blackwood & Gilroy ‚Rolex‘ Stewart
Mastered by: Emanuel Geller

JOE BONAMASSA VERÖFFENTLICHT NEUE LIVE DVD

Provogue Records/ Mascot Label Group kündigen die neue Joe Bonamassa DVD und Blu-Ray ‚Beacon Theatre – Live From New York‘ für eine Veröffentlichung am 23. März 2012 an.

JOE BONAMASSA VERÖFFENTLICHT NEUE LIVE DVD IM MÄRZ 2012
‚Beacon Theatre‘ wird damit die Nachfolge zu einem der erfolgreichsten Veröffentlichungen in Joe Bonamassa’s Karriere, dem Titel ‚Live from the Royal Albert Hall‘, antreten.

Dieser neue DVD Doppelpack bietet neben Songs aus dem letzten Bonamassa Studio Album ‚Dust Bowl‘ jedemenge Klassiker seiner Laufbahn.

Dieses einmalige Konzerterlebnis trumpft zusätzlich mit den Gastauftritten von John Hiatt, Paul Rodgers und Beth Hart auf. Mit Hart performed er ‚I’ll Take Care Of You‘ und ‚Sinner’s Prayer‘, aus dem gemeinsamen Album ‚Don’t Explain‘.

Mit dem American Music Award Gewinner John Hiatt zelebriert er die Songs ‚Around My Place‘ und ‚I Know A Place‘ und mit dem legendären Rocksänger Paul Rodgers (Free, Bad Company, Queen) spielt er ‚Fire And Water‘ und ‚Walk In My Shadows‘.

Und hier der JOE BONAMASSA DVD Trailer:

Kostenfreier Download des Songs “Dust Bowl” und weitere Informationen unter www.jbonamassa.com

KASKADE Fire & Ice CD

KASKADE Fire & Ice

Mit seinem Album „Fire & Ice“ gelang dem amerikanischen DJ und Producer Kaskade der absolute Durchbruch.

KASKADE Fire & Ice CD
KASKADE Fire & Ice

Das Doppelalbum ist sprichwörtlich durch die Decke geknallt und landete direkt auf Platz #1 der Billboard Electronic Album Charts und auf Platz #17 der offiziellen Billboard Album Sales Charts!

Kaskade aka Ryan Raddon wurde beim international wichtigsten Voting zu den Top 100 DJ Charts, welche das britische Magazin DJ MAG einmal im Jahr ermittelt, -neben Skrillex- als bester amerikanischer DJ unter die Top 30 gewählt.

Das amerikanische „DJ Times Magazin“ erkor ihn sogar zu „America’s Best DJ 2011“! Ob Produktionen mit Tiësto, Deadmau5 und Skrillex oder Remixes für Madonna, Lady Gaga sowie Daft Punk – Kaskade hat schon mit so gut wie allen großen Namen in der Musikszene zusammengearbeitet.

Jetzt knöpft sich Kaskade Europa vor und will auch bei uns den Durchbruch schaffen. Am 16.03.2012 erscheint sein neues Megaalbum mit dem Titel „Fire & Ice“ bei Kontor Records.

Ryan Raddon, so Kaskades bürgerlicher Name, hat in seiner Heimat Amerika das geschafft, wovon viele nur träumen. Er darf sich zu Amerikas ersten Garde der DJ-Riege zählen. Für sein neues Album hat er ganze zwölf Monate in seinem Studio in Santa Monica gearbeitet. Und der Erfolg in den USA war der Lohn dafür. Nun hat sich der in Chicago geborene 41-jährige sein nächstes Territorium vorgeknöpft und will mit der Veröffentlichung von „Fire & Ice“ auch Europa erobern.

Auf dem Doppelalbum werden die beiden Charakterseiten Raddons widergespiegelt, wobei die „Fire“ zehn fette Dance Tracks beinhaltet, welche die Energie und Leidenschaft Kaskades an den Decks repräsentieren sollen.

Die Lead-Single „Eyes“, die Englands Radiolegende Pete Tong als Intro für seine „Essential Selection Show“ regelmäßig nutzt, sowie die Tracks „How Long“ und „Llove“ stehen auf dieser CD für den einzigartigen House-Stil von Kaskade, bei dem sowohl der Gesang als auch die Bassline nicht zu kurz kommen. Der Song „Lick It“, den Kaskade zusammen mit Skrillex produziert hat, sorgt für die nötige Dosis Electro, die mit „Room For Happiness“ ein perfektes Finish findet.

Teil zwei des Albums trägt den Titel „Ice“ und soll den inneren Ruhepol Kaskades nach seinen Gigs verkörpern. Es besteht aus Down-Tempo Versionen der zehn Fire-Tracks. Diese Nummern beweisen, welche musikalische Vielfalt Kaskades künstlerisches Schaffen umfasst.

Mit „Fire & Ice“ schickt sich Kaskade nun an, auch in Deutschland den kommerziellen Durchbruch zu schaffen. Das Album wartet mit 20 fantastisch energetischen und melodiösen Songs auf, die neue Maßstäbe im Dancegenre setzen. Illustre Namen aus unterschiedlichen Genres haben auf dem Longplayer mitgewirkt: Von der amerikanischen Platin-Rockband Neon Trees über Dubstep Superstar Skrillex bis hin zu Grammy Nominee Skylar Grey, ihres Zeichens bekannt durch ihre Zusammenarbeit mit P. Diddy, Dr. Dre, Diddy Dirty Money, Eminem und Rihanna, mit denen sie diverse Welthits gemeinsam schrieb und einsang.

DOMINIC MILLER 5th House

DOMINIC MILLER „5th House“

Mit den Jahren ist es zur schönen Gewohnheit geworden, dass Dominic Miller seine Alben durchnummeriert, dass er einigen seiner Soloarbeiten Titel mit aufsteigenden Ordinalzahlen gibt.

DOMINIC MILLER 5th House
DOMINIC MILLER "5th House"

Es begann mit dem Debütwerk „First Touch“ (1995), später folgten „Second Nature“ (1999), „Third World“ (2004) sowie „Fourth Wall“ (2006), und jetzt also „5th House“.

Aber wieso gerade fünftes Haus? „Ich wollte irgendwas Fünftes im Titel haben und das war am wenigsten offensichtlich“, beginnt der Gitarrist seine Begründung.

„Sicher, ich hätte auch ‚das fünfte Element‘ oder ‚der fünfte Zusatz zur Verfassung‘ nehmen können. Der Begriff ‚das fünfte Haus‘ bedeutet in der Astrologie ‚das Haus der Liebe und Leidenschaft‘.“

Enthält das jüngste Opus denn Liebe und Leidenschaft? Auf jeden Fall, sogar im Übermaß! Wie schon bei früheren Veröffentlichungen hat der argentinisch-englische Musiker nämlich auch diesmal wieder jede Menge Herzblut und Hingabe hineingesteckt. Anders kann er es gar nicht, und anders will er es auch nicht.

Die neuen Stücke schrieb Dominic Miller unterwegs auf seiner Tour mit Sting 2010/11. „Ihre Stimmung reflektiert meine eigene während dieser Zeit“, erläutert er. „Ich hab die Tracks sogar on the road aufgenommen, angefangen in Los Angeles, nachdem wir aus Neuseeland zurück waren. Nur so konnte ich sicherstellen, dass Vinnie Colaiuta und Jimmy Johnson Zeit für mich hatten.“

Mit den beiden Topcracks hat Miller in den berühmten Henson Studios in L.A. den Grundstein für „5th House“ gelegt. Anschließend ging er mit seiner Tourband ins Maarwegstudio2 in Köln, wo dann die Overdubs realisiert wurden. Den Feinschliff erhielten die Aufnahmen zuguterletzt im Studio Les Cypres an Millers Wohnsitz in der Provence.

Schon das Vorgängeralbum „November“ (2010) war mit nur vierzehn Tagen Studioaufenthalt rekordverdächtig schnell entstanden, „5th House“ übertrifft diese Rekordmarke noch. Die Einspielung nahm alles in allem lediglich sieben Tage in Anspruch. Mit den Rohfassungen flog Miller danach zu seinem Lieblingstoningenieur Hugh Padgham nach London.

Mit ihm ist er seit der Zusammenarbeit an Phil Collins‘ Millionseller „But Seriously“ im Jahr 1989 quasi unzertrennlich. In den vergangenen zwanzig Jahren haben die beiden bei vielen Projekten kooperiert, mittlerweile verstehen sie sich blind und konnten sich deshalb zügig auf ihre Ziele beim Endmix von „5th House“ verständigen. „Wir haben zwei Stücke pro Tag abgemischt“, erinnert sich Miller, „der ganze Aufnahme- und Mixprozess ging in gerade mal zwölf Tagen über die Bühne.

Ich kann mich noch gut an die 90er Jahre erinnern, damals hätte das Ganze mindestens zwölf Wochen gedauert. Sicher, so hätte man vielleicht ein geschliffeneres Produkt erzielt, aber mir ist es so lieber. Auf die Art entstanden viele meiner Lieblingsalben aus den 60er und 70er Jahren: richtig schnell!“

Für „5th House“ konnte Dominic Miller erstklassige Sidemen mit internationaler Reputation zusammentrommeln. Der bereits erwähnte Vinnie Colaiuta ist wohl „der größte Drummer unserer Generation“ (O-Ton Miller), er wurde wegen seiner tadellosen Trommeltechnik und stilistischen Vielseitigkeit über die Jahre von unzähligen Größen wie etwa Frank Zappa, Joni Mitchell, Megadeth, Leonard Cohen, Chaka Khan und Sting angeheuert; der legendäre Jimmy Johnson zählt seit Dekaden zu Amerikas meistgefragten Bassisten und kann auf Engagements von James Taylor, Stan Getz, Roger Waters, Sergio Mendes, Lee Ritenour uvm. verweisen; sein Viersaiterkollege Pino Palladino steht dem in nichts nach, der Waliser war unter anderem beim John Mayer Trio, Paul Young, The Who, David Gilmour und Peter Gabriel unter Vertrag; der in Paris lebende Israeli Yaron Herman schließlich gehört mit seinem kultivierten Spiel an den schwarzen und weißen Tasten zu den aufstrebenden Pianistenbegabungen unserer Zeit, von ihm wird man in Zukunft noch viel hören.

Zu diesen Spitzenkräften aus aller Welt zog Dominic Miller die Mitglieder seiner Tourband hinzu, und die müssen sich nun wahrlich ebenfalls nicht verstecken.

Rhani Krija aus Marokko lebt mittlerweile in Köln, er hat sich nicht zuletzt wegen Auftritten mit Omar Sosa, Keziah Jones und Salif Keïta als begehrter Perkussionist durchgesetzt; Nicolas Fiszman am Bass machte sich mit Kooperationen mit Pili-Pili, Charlie Mariano, Johnny Clegg und Khadja Nin einen Namen; der von Level 42 hinlänglich bekannte Mike Lindup schließlich ist seit langen Jahren Dominic Millers bevorzugter Keyboarder.

Mit ihm macht er gemeinsame Sache, seitdem er ihn im Alter von achtzehn Jahren kennen lernte. „Er ist der beste Allroundmusiker den ich kenne“, schwärmt er. „Unsere Arbeitsbeziehung ist geradezu telepathisch.“

Mit dieser Traumbesetzung erschuf Dominic Miller eines der besten Instrumentalalben seiner an Höhepunkten nicht gerade armen Laufbahn. Einmal mehr wartet der Gitarrist dabei mit allerlei Stilsprüngen und unerwarteten Wendungen auf.

Er hat träumerische Klangfantasien mit harfenartigen Klängen an der Akustikgitarre im Programm („Angel“), präsentiert fetzige Saiten-Sounds, die an The Police erinnern („If Only“), macht als Softjazzer eine gute Figur („Embrace“), versprüht Bossa-Flair („Waves“), glänzt mit klassizistischen Gitarrenarpeggien („Catalan“) und rockt in voller Bandstärke kräftig drauflos („Dead Head“).

Mit „5th House“ fügt Miller seiner eindrucksvollen Biographie ein weiteres Highlight hinzu. Der in Buenos Aires geborene Sohn eines Amerikaners und einer Irin studierte Gitarre an Bostons renommiertem Berklee College sowie an Londons Guildhall School Of Music und ist seit den späten 1980ern ein viel gebuchter Sessionmusiker.

Die Liste seiner Engagements sprengt jeden Rahmen, stellvertretend seien nur die Kollaborationen mit The Chieftains („Long Black Veil“), Eddi Reader („Mirmama“), Manu Dibango („Wakafrika“) und Tina Turner („Wildest Dreams“) genannt.

Seit „The Soul Cages“ aus dem Jahre 1991 war Miller zudem an jedem Sting-Album beteiligt, er stand in über eintausend Konzerten mit dem ehemaligen „Polizisten“ auf der Bühne und erdachte mit ihm Hitsongs wie „Shape Of My Heart“. Sting bezeichnete seinen treuen Begleiter gar einmal als „meine rechte und meine linke Hand, die all das umsetzt, was meine klobigen Finger nicht spielen können.“

AXEL RUDI PELL "Circle Of The Oath"

AXEL RUDI PELL „Circle Of The Oath“

Pells Karriere begann 1980 mit der Formation Steeler, einer Band, die von ihrem kommerziell erfolgreichsten Werk Strike Back mehr als 30.000 Exemplare verkaufen konnte und 1988 ihr viertes und letztes Album Undercover Animal veröffentlichte.

AXEL RUDI PELL "Circle Of The Oath"
AXEL RUDI PELL "Circle Of The Oath"

Im November des gleichen Jahres formierte Pell mit Jörg Deisinger (Ex- Bonfire), Schlagzeuger Jörg Michael, Bassist Thomas Smuszynski (Ex- U.D.O.) und dem amerikanischen Sänger Charlie Huhn (Ted Nugent, Gary Moore, Victory) seine eigene Band.

Bereits ein Jahr später stand mit Wild Obsessions das Debütalbum in den Geschäften, gefolgt von Nasty Reputation, für das Pell den US-Frontmann Rob Rock (M.A.R.S, Impellitteri) verpflichtete, der jedoch schon auf der anschließenden Deutschlandtournee durch den ehemaligen Malmsteen-Sänger Jeff Scott Soto ersetzt wurde.

Mit Soto als neues Bandmitglied untermauerte das dritte Album Eternal Prisoner (1992) nachhaltig, dass die Gruppe von Beginn an einen eigenen, unverwechselbaren Stil gefunden hatte. Im darauf folgenden Jahr veröffentlichte Pell The Ballads, ein Album mit seinen gelungensten Rock-Balladen.

Mit Between The Walls (1994) und dem Live-Album Made In Germany hielt der Bochumer auch in der post-Grunge Ära unbeirrbar an seinem typischen Stil fest. Das folgende Black Moon Pyramid (1996) konnte sich als zweites Pell-Album in Folge in den deutschen Albumcharts platzieren.

Mit einem thematisch durchgehenden Konzept über übersinnliche Geschichten kam ein Jahr später das achte Opus Magic in die Läden. Auch Magic verzeichnete eine Charts-Notierung, gefolgt von Oceans Of Time, dem bis dato meistverkauften Album der Axel Rudi Pell-Band, und der Fortsetzung des Balladenkonzeptes (The Ballads II, 1999).

Nach dem Ausstieg von Jeff Scott Soto heuerte Pell für die Produktion von Oceans Of Time, The Ballads III und die 2000er Veröffentlichung Masquerade Ball den amerikanischen Sänger Johnny Gioeli (Ex- Hardline) an, der mit seiner charakteristischen Stimme anschließend auch Shadow Zone (2002) und Kings & Queens (2004) nachhaltig veredelte. Mit Mystica (2006) und dem Cover-Werk Diamonds Unlocked schlossen sich zwei weitere Klassewerke an.

Das Studioalbum Tales Of The Crown (2008) überraschte mit einigen Neuerungen und schaffte es bis auf Platz 41 der deutschen Albumcharts. Ein ähnlicher Siegeszug wiederholte sich mit The Crest (2010), welches auf Platz 22 in die deutschen Charts einstieg. The Ballads IV (2011) stieg auf Platz 29 ein und enthielt die Single „Hallelujah“, zu der auch ein Video gedreht wurde. Nun steht Circle Of The Oath in den Startlöchern und wird keinen Fan enttäuschen. Pell at it`s best!

AXEL RUDI PELL „Circle Of The Oath“ Line Up:

Johnny Gioeli – Lead and Backing Vocals
Axel Rudi Pell – Lead, Rhythm and Acoustic Guitars
Ferdy Doernberg – Keyboards
Volker Krawczak – Bass
Mike Terrana – Drums

AXEL RUDI PELL „Circle Of The Oath“ Tracklisting Digipak

1. The Guillotine Suite (Intro) 01:52
2. Ghost In The Black 04:36
3. Run With The Wind 04:42
4. Before I Die 04:29
5. Circle Of The Oath 09:20
6. Fortunes Of War 05:19
7. Bridges To Nowhere 07:10
8. Lived Our Lives Before 06:31
9. Hold On To Your Dreams 05:47
10. World Of Confusion (The Masquerade Ball Pt. II) 09:30
11. Temple Of The King – Bonus Track (Live at Bang Your Head 2011) 10:14

AXEL RUDI PELL „Circle Of The Oath“ Tracklisting jewel case

1. The Guillotine Suite (Intro) 01:52
2. Ghost In The Black 04:36
3. Run With The Wind 04:42
4. Before I Die 04:29
5. Circle Of The Oath 09:20
6. Fortunes Of War 05:19
7. Bridges To Nowhere 07:10
8. Lived Our Lives Before 06:31
9. Hold On To Your Dreams 05:47
10. World Of Confusion (The Masquerade Ball Pt. II) 09:30

AXEL RUDI PELL „Circle Of The Oath“ Tracklisting LP

LP 1
Side 1
1. The Guillotine Suite (Intro) 01:52
2. Ghost In The Black 04:36
3. Run With The Wind 04:42
4. Before I Die 04:29
Side 2
1. Circle Of The Oath 09:20
2. Fortunes Of War 05:19

LP 2
Side 1
1. Bridges To Nowhere 07:10
2. Lived Our Lives Before 06:31
Side 2
1. Hold On To Your Dreams 05:47
2. World Of Confusion (The Masquerade Ball Pt. II) 09:30

AXEL RUDI PELL „Circle Of The Oath“ Boxset:

– 2 LPs, , bedruckte Innentaschen, farbiges Vinyl: blue marbled
– Digipak incl. Bonus Live Track + Poster
– Weiteres Poster
– Postkarte
– Sticker
– plus 2 weitere Gimmicks
– 35 x 35 cm
– bedruckter Karton mit Deckel
– limitiert auf 1.000 Einheiten

AXEL RUDI PELL Diskographie:

1989 Wild Obsession
1991 Nasty Reputation
1992 Eternal Prisoner
1993 The Ballads
1994 Between The Walls
1995 Made In Germany (live)
1996 Black Moon Pyramid
1997 Magic
1998 Oceans Of Time
1999 The Ballads II
2000 The Masquerade Ball
2000 The Wizards Chosen Few (best of)
2002 Shadow Zone
2002 Knight Treasures – Live And More (DVD)
2002 Knights Live (live)
2004 Kings And Queens
2004 The Ballads III
2006 Mystica
2007 Diamonds Unlocked (cover versions)
2008 Live Over Europe (DVD)
2008 Tales Of The Crown
2009 Best Of- Anniversary Edition (best of)
2010 One Night Live (DVD)
2010 The Crest
2011 The Ballads IV
2012 Circle Of The Oath
=> diese Produkte sind über Sony gelistet, alle anderen über SPV / Steamhammer erhältlich!!!!!!

AXEL RUDI PELL Tour:

“Circle Of The Oath-Tour 2012”
AXEL RUDI PELL
Special guest: MAD MAX
20.04. D-Hannover – Capitol
24.04. D-Langen – Neue Stadthalle
25.04. D-Saarbrücken – Garage
27.04. D-Nürnberg – Hirsch
28.04. D-Kaufbeuren – All-Karthalle
29.04. CH-Pratteln – Z7
01.05. D-Erfurt – HsD
02.05. D-Berlin – Columbia Club
04.05. D-Bochum – Zeche (ausverkauft)
05.05. D-Bochum – Zeche (ausverkauft)
06.05. D-Bochum – Zeche
Festivals:
28.07. D-Seebronn – Rock Of Ages Festival
02.08.-04.08. D-Wacken Open Air

FLYING COLORS CD Cover

FLYING COLORS

Hinter dem Quintet Flying Colors stand Anfangs eine einfache Idee: virtuose Musiker und ein Popsänger machen neumodische Musik auf altmodische Weise.

FLYING COLORS CD Cover
FLYING COLORS

Daraus entwickelte sich die Band Flying Colors: Mike Portnoy (Schlagzeug, Gesang), Dave LaRue (Bass), Neal Morse (Keyboards, Gesang), Casey McPherson (Gesang, Gitarre) und Steve Morse (Gitarre).

Gemeinsam schaffen sie eine einzigartige Verschmelzung von klassischer Kunstfertigkeit und zeitgenössischer Musik.

“Dieses Album enthält die Elemente, die man von jedem von uns erwarten würde. Doch die Summe aller Teile führte zu etwas völlig Neuem für alle Beteiligten.” –

Mike Portnoy 2008 präsentierte der ausführende Produzent Bill Evans seine Idee den weltbekannten Musikern sowie dem Produzenten Peter Collins.

Fasziniert von der Idee, und mit Aussicht auf Zusammenarbeit, verpflichteten sich die fünf eine Band zu gründen und ein erstes Album aufzunehmen.

Steve Morse und Dave LaRue (beide Dixie Dregs), oft als „Musiker der Musiker“ beschrieben, haben in all den Jahren ihrer Zusammenarbeit eine magische musikalische Chemie entwickelt.

Während Steve Morse seit 15 Jahren festes Mitglied bei Deep Purple ist, gehören zu LaRues aktuellen musikalischen Abenteuern Künstler wie Joe Satriani, John Petrucci, Jordan Rudess, Steve Vai und Mike Portnoy.

Multi-Instrumentalist, Komponist und Sänger Neal Morse ist eine der führenden Persönlichkeiten des Progressive Rock. Er begann 1995 mit der Mitbegründung und Leitung der bahnbrechenden Progressive Rock-Band Spock’s Beard. Seit 2001 ist er als Solo-Künstler und Mitglied der Prog-Supergroup Transatlantic bekannt.

Mike Portnoy ist einer der beliebtesten und angesehensten Metal- und Rock-Schlagzeuger und auch ein versierter Autor und Produzent. Er erhielt zahlreiche Auszeichnungen der Musikindustrie, darunter 26 Modern Drummer Awards. Bedeutung erlangte er als Leader, Schlagzeuger, Produzent und Co-Autor der Metal/Prog-Riesen Dream Theater, bevor er im Jahr 2010 ausstieg.

Im selben Jahr spielte er auf Avenged Sevenfolds Nr. 1 Album Nightmare (2010) und der anschließenden Tour. Er war es auch, der den Alpha Rev Sänger Casey McPherson vorschlug.

Casey McPerson’s Album New Morning (2010), welches er mit seiner Band Alpha Rev aufnahm, debütierte in den Top 5 Billboard-Charts und brachte zwei große Radio-Hits hervor: „New Morning“ hielt sich 17 Wochen in den Top 10 auf Triple A Radio, das zugehörige Video verweilte 11 Wochen im Top-20 Countdown von VH1.

„Phoenix Burn“ war ebenfalls ein Hit und landete den Top 20. “Casey war ein wunderbarer Fund, weil er die Gabe hat, alles fantastisch klingen zu lassen, und er war auch genauso ein Multitalent wie die anderen.” – Steve Morse

Im Frühjahr 2011 kam man für 9 Tage zusammen, um das Album zu komponieren und das Grundgerüst aufzunehmen. Dave LaRue erinnert sich: “Es war schon ein Erlebnis – die Band arbeitete so schnell, ständig flogen Ideen durch den Raum.

Teile von Songs wurden arrangiert, dann neu arrangiert, Ideen wurden in alle Richtungen ausprobiert, bis sie für uns alle „funktionierten“ oder, in einigen Fällen, doch ganz verworfen wurden. Allein hier nicht den Faden zu verlieren war eine Herausforderung!”

Was als eine unwahrscheinliche Prämisse begann, war zu einer Wirklichkeit geworden, die lohnender war als jeder sich hatte vorstellen können. Erfrischend, klassisch, alt und neu – Flying Colors ist von den vielen verschiedenen Stilen, Facetten und Klangfarben seiner Künstler geprägt. Am 23. März wird das Album die Herzen des weltweiten Publikums erobern und Tourpläne werden in den nächsten Monaten bekannt gegeben.

www.flyingcolorsmusic.com

Ntjam Rosie "Elle"

Ntjam Rosie „Elle“

In 2009 Ntjam Rosie graduated from the Codarts Conservatory, Rotterdam Netherlands as a bachelor of music. She majored in Latin singing and minored in teaching.

Ntjam Rosie "Elle"
Ntjam Rosie "Elle"
She won the Music Matters Award gaining her the title of music ambassador in Rotterdam during 2010. According to the jury, Ntjam Rosie raised the temperature from the very first moment. Apparently it wasn’t enough, on the same day she also won the ‘MCN World Up! Award’ for most promising talent during the first edition of the Dutch World Music Day. The jury stated: “Her powerful voice and distinctive style creates an astonishing set full of soul and energy.”

For the new album “ELLE”, released in the fall of 2010, Ntjam Rosie approached a more jazz orientated direction compared to her first record “ATOUBA”. This time she found inspiration in artists like George Duke, Stevie Wonder, Patrice Rushen, Syreeta and Miriam Makeba. Artists who operate in the fields of soul, jazz and combine elements of Brazilian and African rhythms. The album breathes a late seventies sound with catchy hooks and fine sing along choruses.

Lyrically, Ntjam Rosie shares her enjoyment of life. She wants to tell we are more alike than we think. Her emotional journey is similar to other strong determined women elsewhere in the world. She says: “On this record I take the listener on my musical momentum and from that point on, he or she can continue their own adventure. I believe that the crossing of our paths only has a meaning when we open up for each other. ”

For the production she teamed up again with Nelson & Djosa. Among the musicians are Nathan Allen (Amy Winehouse, Faith Evans), Alex Bonfanti (Tom Jones, Xantone Blacq), Ronald Snijders, Tuur Moens, Roël Calister, Alexander van Popta, Tjaco Oostdijk. The recording took place at the Flowriders Music studio in Amsterdam where José James and Jazzanova, worked as well.

Ntjam Rosie is based in Rotterdam where she finds the inspiration for her creative output: “I hope that my audience will grow and I hope I’ll get the chance to present my musical vision throughout the world.”

Ntjam Rosie might sound like a typical name but the singer explains: “Ntjam is a name just like Rosie is. It’s my African name while Rosie is my European name. Africa meets Europe!”
Ntjam Rosie was born in Cameroon in 1983. She moved to The Netherlands at the age of nine where she grew up in Maastricht. She only spoke French and one of the many Cameroon dialects: Bulu. With her studious skills she picked up the Dutch and English language quite easily.

As a young girl Ntjam Rosie started to develop a passion for arts like music, film and paintings. She wrote her first Dutch poem at the age of fourteen. She felt she had to do something with her creativity in music. During high school she started to sing in the girls group R.e.s.p.e.c.t. and took singing lessons. She also became a protegé of German producer Alex Jacobi (Axtrak recordings) from whom she learnt how to record in a studio.

Ntjam Rosie began Social studies after high school but after six months, she realized it was not what she wanted which forced her to think in a different direction. It was Erykah Badu’s album ‘Mama’s Gun’ that made her realize she wanted to become a conscious artists like her. To this day Erykah Badu is one of Rosie’s biggest influences. She praises her purity and honesty as an artist, lyrically and musically. Stimulated by a friend she decided to go to the Rotterdam Conservatory. That choice helped her developing her songwriting skills and she discovered, composing music is one of her biggest passions.

In 2007 Rosie took part in the Dutch National Pop Institute Unsigned project ‘The Mighty 8’. Eight young unsigned talented hip-hop and soul women got the chance to show their skills. Among them were Sabrina Starke and Giovanca. Rosie contributed the songs ‘Squeeze the Breeze’ and ‘Bia Yon’. Both tracks would end up on her debut ‘Atouba’.

‘ATOUBA’ was released early 2008. The album was preceded by the song ‘Patience’, which was released as a 12 inch single late 2007. It was accompanied by a videoclip and was heard frequently on the radio. The debut is an experimental cocktail of different styles produced by the Rotterdam based producers Nelson & Djosa. ‘ATOUBA’ shows Ntjam Rosie blending a daring mix of Western and African rhythms topped with soul and jazz and the distinctive, warm and soulful voice of the singer. World and soul with a bit of jazz as Ntjam Rosie states. The synthesizer has a dominant place, which gives it a futuristic and adventurous approach. On ‘ATOUBA’, Ntjam Rosie sings in English, French and Bulu. It’s a very personal album inspired by Ntjam Rosie’s grandmother: “She was a woman with guts and that force inspired me to put out these songs on my first album.”

Written by Serge Julien | Edit Jim Verschelden

Ntjam Rosie talks

‘Music is everything, music is what I am.’

Ntjam Rosie is 28 years of age. She has style, she looks gorgeous and is a gifted musician: “I am an artist. Not a singer, not a sing-a-songwriter, a model or a teacher, but an artist. I dig into my cultures and make my art from them.” Her music could be labelled as Jazz or Afro.
But it is more than that. She jokes: “It is 2011, that should at least make me a New Age Jazz Singer.” It is the ‘right here, right now’ quality of her compositions that makes her music exciting and meaningful. Her music takes place in the present. She does not indulge in retro elements but simply roots in them. Her songs are a perfect mix between lyrics, the chords, the music itself and the style.

„I am giving all that I am, and I am giving that with a lot of pleasure.“

Ntjam Rosie is inspired by today’s Western and African cultures. “People move all over the world. We are cross cultural people and as a cross cultural community we share a sense of longing. Everybody comes from somewhere and at times we still long for that place.
Everybody wants to belong. That emotion is universal and belongs to today’s global lifestyle.

Got to have a little ‘umph’

In the fi¬ve years following music academy Ntjam Rosie has started her own company NtjaMusic. She writes and composes by herself or with co-writers. She is a music teacher and often tells her students that they‘ve got to have a little ‘umph’ to do it. What is ‘umph’? It is the combination of authenticity and glamour that makes her performances so vibrant, colourful and quite unforgettable. With her recently released second album ‘Elle’ she is the rising star on the jazz charts. “I am the mirror of my music,” she says, and how fabulous is that!

Ntjam Rosie Music videos

– Rosie’s put out 3 music videos for the singles of ELLE so far:

In Need – Video

Morning Glow (shot in London) – Video

Space of You – Video

ALBIN BERGER - Comeback nach 15 Jahren

ALBIN BERGER – Comeback nach 15 Jahren

Geboren in Friedrichshafen wuchs Albin Berger in einer musikalischen Familie mit sieben Geschwistern auf. Schon mit 10 Jahren lernte er das Trompete und Klavier spielen und musizierte mit elf in der örtlichen Musikkapelle.

ALBIN BERGER - Comeback nach 15 Jahren
ALBIN BERGER - Comeback des Original Flipper Sängers nach 15 Jahren
Ab dem 15. Lebensjahr war er Sänger in einem mit seinen Brüdern und Freunden gegründeten 10-Mann-Tanzorchester. 1975 gründete Albin mit zwei Brüdern die Band „Orpheus“, die ausschließlich englischsprachiges Repertoire spielte.

Zwei Jahre später begann Albin Berger sein Musikstudium mit Hauptfach Trompete am Konservatorium in Bregenz/Österreich.

Am 5.11.1979 rief Bernd Hengst von den „Flippers“, die zu dieser Zeit in 5-Mann-Besetzung regelmäßig in Tanzlokalen spielte, bei Albin an, da die “Flippers” einen neuen Leadsänger suchten.

Franz Halmich (Keyboards), Olaf Malolepski (Gitarre), Bernd Hengst (Bass), Manfred Durban (Schlagzeug) und Produzent Jean Frankfurter waren nach einem Probesingen im Tonstudio überzeugt, dass Albin der richtige neue Hauptsänger für die “Flippers” ist.

Damit war Albin vollwertiges Mitglied dieser Gruppe und es wurde ein Schallplattenvertrag mit einer
Laufzeit von 5 Jahren abgeschlossen.

Zum 31.12.1984 verließ Albin die “Flippers” und gründete eine eigene Band, die „Albin Berger Band“. 1986 unterschrieb er einen Schallplattenvertrag bei „KOCH INTERNATIONAL“. Ein Jahr später produzierte er gemeinsam mit Jean Frankfurter das erste Solo-Album „Lieben heißt…“

Beachtliche Erfolge erzielte der sympathische Sänger mit Single-Auskopplungen in den Rundfunk-Hitparaden. Mit den selbstgeschriebenen Titeln “Golden Island”, „Lieben heißt…“ und “Einfach da zu sein” gewann Albin hintereinander die von Dieter Thomas Heck produzierte „Deutsche Schlagerparade“.

Albin gehörte in diesen Jahren zu den fünf meistgespielten Schlagerinterpreten in Deutschland, Österreich und der Schweiz.

1991 erfolgte die Aufnahme des Titel-Songs für die erfolgreiche Fernseh-Serie „Ein Schloss am Wörthersee“ (mit Roy Black in der Hauptrolle): „Glück und Tränen am Wörthersee“ wurde ein Riesenerfolg!

Ein Jahr später löste Albin seine Band auf und absolvierte mit Rücksicht auf seine Familie nur noch einzelne Solo-Auftritte. 1995 beendete er seine erfolgreiche Schlagersänger-Karriere, baute ein Tonstudio, gründete einen Musikverlag und ein eigenes Label.

Es folgten Schlagerproduktionen sowie Alben mit mehreren Künstlern und Gruppen unterschiedlichster musikalischer Coleur. Seit Bekanntwerden des Abschieds der “Flippers” gab es vermehrt Anfragen von Veranstaltern und Produktionsfirmen nach einem Comeback von Albin.

Nach einer längeren Überlegungszeit und ersten Demo-Titeln entschloss sich Albin, wieder in den “Schlagerzirkus” einzusteigen. Er schloss mit Depro Verlag & Co. KG einen Exklusiv-Managementvertrag ab und vereinbarte die Produktion eines CD-Albums.

Das neue Album von Albin Berger „Rettungslos verliebt“ erscheint am 09.03.2012.

REMO “Nie mehr Lieben ohne Liebe” aus dem Album “Einfach so”

REMO “Nie mehr Lieben ohne Liebe”

REMO machte seine ersten Schritte im Profilager mit der Single „Wir sind jung“ bei Teldec (1983). Dazu sagt er selbst: “Ach, was für eine Scheiße das war. Ich hatte eine Gänsehautnummer geschrieben und nun war das ganze Ding umgekrempelt. Gut, ich war jung und blöd.”

REMO “Nie mehr Lieben ohne Liebe” aus dem Album “Einfach so”
REMO “Nie mehr Lieben ohne Liebe” aus dem Album “Einfach so”

Nach einem Album machte REMO Schluss mit der Musik. Für 20 Jahre.

REMO: “Im Sommer 2009 führte mich eine Stimme in den Keller unseres Hauses und da lagen diese CD’s von früher. Ich nahm sie mit nach oben und hörte rein.

Da kam meine Frau und fragte, wer das denn wäre. Ich sagte, das bin ich.

Ab diesem Moment ging es wieder los, und ich bin wieder da. Zurück auf der Showbühne, die ich dann doch letztlich ungeheuer vermisst habe. Ich schrieb wieder Songs und nahm mit den Erfolgsproduzenten und der Band von Jeanette Biedermann das neue Album „Einfach so“ einfach so auf.”

REMOgraphie

Ich bin Remo, im Ausweis heiße ich Raymund Philipp Hopf. Ein früherer Kumpel mit Namen Rudi S. nannte mich irgendwann 1982 eines Tages „Remo“. Er fand einfach Raymund oder Philipp nicht so passend für so einen Wilden wie mich.

Das mal kurz zur Entstehung meines Spitznamens, der nun mein so genannter Künstlername ist. Da haben sich also keine Werbeagenturen oder Medienexperten den Kopf zerbrochen, um mir einen marktgerechten Namen zu verpassen, nein, das war mein Kumpel Rudi!

Ich bin am 15. Juli 1960 geboren. Ich bin mit Marietta verheiratet und habe 3 Kinder. Ich mache Musik. Ich denke mir Texte und Melodien aus, kurzum ich schreibe meine Songs. Ach so, die ersten Fehler habe ich wohl schon gemacht. Ich habe mein wahres Alter verraten, dass ich verheiratet bin und Kinder habe. Im „Medienbiz“ ein absolutes „Don’t“. Da bin ich anderer Meinung. Deshalb bleiben wir bei der Wahrheit.

Ich bin in Berlin geboren. Im Alter von 6 Jahren sind wir nach Braunschweig gezogen. Hier fing ich im Alter von 14 Jahren an, Musik zu machen. Gut, mit 12 wusste ich schon, dass ich Rockstar werden wollte, hampelte vor dem Spiegel rum und sang in den Kauknochen unseres Hundes. Ich kaufte mir von der zusammengesparten und meinen Eltern abgeschwatzten Kohle meine erste Gitarre und dann ging’s los.

Mit 16 die ersten Bandversuche. Mal hießen wir German Steel und mal Schwermetall. Wir waren nicht besonders gut, aber dafür waren wir die schönsten und lautesten Jungs in der gesamten Region. Irgendwann nahmen wir mal ein paar unserer Songs auf und verschickten diese. Prompt mussten wir nach Berlin fahren und ein paar Titel unter professionellen Bedingungen aufnehmen. Der damalige Musikverlag, für den wir die Songs aufnahmen, war aber nicht an der ganzen Band interessiert, sondern nur an mir, weil ich der Sänger und Songwriter war. Ich wollte aber mit der Band weiter machen, denn das waren meine Kumpels. Wir redeten und es kam heraus, dass der eine eher studieren wollte, der Drummer noch zur Bundeswehr musste und der Bassmann auch so seine Vorstellungen hatte. Also musste ich alleine gehen und ich ging.

Remo
REMO machte seine ersten Schritte im Profilager mit der Single „Wir sind jung“ bei Teldec (1983). Dazu sagt er selbst: “Ach, was für eine Scheiße das war. Ich hatte eine Gänsehautnummer geschrieben und nun war das ganze Ding umgekrempelt. Gut, ich war jung und blöd.”

Meine ersten Schritte im Profilager machte ich mit der ersten Single „Wir sind jung“ bei Teldec (1983). Ach, was für eine Scheiße das war. Ich hatte eine Gänsehautnummer geschrieben und nun war das ganze Ding umgekrempelt. Hey Leute, ich hab mal Heavy Metal gemacht!

Gut, ich war jung und blöd. Das Ding hat sich bestimmt fünf Mal verkauft. Eine Scheibe kaufte meine Mutter, eine mein Vater und vielleicht noch unsere Nachbarin. Bei den restlichen Verkäufen müssen die sich wohl verzählt haben.

Also hab ich die Koffer gepackt und bin mit meiner süßen Freundin nach Berlin gezogen. Wir nahmen uns ‘ne Bude am Stutti. Damals ein heißes Viertel mit viel rotem Licht, aber direkt in der City, und es war ‘ne geile Altbauwohnung. Nun schlug ich mich rum mit Jobben und mit Musik machen. Es war wirklich kein großer Plattendeal in Sicht. Trotzdem schrieb ich Songs.

Es dauerte bis zum Jahr 1988, da traf ich Norbert. Der war mit seinem Kumpel Holger ‘ne echte Be-kanntheit in der ehemaligen DDR. Ich glaube, die hießen damals H+N. Die beiden sind eben mal so über „den Zaun“ gesprungen und waren nun in West-Berlin, dem damaligen Mekka für Musiker. Wir trafen uns in dieser Musikkneipe in der Mommsenstraße. Er hörte meine Demos, und wir fummelten an den Songs rum. Dabei schlugen wir uns die Nächte um die Ohren, tranken Fusel von einem bekannten deutschen Billigdiscounter, machten Pommes im Ofen und aßen Würstchen mit Senf.

Das taten wir fast jeden Tag. Wir hatten so viele Songs gebastelt, dass wir gleich bei der ersten Plattenfirma einen Vertrag über zwei Alben bekamen. Norbi als Produzent und ich als Künstler. Ich war gleich mal Top-Thema bei der Company und hatte einen Majordeal. Und das alles mit Würstchen und Fusel!

Wir produzierten einfach die Nummern am Fließband, und ich Trottel fand alles geil. Na ja, die Platten-firma suggerierte mir, dass ich nun ein POPSTAR bin. Aber ich hatte doch noch gar keine Platte ver-kauft. Egal, ab ins Fernsehen und im Radio lief meine Musik auch hoch und runter. Na, geht doch, das sagte mir auch die Plattenfirma. Wenn man in den „Musikmarkt“ guckte, war ich doch wunderbar in den Rundfunk-Hitparaden vertreten. Immer Top Ten oder sogar Top Five. Titel wie „Verknallt in Dich“, „Cafe“ oder wohl mein damals größter Hit „Irgendwann“ liefen wirklich schon super. Nur ich lief nicht super.

Denn ich hatte mal wieder bemerkt: Hey, die Aufnahmen zum Album waren echt super und haben Spaß gemacht. Doch kaum war das Album fertig, fand ich es wieder mal – vorsichtig ausgedrückt – nicht mehr so toll. Ich hatte also damals (1989) ein Album, mit meiner selbst geschriebenen Musik fertig und es gefiel mir nicht mehr. Es war mir zu platt und zu viel „Schnulliplastik“ dabei.

Das Album lief soweit ganz gut, und jetzt musste an das zweite Album gedacht werden. Übersetzt hieß das: Neue Songs müssen her! Und die schrieb ich auch…. doch waren sie ne Ecke härter und nicht so „babylike“. Die Plattenfirma konnte mit den neuen Sachen nichts anfangen. Na, und was jetzt?

Einfach schnell wieder ‘nen paar angepasste Nummern schreiben oder schreiben lassen und dann geht’s ab mit dem zweiten Album! Ich habe nur gesagt, dass ich das nicht machen kann. Ich fühlte nichts bei meiner eigenen Musik! Ich konnte nicht, auch wenn ich die Plattenfirma und alle, die in mich investiert hatten, enttäuscht habe. Ich sagte „Tschüß, ging nach Hause und die Karriere war im Arsch. Ich war aber irgendwie glücklich.

Meine erste Amtshandlung war mich mit ‘nem Kumpel zu treffen und ‘ne Firma zu gründen. Sportevent Management. Wir wurschtelten als Unternehmer rum, und es machte Spaß. Und wir verdienten Kohle. Nur Musik hörte ich mindestens fünf Jahre überhaupt nicht mehr. Ich hatte irgendwie ‘ne Aversion für jegliche Form von Musik. Ich studierte BWL und danach Wirtschaftsjura und heute bin ich Doktorand an der UMIT (Universität für Gesundheitswissenschaften, medizinische Informatik und Technik) im österreichischen Hall.

Zwischendurch bin ich Vater einer Tochter geworden und habe geheiratet. Meine Frau hatte mit dem Heiraten schon ein bisschen mehr Erfahrung als ich, denn ich war nun ihr dritter Mann. Man könnte jetzt sagen, aller guten Dinge sind drei! In dem Fall würde ich ihr zustimmen. Marietta ist Ärztin, genauer gesagt HNO-Fachärztin. Sie brachte auch gleich noch 2 Kinder mit. Ich habe eine leibliche Tochter, Alicia. Sie wird im August 9 Jahre alt. Für sie schrieb ich den Titel „Mein Kind“. Ich erwähne es deshalb, weil ich meine Tochter mit ihrer Mutter 500 km von uns entfernt wohnt. Das ist nicht leicht für mich. Im Sommer 2009 führte mich eine Stimme in den Keller unseres Hauses und da lagen diese CD’s von früher. Ich nahm sie mit nach oben und hörte rein. Da kam meine Frau und fragte, wer das denn wäre. Ich sagte, das bin ich. Ab diesem Moment ging es wieder los, und ich bin wieder da. Zurück auf der Showbühne, die ich dann doch letztlich ungeheuer vermisst habe. Ich schrieb wieder Songs und nahm mit den Erfolgsproduzenten und der Band von Jeanette Biedermann das neue Album „Einfach so“ einfach so auf. Auf meine Anfrage hin, haben die Jungs auch ganz spontan zugesagt. Wie sich später herausstellte, gefiel ihnen meine Musik. Naja, das Geld kann’s nicht gewesen sein…. Jetzt kennen wir uns 1 ½ Jahre und sind echte Kumpels geworden.

Das hätten wir am Anfang wohl alle nicht gedacht, dass wir es gerne miteinander aushalten. Denn ich hockte immer wachsam darüber und bin auch einige Male den ‚Herren Produzenten’ in die Parade gefahren und ließ alles wieder umstricken, aber das lag eher daran, dass wir uns noch näher kennen lernen mussten. Doch die Jungs haben einen echt geilen Job gemacht und dieses Album maßgeblich geprägt. Und, ich kann schön heute sagen, dass ich mich über eine weitere Zusammenarbeit schon jetzt freue.

Für das so genannte Musikbusiness klingt das vielleicht irgendwie langweilig. Am besten wäre es, wenn Remo erst 40 Jahre alt ist, unverheiratet und die letzten 20 Jahre mit Elvis und Mickey Maus in Geiselhaft war. Da hat er seine neuen Songs geschrieben und kommt mit den Nummern jetzt heiß an den Markt. Also Leute, ich bleibe lieber im richtigen Leben und mit solchen Plastikgeschichten kann ich nicht dienen. 20 Jahre hat es gedauert, jetzt mache ich wieder Musik. Meine Musik!

Ich musste erst mal das Leben richtig kennen lernen, um mitreden zu können oder gar etwas über das Leben erzählen zu können. Meine Musik lebt aus mir. Meine Musik ist die wahre Geschichte und die dauert mein Leben lang.

Einen Vorgeschmack auf REMO’s neues Album „Einfach so“ gibt die Single-Auskopplung „Nie mehr Lieben ohne Liebe“… ab sofort im MPN und ab 14.2. als Download.

Glasklare und eingängige Songs, produziert Tommy Remm und Frank „Zappa“ Kretschmar, live aufgenommen und gemischt in Senden von Vincent Sorg. Die New York Brass spielte die Bläser bei „Voll-rausch“, und die Streicher bei „So stark kann Liebe sein“, „Alles was du willst“ und „Mein Kind“ hat kein Geringerer arrangiert als Tom Dooley aus Hollywood. Der musikalische Partner des ‚Grafen‘ (Unheilig), Hennig Verlage, lieferte die Klavierparts bei „So stark kann Liebe sein“ und „Mein Kind“. Auch Uwe Hassbecker von Silly hat mal Gitarre gespielt.

Loreena McKennitt ‚Troubadours On The Rhine‘

Loreena McKennitt veröffentlicht ihr erstes ‚unplugged‘ Album, das zum europäischen Tourstart erhältlich sein wird.

Loreena McKennitt "Troubadours On The Rhine"

‚Troubadours On The Rhine‘ , aufgenommen während eines Radiokonzertes, ist ein ganz besonderes, sehr persönliches Konzert in einem familiär anmutenden Setting.

Während der Promotion Tour für ihr letztes Studioalbum ‚The Wind That Shakes The Barley‘ bereiste die kanadische Sängerin Loreena McKennitt einige Länder und besuchte dabei auch Deutschland. Bei der Gelegenheit gab sie ein einstündiges Konzert beim SWR1 in Mainz.

Begleitet wurde sie von ihren langjährigen Musikern Brian Hughes ( Gitarre) und Caroline Lavelle ( Cello).

Das Konzert beinhaltete Lieder aus ihrem letzten Album, traditionelle Stücke und natürlich die beliebtesten Songs aus ihrem großartigen Katalog wie zum Beispiel ‚The Lady of Shalott‘, ‚Bonny Portmore‘ und ‚The Bonny Swans‘.

‘Troubadours On The Rhine’ wird als CD und als digitaler Download über ihr eigenes Label Quinlan Road am 02. März 2012 erhältlich sein. Das Studiokonzert wird genauso veröffentlicht, wie es seinerzeit stattgefunden hat – ohne zusätzliche Aufnahmen, Overdubs oder Korrekturen.

„Diese Veröffentlichung ist anders, als alles, was ich bisher gemacht habe‘, bemerkt die Künstlerin – ‚ eine Erfahrung, die dem eines intimen Hauskonzertes gleich kommt, als ob ich in meinem Wohnzimmer für eine paar Freunde gespielt hätte“.

In der Zwischenzeit bereitet sich Loreena McKennitt, die mehr als 14 Millionen Alben verkauft hat, auf ihre ‚Celtic Footprints Wolrd Tour 2012‘ vor, die sie mit 32 Auftritten durch 11 Ländern führen wird und bei der sie vor mehr als 60.000 Fans spielen wird.

ALCOHOLIC FAITH MISSION - ASK ME THIS CD Cover

ALCOHOLIC FAITH MISSION – ASK ME THIS

Alcoholic Faith Mission aus Kopenhagen gehörten zweifellos zu den Lieblingen der Blogwelt des letzten Jahres. Seit 2009 ist die Band ununterbrochen auf Welt-Tour und aus dem ursprünglichem Duo ist inzwischen ein Sextett geworden.

ALCOHOLIC FAITH MISSION - ASK ME THIS CD Cover
ALCOHOLIC FAITH MISSION - ASK ME THIS ( VÖ: 24.02.12 / PONY RECORDS/WORDANDSOUND)

Nun haben sie schon wieder ein neues Album aufgenommen. “Ask Me This” heisst der Nachfolger des vielgefeierten “Let This Be The Last Night We Care” aus dem letzten Jahr.

Zwischen Indie, Post-Rock, Freak-Folk und Electronica geht es bei den Missionaren oft schwermütig, melancholisch und sehnsüchtig zu.

Sie verbinden in ihren fragilen Songkonstrukten die Intensität von Bands wie Arcade Fire und Broken Social Scene mit den eher ruhigen Melodien von Bon Iver und Iron & Wine, ohne dabei ihre Eigenständigkeit zu verlieren.

Das Songwriting wird mit jedem Album ausgefeilter und auch der Sound hat sich vom anfänglichen Lo-Fi-Charme hin zu vielschichtigen Klanggebildern mit großer musikalischer Variabilität entwickelt.
Mit ihrer Mischung aus Tiefsinnigkeit und Aufbruchstimmung schaffen Alcoholic Faith Mission widerborstig zärtliche und zugleich heftig euphorisierende Musik mit großen Gefühlen und großer emotionaler Tiefe.
Musik zwischen Taumel in hymnischen Sphären und leisen Zwischentönen, wie er kanadischer nicht klingen könnte.

„Ask Me This“ bietet große Bild- und Sounduniversen, einen regelrechten Melting-Pot aus Synthies, flirrenden Gitarrenspulen, Samples, tollen Chören, Streichern, Bläsern und einem ganzen Haufen weiterer Überraschungen.

Es wird immer wieder voller Inbrunst im Chor gesungen, aber vor allem der zwischen jubilierend und jenseitig taumelnde, elfengleiche Gesang von Kristine Permild erhebt das Album in hymnische Sphären.

Live-Auftritte der Alcoholic Faith Mission sind eine leidenschaftliche und glückstrunkene Demonstration des sich-in-der-Musik-Verlierens. Konzerte, in denen das Publikum zur einen Hälfte wild tanzt, zur anderen ergriffen darsteht.