Die Chainsmokers-Hit- bzw. Release-Maschine läuft schon wieder auf Hochtouren: während ihr jüngster Song „Sick Boy“ aktuell noch unaufhörlich in den Charts klettert (aktuell: Platz 10 der Offiziellen Deutschen Singlecharts, Top 30 der Airplaycharts), legen Andrew Taggart und Alexander Pall mit „You Owe Me“ bereits den nächsten Track vor.
Out now: The Chainsmokers – You Owe Me
Die bisherige Chainsmokers-Erfolgsbilanz ist mehr als beeindruckend: ihre Songs wurden in den vergangenen 24 Monaten mehr als zehn Milliarden (!!) mal gestreamt und verzeichneten sechs Milliarden Videoviews.
Dazu kommen zwei Millionen verkaufte Tickets. Ihr Debütalbum „Memories…Do Not Open“ erreichte Platz eins der US Billboard Charts. Im vergangenen Jahr sorgte das Duo u.a. mit der Platinhitsingle „Something Just Like This” featuring Coldplay für Furore, die u.a. 14 Wochen in den Top Ten der Offiziellen Deutschen Singlecharts halten konnte und bis Platz vier kletterte.
Zuvor hatten sich bereits „Don’t Let Me Down“ (Platz sechs, Platinstatus), „Closer“ (Platz zwei, Dreifach-Gold) und „Paris“ (Platz zwei, Platin) in den deutschen Top Ten platzieren können. Das Album peakte in den Offiziellen Deutschen Singlecharts auf Platz elf.
Mit ihrem neuen Album “Ego Politur” stellen Ego Super ihr aktuelles Therapieprogramm vor.
Ego Super – Psycho-Rap-Rock Trio aus Hannover mit neuem Album „Ego Politur“ am 20. April
Der Untertitel des psychoaktiven Frontcovers lautet “10 ml Antiegokomplexikum. Kann Spuren von Narzissmus und Größenwahn enthalten”. Das suggeriert bereits, dass es sich bei der Ego Politur um eine pharmakologisch unterstützte Psychotherapie mit Risiko zum Übers-Ziel-Hinausschießen handelt. 10 Stücke kreisen um das Spannungsfeld zwischen Selbstzweifel und Megalomanie. Was passiert, wenn das Ego sich in einer Krise befindet und Gedanken von Insuffizienz, Bindungs-, Vesagens- oder Ängsten, Verlassen zu werden, überhand nehmen? Was passiert, wenn das Ego bis zum Platzen aufgepimpt ist und man praktisch keinerlei Selbstzweifel mehr aufkommen lässt und vollkommen immun gegen jede Kritik von außen wird und sich folglich aufführt wie das omnipotente Alpha-Tier der hippsten Representer- Straße der Stadt? Genau um dieses Spannungsfeld geht es bei Ego Politur. Und natürlich um die zweifelhaften Bemühungen, den Zustand des Egos händisch zu verbessern, also das Ego zu polieren oder sich (deutlich besser noch!) aufpolieren zu lassen. Es geht um all die Höhenflüge, die so eine Ego Politur mit sich bringen kann, aber auch die Miseren, in die einen riskante Ego-Politur-Versuche stürzen können. Denn eine Ego Politur bleibt Chefsache! Man sollte sie besser in professionelle Hände geben, die wissen, sie fachgerecht durchzuführen. Machen Sie sich nicht mit stümperhaften Selbstrettungsversuchen zum Beta-Affen; konsultieren Sie den Therapeuten ihres Vertrauens.
Die Ego Politur beginnt mit einem sich wie ein Phoenix aus dem Gitarrensynthie-Geschwurbel-Sumpf erhebenden fiesen Stolperbeat, der nicht bekennt, ob er gerade oder geshuffled gemeint ist und darüber fängt Es‘ Rap an zu pöbeln und das heimlich winzigkleine Ego eines anonymen Styleopfers auseinanderzupflücken und sich gleichzeitig schamlos selbst zu feiern. Offensichtlich geht’s darum, sich erstmal Therapiekundschaft zu kreieren. Es geht um das Stück „Trend“. Es geht um Authentizität, um Individualismus vs. Mitläufertum, um die Rechtfertigung, unbeirrt weiter auf krachende Gitarren-Riffs zu pogen (wozu sich der Refrain bestens eignet). Scheißegal, dass sie gerade (bzw. wahrscheinlich schon seit mehr als 10 Jahren) nicht gerade im Trend liegen. Hauptsache die Bude brennt!
Aktuelles Video “Geilah Stylah“:
Musikalisch etwas überraschend geht das Album weiter mit „Geilah Stylah“, einer Art Dancehall-Persiflage. Thematisch schließt sich das Stück aber nahtlos an Trend an, denn es geht auch hier um Posertum und Fassade vs. Substanz in durchgentrifizierten In-Vierteln. Frei nach dem Motto: wie wär’s, wenn man all den Posern einfach mal die Ego-Luft ablässt oder in freudscher Symbolik: man ihnen einfach mal die Hosen runterzieht und nachguckt, wie groß er denn ist? Aber, wenn sie es bei einem selbst tun? Oh weia, na hoffentlich passiert es nicht… Geilah Stylah ist auch die erste Single-Auskopplung aus Ego Politur. Im Video zeigen Ego Super, dass sie nicht nur Style-Kritik sondern auch probate Remidur im Gepäck haben! Es ist zu sehen, wie die Style-lose und unsichere Wurst (Haupt-Darsteller und Regisseur Golo Hennig) in seiner Kackkarre vorfährt und im Style-Institut von Ego Super einfach mal eine Ego Politur und ein Streifenshirt verpasst bekommt. Seine dreckig-weiße Schrottkarre wird indes durch schwarze Gaffer-Streifen vollkommen Ego-mäßig aufpoliert. Am Ende ist Golo der heißeste Typ der Stadt. Streifen machen geil. So einfach ist die Welt.
Danach geht’s weiter mit easy Disco Vibes in dem tanztherapeutischen Kopfnicker-Groove-Hit “Tanzen”. Ego aufpolieren durch Versprühung von Libido, kosmischen Gemeinschaftsgefühls und universal Love in the Discoteque und selbst-empfundener Über-Freshness der eigenen Dance-Moves.
Wie der Kater am nächsten Tag nach der Feierei, folgt direkt auf “Tanzen” der Amotivations-Song “Kein Bock”. Kein Bock auf Stress, kein Bock auf Karriere-Terror, kein Bock auf Arbeit, kein Bock auf den ewigen Schwanzvergleich. Einfach mal auf alles scheißen und die Seele baumeln lassen. “Kein Bock” ist wahrscheinlich der straighteste Rock-Song auf dem Album mit Anleihen bei Surf, Stoner-Rock und (ja, tatsächlich) ein bisschen Indie. Perfekt, um der crazy Welt mal eine Absage zu erteilen, blau zu machen und sich einfach mit ‘ner Flasche Rum an den Strand zu legen und den Wellen zuzugucken.
„Das Wagnis“ ist gewissermaßen die „Power-Ballade“ des Albums. Die nachdenklichen, und klanglich durch lange Kellergänge geschickten Strophen erinnern wegen der ungewöhnlichen Gitarrenakkorde und elegischen Stimmung ein wenig an Radiohead. Die Refrains sind möglicherweise die einzigen Stellen auf dem Album, in denen beinahe eine Spur von Pathos aufzukommen scheint. Klar, es geht um ernste Themen. Das wiederkehrende Muster von Ups and Downs in Beziehungen und die Frage, wann man endlich die Eier hat und sich traut, wichtige Fragen zu stellen bzw. wichtige Bekenntnisse zu machen.
Die „Frühlingsgefühle“ sind auf dem Album der Einstig in die dunkle Seite und die erste explizite Thematisierung des Egokomplexes. Irgendwo zwischen oldschooligem Rap und den ironischeren Stücken von Sido ordnet sich dieser stark Groove-betonte und hookige Track ein und handelt von der Macht der Hormone im Frühling, die dazu verleiten (natürlich auf der Suche nach Ego Politur) übertrieben dem anderen Geschlecht nachzustellen und sich üppigen Sauf- und Feierexzessen hinzugeben. Und, naja, auch von (nur) Teilerfolgen…
Der Titeltrack „Ego Politur“ ist eine Hommage an das bretternde und schlackernde tiefergelegte Gitarren-Riff und handelt von der Schattenseite der Ego Politur oder dem Resultat davon, zu viel Ego zu haben. Rap in abgehangenster, demotiviert-überheblicher Proleten-Attitüde durch das runtergefahrene, verdunkelte Fenster des tiefergelegten mattiert golden schimmernden Benz’, die fette goldene Uhr am behaarten Unterarm. Unantastbarer End-Boss im eigenen egozentrischen Kosmos.
Der „Geräteschuppen“ ist der Abstieg in die dunkelsten Kammern der Psyche und der textlich gewagteste Track auf dem Album. Scheinbar in Metaphern zensiert das Ich kryptische Wünsche von ganz unten und artikuliert sie über einen verschrobenen Sound zwischen dengeligem Rock, Dubstep und schiebend bouncendem Industrial Rap. Nicht verhindern kann es, dass verstörende runtergepitchte Botschaften, Hämmern, Schweißen und Sägen aus dem Geräteschuppen hervordringen und Einblicke in das rätselhafte Geschehen im Inneren des Heimwerkers zulassen.
„Amputation“ ist ein crisper, tanzbarer, treibender Rock Song über psychische Selbstverstümmlung und die Trennungsphase von Beziehungen, die immer mehr zur Qual werden. Die Phantomschmerzen, die der Amputation folgen, sollen im Refrain im Techno Club weg gestept werden.
Das Album endet mit der winterlichen Vanitas Ballade „Reste“, einer merkwürdig mäandernden, vielschichtigen Komposition, die von Sehnsucht, Kommunikationsstille und unverstandenem Kontaktabbruch, aber auch von Kapitulation und Akzeptanz zu handeln scheint. Es schichten sich etliche Gitarrenebenen, Synthies und Chöre, die untermauert werden von künstlichen und programmierten Drums, die einen Herzschlag andeuten. Schließlich endet das Stück in einem ausgedehnten Outro und mit ihm zusammen endet das Album in einem weiten, verhallenden Nebel.
Mitgewirkt an Ego Politur haben unter anderem Produzent David Raddish (Moop Mama, Leyya) und Mischer Johannes “Giovanni” Maurer (u.a. Bilderbuch). Das Mastering stammt von Ludwig Maier, GKG Mastering. Das Artwork wurde von Arif Demir entwickelt und das Bandfoto im Digipak Inneren stammt von Nils Brederlow.
ACHT EIMER HÜHNERHERZEN sind ein halbakkustisches Nylon-Saiten Trio mit den drei Musikstilen Powerviolence-Folk, Kakophonie und Bindungsangst.
DEBÜT-ALBUM der ACHT EIMER HÜHNERHERZEN – „s/t“kommt am 23. März 2018
Sie spielen Wandergitarren-Punk mit Fuzz-Driver für alle Heiter-Depressiven … und für alle anderen. Die 13 Songs auf dem Debut-Album des Kreuzberger Trios strotzen vor anarchistischer Unbekümmertheit.
Die Regeln von Punk, Folk und Songwritertum eiskalt ignorierend haben sie hier alles in einen Topf – nein – in einen Eimer geschmissen und kräftig durchgerührt und eine Platte geschaffen, auf der ein gutes und unverwechselbares Lied auf das Nächste folgt. Und das nicht nur in Dur.
Acht Eimer Hühnerherzen by Veruschka Bohn
LP mit DL-card, die ersten 500 ltd. coloured pink Vinyl , die CD kommt im Digipack.
Live in Berlin: „Mittelmass“
Das DEBÜT-ALBUM der ACHT EIMER HÜHNERHERZEN – „s/t“kommt am 23. März 2018
via Destiny Recs und Broken Silence / Finetunes – Destiny-178 CD / LP / digit.DL
Deutschlands #1 Club Music Label kompiliert die ultimativen House Anthems 69 House Hymnen in drei exklusiven DJ-Mixen.
Deutschlands #1 Club Music Label KONTOR RECORS ist seit über 20 Jahren musikalisch am Puls der Zeit und immer on TOP OF THE CLUBS! Nach dem großen Erfolg der „Kontor Top Of The Clubs – The Best Of 20 Years“ Compilation zum 20jährigen Jubiläum von Kontor Records, präsentiert die TOP OF THE CLUBS Reihe nun 69 der größten House Hymnen in einem fetten 3 CD-Set. Exklusiv abgemischt in drei nonstop DJ-Mixen.
Various Artists ’’Kontor Top Of The Clubs – The Ultimate House Collection” Diese ultimative House Music Sammlung und musikalische Zeitreise ist ein MUST HAVE für alle Club Music Liebhaber, egal ob Teenager oder „Generation Golf“. Dabei kommen die 3 CDs im hochwertigen Digipak.
Minimix:
Various Artists ’’Kontor Top Of The Clubs – The Ultimate House Collection” Label: Kontor Records
VÖ-Datum: 23.02.2018
Kat.-Nr.: 1068933KON
EAN-Code: 4250117689339
Format: 3 CD-Set (Compilation)
Various Artists ’’Kontor Top Of The Clubs – The Ultimate House Collection Tracklist:
CD 1 01. Modjo – Lady (Hear Me Tonight)
02. Soulsearcher – Can’t Get Enough!
03. Michael Gray – The Weekend
04. Eric Prydz – Call On Me (Eric Prydz vs. Retarded Funk Mix)
05. The Shapeshifters – Lola’s Theme
06. The Disco Boys feat. Manfred Mann’s Earth Band – For You
07. Duck Sauce – Barbra Streisand
08. Bob Sinclar – I Feel For You
09. Nerio’s Dubwork feat. Darryl Pandy – Sunshine & Happiness
10. Afro Medusa – Pasilda (Knee Deep Club Mix)
11. Junior Jack – E Samba
12. Shakedown – At Night (Kid Crème Club Mix)
13. Ron Carroll & Superfunk – Lucky Star
14. Deepswing – In The Music
15. Axwell – Feel The Vibe
16. D.O.N.S. feat. Technotronic – Pump Up The Jam (D.O.N.S. vs. Kurd Maverick Extended Mix)
17. ATB – 9 PM (Till I Come)
18. Nalin & Kane – Beachball
19. Celvin Rotane – I Believe
20. DJ Tocadisco – Nobody (Likes The Records That I Play)
21. Azzido Da Bass – Dooms Night (Timo Maas Remix)
22. Justice vs. Simian – We Are Your Friends
23. The Chemical Brothers – Galvanize
CD 2 01. Crystal Waters – Gypsy Woman (La Da Dee La Da Da)
02. Wamdue Project – King Of My Castle (Roy Malone Mix)
03. Moloko – Sing It Back (Boris Dlugosch Musical Mix)
04. Ultra Nate – Free (Mood II Swing Extended Vocal Mix)
05. Mousse T. vs. Hot ‚N‘ Juicy – Horny
06. Robin S – Show Me Love (Stonebridge Club Mix)
07. Full Intention – America (I Love America) (Original Sugar Daddy 12“ Mix)
08. Funkstar De Luxe – Sun Is Shining
09. David Morales pres. The Face feat. Juliet Roberts – Needin’ U
10. Phats & Small – Turn Around (Hey What’s Wrong With You)
11. Roger Sanchez – Another Chance
12. Phoenix – If I Ever Feel Better (I’d Go To The Disco)
13. Tori Amos – Professional Widow (Armand van Helden’s Star Trunk Mix)
14. Novy vs. Eniac – Superstar
15. David Guetta – Just A Little More Love (Wally Lopez Remix)
16. Run-DMC vs. Jason Nevins – It’s Like That
17. Camisra – Let Me Show You
18. Phil Fuldner Works #2 – Miami Pop
19. Starsailor – Four To The Floor (Thin White Duke Mix)
20. Black Legend – You See The Trouble With Me
21. Hysteric Ego – Want Love
22. Armand van Helden – The Funk Phenomena
23. Africanism Allstars by David Guetta & Joachim Garraud, Tim Deluxe, Bob Sinclar feat. Ben Onono
Summer Moon (F**k Me I’m Famous Mix)
CD 3 01. Clivilles & Cole – A Deeper Love
02. Everything But The Girl – Missing (Todd Terry Club Mix)
03. Nightcrawlers – Push The Feeling On (Mk Dub Revisited Edit)
04. DJ Tonka – She Knows You
05. The Original – I Luv U Baby (Dancing Divaz Club Mix)
06. Paul Johnson – Get Get Down
07. Reel 2 Real feat. The Mad Stuntman – I Like To Move It (Erick More Club Mix)
08. Kenny ‚Dope‘ pres. The Bucketheads – The Bomb! (These Sounds Fall Into My Mind)
09. Gusto – Disco’s Revenge (Mole Hole Edit)
10. Mighty Dub Katz – Magic Carpet Ride (Son Of Wilmot Version)
11. The Course – Ready Or Not
12. Dominica – Gotta Let You Go
13. Todd Terry feat. Martha Wash & Jocelyn Brown – Jumpin Thumpin (Rhythm Masters Mix)
14. The Good Men – Give It Up (Batucada Refrescante)
15. Alison Limerick – Where Love Lives
16. Inner City – Good Life
17. Farley ‚Jackmaster‘ Funk & Jesse Saunders – Love Can’t Turn Around
18. 4th Measure Men – 4 You
19. George Morel – Let’s Groove
20. Jungle Brothers – I’ll House You
21. Ten City – That’s The Way Love Is (Deep House Mix Extended Version)
22. Ruffneck feat. Yavahn – Everybody Be Somebody
23. Rui Da Silva feat. Cassandra – Touch Me
Der mit einem Grammy ausgezeichnete niederländische AFROJACK gehört mit weitem Abstand zu den erfolgreichsten und einflussreichsten DJs weltweit!
AFROJACK veröffentlicht pünktlich zum Valentinstag seinen neuesten Smasher BED OF ROSES feat. StanajNach kontinuierlichen Hits und Kollaborationen mit David Guetta, Sia, Charlie XCX, French Montana, Wiz Khalifa, Snoop Dogg, Chris Brown erscheint nun pünktlich zum Valentinstag sein neuester Smasher BED OF ROSES feat. Stanaj! Mit knapp 13 Millionen monatlichen Hörern auf Spotify hat Afrojack eine weltweit angewachsene Fanbase, die täglich stetig steigt!
Mit STANAJ hat sich Afrojack erneut eine der derzeit heißesten Vocals ins Boot geholt. Der 22-jährige Stanaj wurde von NBA-Star Brandon Jennings bei einem Gig entdeckt und hat seitdem prominente Fans wie Kim Kardashian West, Russell Simmons, Chris Brown und Drake. STANAJ‘s außergewöhnlich klare, romantische Stimme bringt zusammen mit dem perfekten Arrangement von BED OF ROSES einen neuen Pop-Epos an den Start!
Für alle Liebhaber funkiger- und souliger Töne… „Slower, Smaller, Happier“ ist der Titel von CASS (a.k.a. Dirk Cassiers) erstem Soloalbum.
CASS – Album Release „Slower, Smaller, Happier“ am 23.02.2018Der Titel beschreibt, was Singen dem vielbeschäftigten Unternehmer bedeutet: Singen ist seine Pause, sein Yin zum Yang, oder das Yang zum Yin?
Ein Unternehmer, ein Künstler & Familienmensch – das ist CASS.
“Singing or running my business, to me is all about having an ‘impact’. An impact on the business of a client or on an audience. That’s what makes me tick!”
Aber nicht nur der erfolgreiche Unternehmer macht Dirk Cassiers aus: auch die Musik liegt ihm in den Genen! Mit jungen 16 Jahren performt er mit seinem Bruder Jo in einer Simon & Garfunkel Coverband in Jugendzentren und auf kleineren Veranstaltungen. Diese musikalische Ader haben die beiden Cassiers Brüder wohl von ihrer Großmutter, Maria Govaers, einer ehemaligen Opernsängerin, geerbt.
Von 1997-1998 gründeten Jo & Dirk die Band „Orphan“. Damit schafften sie es auf die Bühne der Royal Academy in Hollywood. Dort konnten die jungen Musiker einen Filmemacher für sich gewinnen, der vier Songs ihres Albums „September Rain“ für den Film „Friends & Lovers“ (u.a. mit Robert Downey Jr., Claudia Schiffer, Stephen Baldwin & Danny Nucci) wählte.
Außerdem wurde er Mitglied der Band „De Grungblayer“, ein Zusammenschluss von 9 bekannten belgischen Profis aus der Werbebranche, dem Showbizz und aus der Theater-Landschaft, die „Evergreens“ in den lokalen Antwerpen-Dialekt übersetzen und performten. Ende 2016 schafften sie es sogar die neu renovierte Elisabeth Hall in Antwerpen ganze sieben Mal zu füllen.
Am 23. Februar 2018 veröffentlicht der Künstler – nun unter dem Namen CASS – zusammen mit Produzent Yannic Fonderie und vielen anderen tollen belgischen Musikern, die ihn auch bei Konzerten unterstützen werden, das neue Album „Slower, Smaller, Happier“.
Die Familie steht immer an erster Stelle, denn diejenigen, die einen vom ersten Moment an begleitet haben, vergisst man nicht. Black Stone Cherry aus Edmonton, Kentucky, wuchsen mit den Klängen zu Cream, Led Zeppelin, Muddy Waters, The Faces und anderen Größen der 1970er Jahre auf. Das sechste Studioalbum des Rock’n’Roll Quartetts, „Family Tree“, ist eine Hommage an ihre Vorbilder und eine Granate von einem Southern Rock Album.
„Wir hatten göttlichen Beistand.“, lacht Gitarrist Ben Wells. „Aus einem kreativen Funken wurde ein Feuer, das wir noch nie zuvor gespürt hatten.“ Schlagzeuger John Fred fügt hinzu: „Auf ‘Family Tree‘ sind all unsere musikalischen Einflüsse zu hören. Dennoch haben wir darauf unseren ganz eigenen, einzigartigen Southern American Rock’n’Roll-Sound geschaffen.“
Seit über 17 Jahren stehen Black Stone Cherry für eine neue Form des Southern Rock: fast schon beissende Sounds vermischen sich mit jugendlicher Leichtigkeit, früheren Einflüssen und der geliebten amerikanischen Rocktradition. Bis heute hat die Band fünf Alben sowie eine Blues EP veröffentlicht, die alle hervorragende Kritiken erhielten. Black Stone Cherry rockten Stadien in den USA mit über 12.000 Zuschauern, führten die UK-Charts an und teilten sich die Bühne mit Superstars wie Def Leppard, Lynyrd Skynyrd, Bad Company, Motörhead und ZZ Top.
Black Stone Cherry wurde 2001 in der US-Amerikanischen Kleinstadt Edmonton in Kentucky gegründet. Das Line Up besteht bis heute aus Chris Robertson (Gesang, Gitarre), Ben Wells (Gesang, Gitarre), John Lawhon (Bass, gesang) und John Fred Young (Schlagzeug). Youngs Vater Richard und sein Onkel Fred sind Mitglieder der kultigen Country-Rock’n’Roots Band The Kentucky HeadHunters. Bereits als die vier noch die Highschool besuchten, perfektionierten sie ihr musikalisches Handwerk im Proberaum der HeadHunters, einem alten Bungalow aus den 1940er Jahren.
„Wir wuchsen quasi im Proberaum auf, umgeben von Postern von Cream, Led Zeppelin, Uriah Heep, den Stones, Montrose und The Faces. Wir waren wie Kinder, die jemand in eine Zeitmaschine gesteckt und diese in den Wald gelegt hat.“, erklärt John Fred Young.
Erneut entschieden sich Black Stone Cherry, „Family Tree“ selbst zu produzieren und kehrten in David Barricks „Barrick Recording Studio“ zurück. Dort hatten sie bereits ihr selbstbetiteltes Debüt sowie ihr letztes Album „Kentucky“ (2016) aufgenommen. Außerdem beschlossen sie, es vor den Aufnahmesessions mit den Proben nicht zu übertreiben, sondern zogen die Unmittelbarkeit und Spontanität des Moments vor. „Diesmal gab es viel Gelächter im Studio und die Atmosphäre war aufgrund der Vertrautheit sehr entspannt. Das half uns, zum wesentlichen Kern unserer Musik vorzudringen.“, sagt Bassist John Lawhon. Die Band betraute außerdem Gitarrist und Sänger Chris Robertson damit, das Album zu mixen. Dieser schlichte Anspruch passte perfekt zu den lockeren, aber dennoch offenbarenden Sessions, die „Family Tree“ hervorbrachten.
Das neue Album enthält 13 Songs und damit die altbewährte Glückszahl der Band. Wie bei allen Alben davor brachte sich jedes Bandmitglied in das Songwriting ein. Das Ergebnis ist ein modernes, gehaltvolles und blueslastiges Rockalbum, das mit einigen Überraschungsmomenten glänzt: starke Bläsersektionen, billige Kneipenpianos, Southern Gospel Orgeln, atmosphärische Synthesizer und Vorstöße in die Welt des Funk und Country.
Der Titeltrack mit seinen starken Bluesriffs zeigt deutlich, dass die Gruppe als Einheit gereift ist, ohne dabei ihre Wurzeln zu verleugnen. „Carry Me On Down The Road“ ist ein geschmeidiges Stück aus purem 1970 American Rock’n’Roll, wie man ihn aus dem Lautsprecher eines 1972er Chevy El Camino erwarten würde. „James Brown“ dagegen glänzt mit protzigem Swamp-Funk, Wahwah-Gitarreneffekten und weiblichem Gospelgesang. „Bad Habit“ tropft vor sinnlich-lustvollen Anspielungen und unmissverständlichen Groove Rock Beats von erstklassigen, kantigen und schweren Black Stone Cherry.
Ein Kernstück von „Family Tree“ ist das rustikal-elegante „My Last Breath“, eine süße Ode an unzerbrechliche Familienbande. Männlich-weibliche Call And Response-Elemente jagen dem Zuhörer einen Schauer über den Rücken. Es ist einer dieser Momente, in dem das Licht aus dem Lautsprecher zu strahlen scheint und die Gewissheit gibt, dass alles gut werden wird.
Zwei besondere Gäste schließen den familiären Kreis auf dem Album: Chris‘ fünfjähriger Sohn, singt die Backingvocals des bulligen „You Got The Blues“ und auf dem stampfenden „Dancing In The Rain“ ist der Gesang und das Gitarrenspiel von niemand Geringerem als der Ikone Warren Haynes zu hören. Black Stone Cherry trafen ihn zum ersten Mal vor 17 Jahren, als sie, frisch gesignt, einen Showcase für ihr neues Label in New York spielen sollten. „In dem Moment, als ich meinen Fuß zum ersten Mal in die Stadt setzte, hörte ich Warrens Stimme hinter mir.“, erinnert sich Jon Lawhon. „Ihn nun auf diesem Track spielen zu hören, begeistert mich total.“
Dass Warren auf dem Album spielt, bedeutet für Black Stone Cherry endlich „ein Teil der Familie“ zu sein. Es ist eine wundervolle Bestätigung für all die Meilen, die die Band auf Tour bereits zurückgelegt und für die sie ihr Zuhause so oft so weit hinter sich gelassen haben. „Manchmal kann ich es nicht glauben, dass vier gute alte Jungs aus Nirgendwo-Kentucky 17 Jahre später immer noch zusammen sind.“, sagt Chris Robertson. Und Ben Wells schließt mit den Worten: „Ich kann mich nicht mehr daran erinnern, wie das Leben ohne Black Stone Cherry war. Wir vier sind eine Familie.“
Liebhabern von Progressive Rock und Progressive Metal muss man Arjen Anthony Lucassen nicht groß vorstellen.
Seit mehr als 20 Jahren veröffentlicht der Multiinstrumentalist aus den Niederlanden unter dem Projektnamen Ayreon höchst aufwändig produzierte Konzeptalben mit verzwackten Storylines, auf denen er – für gewöhnlich von namhaften Gästen begleitet – gewaltige Kathedralen aus Klang errichtet. 2017 erschien sein SciFi-Epos „The Source”, es geriet zum bisher größten Ayreon-Erfolg.
Lucassen liebt derlei Megaprojekte über alles – wenn er sie plant und realisiert, lässt er sich von nichts und niemandem bange machen. Nur eines ruft bei dem über zwei Meter messenden, 56-jährigen Hünen seit jeher unweigerlich Fracksausen hervor: Liveauftritte vor großem Publikum. Sie machen ihn nervös, deshalb meidet er sie gerne. Sein Lampenfieber sei übermächtig, sagt Lucassen selbst, und die daraus resultierenden Panikattacken vor Konzerten wären schwer zu bändigen. Kaum zu glauben, aber wahr.
Dementsprechend dünn gesät sind Auftritte wie jene denkwürdigen Shows, die im September letzten Jahres an drei aufeinander folgenden Abenden in Tilburg über die Bühne gingen, wohl auch deshalb waren sämtliche 9.000 erhältlichen Tickets binnen eines Tages vergriffen. Lucassen traute sich vor heimischer Kulisse dann tatsächlich, und die aus aller Welt angereisten Fans bekamen bei einem Parforceritt durch die gesamte Ayreon-Historie ein gewaltiges Progrock-Spektakel geboten, an das sie sich wohl noch lange erinnern werden.
Live Video – Ayreon – Valley Of The Queens (Ayreon Universe):
Wer nicht dabei wahr, kann sich jetzt einen tollen Eindruck davon nach Hause holen: Unter dem Titel „Ayreon Universe – Best of Ayreon live“ erscheint am 30. März 2018 bei der Mascot Label Group ein Mitschnitt der Tilburg-Konzerte in vielerlei Formaten – als Dreifach-LP in schwarzem Vinyl sowie in limitierter Auflage in farbigem Vinyl, jeweils mit beigelegtem Download-Code; außerdem als Doppel-CD und Doppel-DVD sowie als Blue-ray und als Fünf-CD-Earbook.
Live Video – Ayreon – Everybody Dies (Ayreon Universe):
30 Kameras liefen allabendlich im 013 Poppodium, als Arjen Lucassen gemeinsam mit zwei Dutzend prominenten Gastmusikern zur Sache kam.
Als Sängerinnen und Sänger waren mit von der Partie: Floor Jansen und Marco Hietala (Nightwish), Damian Wilson (Threshold), Hansi Kürsch (Blind Guardian), Tommy Karevik (Kamelot), Anneke van Giersbergen (The Gentle Storm), Jonas Renkse (Katatonia), Mike Mills (Toehider), Marcela Bovio (Stream of Passion), Irene Jansen und Jay van Feggelen (Ayreon), Robert Soeterboek (Star One), John Jaycee Cuijpers (Praying Mantis), Edward Reekers (Kayak), Maggy Luyten (Nightmare) und Lisette van den Berg (Scarlet Stories). Die Band setzte sich neben Lucassen selbst aus Ed Warby (Drums), Johan van Stratum (Bass), Marcel Coenen (Leadgitarre), Ferry Duijsens (Gitarre) und Joost van den Broek (Keyboards) zusammen, hinzu kamen noch Ben Mathot (Geige), Jeroen Goossens (Flöte, Holzbläser) sowie Maaike Peterse (Cello).
Die Konzerte dauerten jeweils mehr als zwei Stunden, zum Besten gegeben wurden währenddessen Stücke aus sämtlichen Ayreon-Alben, vom aktuellen „The Source”, über „The Theory of Everything” (2013), „01011001” (2008), „The Human Equation” (2004), „Universal Migrator Part 1” und „…Part 2” (2000), „Into the Electric Castle” (1998) und „Actual Fantasy“ (1996), bis zurück zum 1995er-Debüt „The Final Experiment”. Projektionen auf einen riesigen HD-Bildschirm, der im Hintergrund die gesamte Bühnenbreite einnahm, untermalten das Ganze sehr effektvoll.
Zwei Jahre hatten die Vorbereitungen für die hier festgehaltenen Konzerte gedauert. Als alles vorüber war, sagte Arjen Lucassen zur Überraschung aller Beteiligten: „Eigentlich schade, dass wir nur diese drei Shows gespielt haben.“ Dies lässt hoffen, dass das letzte Wort in Sachen Lucassen live noch nicht gesprochen ist – Lampenfieber hin oder her. Allerdings dürfte das in Tilburg Gebotene wohl schwerlich noch zu übertreffen sein.
Ayreon – Ayreon Universe
1. Prologue
2. Dreamtime
3. Abbey Of Synn
4. River Of Time
5. The Blackboard
6. The Theory Of Everything
7. Merlins Will
8. Waking Dreams
9. Dawn Of A Million Souls
10. Valley Of The Queens
11. Ride The Comet
12. Star Of Sirrah
13. Comatose
14. Day Sixteen Loser
15. And The Druids Turned To Stone
16. The Two Gates
17. Into The Black Hole
18. Actual Fantasy
19. Computer Eyes
20. Magnetism
21. Age Of Shadows
22. Intergalactic Space Crusaders
23. Collision
24. Everybody Dies
25. The Castle Hall0
26. Amazing Flight In Space
27. Day Eleven Love
28. The Eye Of Ra Release Date
March 30, 2017
Available Formats 3LP + MP3, 3LP + MP3 (Limited Coloured Vinyl), 2CD, 5 disc Earbook, 2DVD, Blu-ray
Ego Super – Psycho-Rap-Rock Trio aus Hannover – bestehen in dieser Besetzung seit 2015. im gemeinsamen Studium in Marburg fanden sich die drei zusammen und beschlossen fortan als diplomierte Psychologen musikalisch das Land zu therapieren.
Ihre Texte irritieren durch einen psychologisch-fundierten selbstironischen Anti-Humor. Zur Musik soll getanzt, gepoged, geschmust und Libido versprüht werden. Stilistisch werden Ego Super zuweilen in die Nähe von Acts wie der Antilopen Gang gerückt, was den dreien durchaus schmeichelt: „Vielleicht sogar mit besseren Beats, aber wahrscheinlich schlechteren Texten“, so die Wahl-Hannoveraner. „Gegen einen Hauch der Sexiness von Bilderbuch haben wir aber auch nichts einzuwenden“, ergänzen Ego Super schmunzelnd.
Ego Super – Psycho-Rap-Rock Trio aus Hannover mit neuem Album „Ego Politur“ am 20. April
Mit dem Video zu „Geilah Stylah“ bieten Ego Super einen ersten Eindruck vom neuen Album. Der Clip ist recht aufwendig gestaltet, zeigt Ego Super abwechselnd in Ärztekitteln oder ihrer typischen schwarz-weißen-Streifenoptik und unterstreicht eingehend die Individualität und Kreativität des Trios um Schlagzeuger „Über-Ich“, Bassist „Ich“ und Sänger/Rapper und Gitarrist „Es“. Produziert wurde das Video von Golo Hennig! Im Song selbst dominieren Rap und Dancehall, der mit rockigen Riffs angereichert wird.
Aktuelles Video “Geilah Stylah“:
Live Video “Trend“:
Psychoraprock bedeutet eine Melange aus Deutschrap und Rock mit psychologisch fundierten Texten. Rap und Rock zu mischen bedeutet aber nicht, einen lauwarmen Aufguss von Nu Metal bzw. Crossover aus den frühen 2000ern zu präsentieren in dem sich Harte-Männer-Verse mit Teenie-Mädchen-Herzen zum springen bringenden Pathos-Refrains abwechseln. Nein, Psychoraprock heißt für Ego Super zu fusionieren, was man einfach geil findet und was einen seit den 90ern geprägt hat und weiterhin prägt. Ego Super sind auf großer Mission! “Das Land musikalisch zu therapieren” haben sie sich verschrieben. Und in diesem Statement steckt auch drin, was Ego Super besonders wichtig ist: eine gute Portion Übertreibung, sich selbst nicht zu ernst zu nehmen, allem mit Humor und einer guten Dosis Ironie zu begegnen…
Wer das neue Album “Ego Politur“ (VÖ 20.04.2018) einmal komplett gehört hat, wird es sicherlich verstehen!
Sigmund Freud gelang ein unbeabsichtigter Geniestreich, als er mit seinem “Strukturmodell der Psyche” nicht nur eine Erklärung für die merkwürdigen und teilweise abgründigen Vorgänge im menschlichen Oberstübchen präsentierte, sondern en passant auch eben mal das Konzept für eine Psychoraprockband lieferte, die sich erst 100 Jahre später formieren würde. Respekt an Siggi selig!
Die legendären Begriffe aus seinem Strukturmodell sind quasi ein populärwissenschaftlicher Mega-Erfolg: das Es, das Ich und das Über-Ich (englisch: id, ego, super ego).
Die erwähnte Psychoraprockband ist natürlich Ego Super! Und die Freud’sche Trinität bilden die Ingredienzen des Band-Konzepts. Das Es wird verkörpert durch Daniel (Rap, Gesang, Gitarre). Er ist quasi das Biest, dessen dunkel brodelnden Energien ständig im Zaum gehalten werden müssen, damit sie nicht in Form einer gewaltigen Eruption hirnlosen Exzesses aus Sex, Drugs and Rock’n’Roll explodieren. Es ist Bauchgefühl, Es ist Straße, Es ist RRROCK mit drei R. Aber Es ist auch der Untergang—wenn nicht das Engelchen auf der linken Schulter jede Gelegenheit nutzen würde, zu ermahnen, dass man Fernseher schon aus Prinzip nicht aus dem Hotel-Fenster wirft und, dass der Erwerb einer Doppelhaushälfte den rechtzeitigen Abschluss eines Bausparvertrages voraussetzt. Gemeint ist das Über-Ich, repräsentiert durch Pit (Schlagzeug, E-Drums). Doch wie sollen Feuer und Wasser, Punk und Kleingartenkolonist koexistieren statt sich gegenseitig den Garaus zu machen? Wie Freud bereits sagte: es geht nicht – es braucht einen Vermittler. Einen, der den Laden zusammen hält und abwägt, wann der einen, wann eher der anderen Stimme gefolgt werden sollte. Dieser Mediator, der alle Konflikte aushält und in sich austrägt, ist das Ich—bei Ego Super Xaver (Bass, Live-Elektronik). Das Ich versucht zu vermitteln und vernünftige Kompromisse zu finden und dabei gute Miene zum bösen Spiel zu machen und so freundlich & kompetent und zwischenmenschlich professionell rüberzukommen wie der zahnlose Otto-Normal-Angestellte bei der örtlichen Bank.
Aber wie kommen Daniel, Pit und Xaver zu diesen Rollen von fraglichem Glamour? Und vor allem: was hat das mit Musik zu tun?
Der Drei-Komponenten-Kleber der “Egos” ist ihre gemeinsame Zeit in der beschaulichen Studentenstadt Marburg, wo sie sozusagen ihre orale Phase durchliefen und dies und das probierten und eine Weile darauf rumkauten: ein bisschen Psychologie studieren, ein bisschen zusammen feiern, aber vor allem eben musizieren. In der analen Phase hatte das alles mit Psychoraprock noch wenig zu tun. Stattdessen wurden komplexe Jazz-Kopfgeburten in krummen Takten komponiert und bis zur Selbstkasteiung geprobt, obwohl das ja doch keiner hören wollte. Heutzutage sind die Egos Diplom-Psychologen und Ego Super in der genitalen Phase und damit bereit, zu kommen wohin sie wollen, zu säen und zu ernten. Ja, genau: Ego Super sind auf großer Mission! “Das Land musikalisch zu therapieren” haben sie sich verschrieben. Und in diesem Statement steckt auch drin, was Ego Super besonders wichtig ist: eine gute Portion Übertreibung, sich selbst nicht zu ernst zu nehmen, allem mit Humor und einer guten Dosis Ironie zu begegnen. Es stellt sich die Frage: “wer therapiert hier denn eigentlich wen?”. Es ist Teil des Spiels, dass diese Frage offen bleibt. Aber eines ist klar: die Therapie ist die Musik. Psychoraprock bedeutet eine Melange aus Deutschrap und Rock mit psychologisch fundierten Texten. Rap und Rock zu mischen bedeutet aber nicht, einen lauwarmen Aufguss von Nu Metal bzw. Crossover aus den frühen 2000ern zu präsentieren in dem sich Harte-Männer-Verse mit Teenie-Mädchen-Herzen zum springen bringenden Pathos-Refrains abwechseln. Nein, Psychoraprock heißt für Ego Super zu fusionieren, was man einfach geil findet und was einen seit den 90ern geprägt hat und weiterhin prägt: bretternde Riffs wie bei Rage Against The Machine; abgehangener Stoner-Rock mit einer dicken Schicht Dreck drauf wie bei Queens of the Stone Age; verworrene Melancholie und Orchestralität in Klangfarben aus mäandernden Synthesizer-Geweben und Effektschichten à la Radiohead. Die Rap-Seite orientiert sich an zeitgenössischem Deutschrap mit doppelbödigem Wortwitz wie bei Marteria, Antilopen Gang, Fatoni oder Moop Mama, in melancholischen Stücken ein bisschen wie bei Maeckes (Die Orsons). Auch eine Portion Pop ist dabei, die zum hotten Dance ermuntert und an Bilderbuch oder Phoenix erinnert. Das alles aber immer im guten Kopfnickertempo. Zuletzt lassen sich die Spuren der Auseinandersetzung mit Jazz hören, denn es kommen immer wieder vielschichtige Arrangements und komplexe Harmonik, filigrane mit Ghostnotes angereicherte Drumbeats sowie merkwürdige Stolper-Grooves vor, die von Künstlern wie D’Angelo, The Roots, Jim Black und Chris Dave inspiriert sind.
Textlich verschreiben sich Ego Super meist psychologischen Themen, wie der Vielgestaltigkeit von Ego Problemen und Versagensängsten, Selbstdarstellung vs. Authentizität, (Kritik am) Mitläufertum und symbolischer Selbstergänzung, aber es geht auch um Trennung, Sehnsucht, Liebeslebensfrust, innere Leere oder der Suche nach einem Platz im Leben. Das mag nach hartem Tobak und nicht nach all zu viel Spaß klingen. Aber auch die ernsten Themen werden meist in einer groovenden Verpackung und mit einer Portion an Humor und Selbstdistanz präsentiert und zwischendrin geht auch ein Stück einfach mal geradeaus um Tanzen und Party, ganz ohne doppelte Böden oder ironische Mehrebenenarchitektur.
Psychologie und die Verschrobenheit unserer Wahrnehmung will die Band auch durch ihre visuelle Präsentation thematisieren, bei der sie sich in irritierenden Mustern aus schwarz-weißen Streifen zeigen und in ihrer Symbolik visuelle Illusionen verwenden, bei denen zum Beispiel Bewegungen oder Formen gesehen werden, die so gar nicht da sind oder bei denen sich das Gehirn an unmöglichen oder mehrdeutigen Formen aufhängt.
Ego Super – Psycho-Rap-Rock Trio aus Hannover mit neuem Album „Ego Politur“ am 20. AprilEs klingt also ganz danach, als wäre die “Therapie”, die Ego Super hier anzubieten haben, auch keine ganz leichte Kost oder jedenfalls eine etwas durchwachsene Mischung. Aber durchwachsen sind wir alle und verspult sind unsere Psychen! Keine Therapie ist einfach, aber sie lohnen sich. Ego Super jedenfalls wünschen sich, dass möglichst viele Menschen zu ihnen kommen und, dass zu ihrer Musik getanzt, gepoged, geschmust und Libido versprüht wird.
Die Anfänge einer Band sind zumeist wenig glorreich. Als MR. IRISH BASTARD 2006 antraten, die Welt mit schnell getakteten und hochprozentigen Hymnen positiv zu erschüttern, waren die Bühnen so klein, dass die Hälfte der musikalischen Überzeugungstäter hinten runterfiel.
MR. IRISH BASTARD „The Desire For Revenge“Heute, drei Studioalben und gute 700 Konzerte später, die sie unter anderem bis nach China, Japan und auf sattsam Platz bietende Festivalbühnen neben The Pogues, Flogging Molly, Dropkick Murphys und The Levellers führten, ist die Truppe längst eine international gefeierte Folk-Punk-Instanz geworden. Mit ihrem neuen Album „The Desire For Revenge“ (VÖ 02.03.2018), starten MR. IRISH BASTARD mit der Energie von frischentzückten Musikverrückten ins zweite Jahrzehnt ihres Bestehens. Aber auch mit dem Drang, neue Details ihres Klangkörpers zu beleuchten. „The Desire For Revenge“ ist Standortbestimmung, Fortsetzung, Neubeginn und Reflexion zugleich.
Man könnte im neuen Album die Anleitung zum Idealismus finden, wenn man unbedingt nach einem Hinweis auf den Status Quo des Punkrock suchen muss, dem die DNA der Irish Folk Music längst mit dem Stolz des Verliebten ins Blut übergegangen ist. Selbstverständlich bedienen MR. IRISH BASTARD auf „The Desire For Revenge“ nicht die Unsitte, einen Chart-Hit im Folk-Punk-Stil zu spielen. Dafür ist ihr Mitteilungsdrang in den neuen Eigenkompositionen viel zu überbordend. Und wenn doch mal in die Cover-Kiste gegriffen wird, dann nur als wahlweise sublime oder knallharte Parodie. Aber das ist eine Live-Geschichte…
„The Desire For Revenge“ wurde vom festen Stamm der Band aufgenommen: Mr. Irish Bastard, Gran.E.Smith (Mandoline, Banjo, Bouzouki), Beouf Strongenuff (Bass) und Schlagzeuger Ivo K’Nivo. Zu den so genannten „Travelling Bastards“, die in wechselnder Konstellation live dazu stoßen, schauten diesmal im Studio auch die Gitarristen P und Moe Leicester, B.B. am Akkordeon und die Tin Whistle-Expertin Kate vorbei. Eine neue Dimension im Klang addieren die Geigerinnen Laura Zimmermann und Mona Kaczmarczyk. „Die Geige ist eine neue Klangfarbe in unserem Sound und transportiert Emotionen, die bislang bei uns keine offensichtlichen Rollen spielten“, erklärt Mr. Irish Bastard. “Wir zelebrieren und definieren auf dem neuen Album unsere bisherige Geschichte als Band. Gleichzeitig verfeinern wir unseren Sound aber auch, denn nur wer sich verändert, bleibt sich letztendlich treu und bleibt auch seinen Zuhörern gegenüber ehrlich. Kurz gesagt, bleiben die Sehnsüchte, wie in jeder Folk-Deutung, überall auf der Welt, die Gleichen. Menschen brauchen alle das Gleiche, Freunde, etwas zu trinken und zu essen, Liebe. Und manche“, lacht er, „lüstern hin und wieder auch nach Rache, Vergeltung, Schuld und Sühne. ‚The Desire For Revenge‘ könnte deren Platte werden.“
Einen Vorgeschmack gibt es ab jetzt im kompletten Pre-Listening unter folgendem Link: http://amzn.to/2C4NdDv
Video Premiere zu “We Are The Drunks“
Auch live geht es natürlich ziemlich rund in 2018… hier die aktuellen Dates…
Alles beginnt damit, dass etwas endet, allerdings nicht für alle Zeit. Zu Beginn der Achtzigerjahre feiern Robert Görl und Gabi Delgado in dem Duo Deutsch-Amerikanische Freundschaft (D.A.F.) ungeheure Erfolge, dann streiten sie und gehen auseinander, zum ersten Mal im Jahr 1982 und, nach dem schnell gescheiterten Versuch einer Wiedervereinigung, 1986 zum zweiten Mal und nunmehr für lange Zeit.
Eine sehr schwere Episode sei das für ihn gewesen, sagt Robert Görl, er war tief enttäuscht von seinem künstlerischen Partner und Freund: Während der Arbeit an dem Album 1st Step to Heaven hätten sie sich derart entzweit, dass ihm die Lust an der Musik völlig verging.
Darum will er danach etwas anderes versuchen, er geht nach New York und studiert Schauspiel an der namhaften Schule von Stella Adler. Ein Semester lang erprobt er sich an Shakespeare und anderen Klassikern und hätte vielleicht eine Bühnenkarriere begonnen – hätte man ihn nicht eines Tages, nach einem kurzen Aufenthalt in der Heimat, bei der Einreise nach New York festgehalten und verhört: Was er in der Stadt eigentlich mache, will der Sicherheitsbeamte wissen. Er studiere Schauspiel, sagt Görl. Das sei ja interessant, sagt der Beamte. Vier Tage später hat Görl einen Bescheid in der Post: Weil er in den USA einer geregelten Ausbildung nachgehe, aber nur ein Touristenvisum besitze, habe er gegen das Einwanderungsgesetz verstoßen. Darum müsse er das Land sofort verlassen; die Wiedereinreise sei ihm während der nächsten zehn Jahre verboten.
Robert Görl – The Paris Tapes. Album am 21.04. via Grönland/RTDNun hat er also nicht nur keine Band mehr. Er kann nicht weiter studieren und darf in der Stadt, die er gerade lieben gelernt hat, nicht bleiben; aber damit fangen seine Probleme erst an. Als er nämlich wieder nach Deutschland einreisen will, wird er auch hier am Flughafen festgehalten: Die Bundeswehr, sagt der Sicherheitsbeamte, fahnde schon seit längerem nach ihm, weil er sich dem Wehrdienst entzogen habe; er dürfe das Land nun nicht mehr verlassen und müsse sich binnen weniger Tage bei der Armee melden, sonst würden ihn die Feldjäger holen.
Görl überlegt ein paar Tage, dann packt er seine wenigen Habseligkeiten in einen Koffer, nimmt einen gerade gekauften neuen Synthesizer unter den Arm und steigt in den Nachtzug von München nach Paris; schlaflos und mit klopfendem Herzen wartet er auf die Grenzkontrollen, aber sie öffnen nicht einmal die Tür zu seinem Abteil. So steht er am nächsten Morgen am Gare de l’Est und geht auf die Suche nach einer billigen Bleibe; er findet schließlich eine in Levallois, einem Vorort im Pariser Nordwesten. Etwa ein Jahr lang will er dort bleiben – bis er das Alter erreicht hat, in dem man ihn nicht mehr einberufen kann. Er hat ein kleines Zimmer mit einer Kochnische und einer Waschgelegenheit. Er kennt niemanden in der Stadt und will auch niemanden kennenlernen; und selbst wenn er wollte, wäre es schwierig, weil er kein Französisch spricht.
Also sitzt Robert Görl nun allein in dieser Vorortpension und verbringt die Tage und vor allem auch Nächte damit, wieder Musik zu machen: Mit seinem neuen, damals gerade auf den Markt gekommenen Synthesizer – dem ESQ-1 von der Firma Ensoniq – kann er acht musikalische Spuren bespielen, es gibt einen eingebauten Sequenzer und tausende von vorprogrammierten Sounds. Das Gerät lässt sich fast schon wie jene Workstations nutzen, die Ende der achtziger Jahre dann die elektronische Musikproduktion vereinfachen und wesentlich verändern sollen.
In der Einsamkeit des aus der Zeit gefallenen Eremiten erobert Robert Görl so die musikalische Zukunft: Nacht für Nacht versenkt er sich immer tiefer in die Möglichkeiten des Synthesizers; er komponiert und legt musikalische Schichten übereinander; er gestaltet Klänge, bearbeitet sie, und manchmal löscht er sie auch wieder; er arrangiert Rhythmen und Bässe und moduliert besonders die tiefen Töne derart, dass sie zischender und schmutziger klingen. Immer dramatischer werden die Lieder auf diese Weise und auch persönlicher: Sie sind Spiegel der Lebenskrise, in der Görl sich befindet; aber auch ein gerade noch rechtzeitig gefundenes Heilmittel gegen den Glauben, in einer misslingenden Existenz festzustecken.
Er bleibt ein halbes Jahr in der Pension in Levallois, dann kommt er noch für eine Weile bei zwei Freundinnen seiner Schwester unter, aber nach einem Dreivierteljahr in Paris hat er das Gefühl, dringend nach Hause zurück zu müssen.
Und er hat Glück: Als er wieder in München ist, wird er von der Bundeswehr in Ruhe gelassen. Es geht bergauf, die Zeit in Paris hat ihm seinen Lebensmut wiedergegeben und auch die Lust an der Musik; aus den Songs, die er auf dem ESQ-1 komponiert und auf handelsüblichen Kompaktkassetten gespeichert hat, möchte er jetzt ein Pop-Album machen.
Er fliegt nach London und trifft Daniel Miller, auf dessen Mute Label dereinst die ersten DAF-Platten erschienen; Miller vermittelt ihn an Dee Long, einen Progressive-Rock-Musiker, der inzwischen in einer New-Wave-Gruppe spielt. In seinem Studio im Süden Englands arbeiten Görl und Long an neuen Arrangements für die Pariser Stücke; in den Air Studios des Beatles-Produzenten George Martin soll die Musik dann eingespielt und aufgenommen werden. Bevor es soweit ist, fährt Görl noch einmal nach München und besucht in der Nähe der Stadt seinen Bruder; auf dem Heimweg verliert er auf eisglatter Straße die Kontrolle über sein Auto und prallt in hoher Geschwindigkeit gegen einen Baum.
Ein halbes Jahr verbringt er im Krankenhaus und in einer Reha-Station; mit Mühe und Not retten die Ärzte sein Leben, sein rechter Arm ist zertrümmert und muss mit stählernen Implantaten rekonstruiert werden; auch seine Beine kann er wochenlang nicht benutzen und muss das Gehen dann wieder neu lernen. Aus dem tiefen Tal der Lebenskrisen ist Robert Görl also nur kurz wieder emporgekrochen, um erneut in das Nichts zu fallen; aber diesmal zeigt ihm das Nichts sofort seine Möglichkeiten. Als er aus dem Krankenhaus entlassen wird, findet er seine Wohnung leer. Die Münchener Freunde haben nicht mit seinem Überleben gerechnet und den Besitz darum unter sich aufgeteilt, noch Jahre später wird ihm eine Frau stolz erzählen, dass sie unter seiner alten Bettdecke schläft.
Aber er vermisst nichts, weder die Bettdecke noch seine sonstigen Habseligkeiten; und auch das Musizieren ist ihm gleichgültig geworden: An das Album, an dem er vor dem Unfall gearbeitet hat, denkt er in dieser Zeit nicht ein einziges Mal. Stattdessen geht er nach Thailand, um Mönch in einem buddhistischen Kloster zu werden; dreieinhalb Jahre bringt er dort herum, bis er begreift, dass er das, was er sucht, in einem Kloster nicht finden kann, sondern nur in sich selbst. So kehrt er – inzwischen schreiben wir den Sommer 1992 – nach Deutschland zurück und tanzt in Berlin auf der Love Parade zu einer Musik, die wie das Erbe von D.A.F. klingt; die nächsten Jahre wird er als Techno-DJ verbringen, aber das ist eine andere Geschichte.
Die unvollendeten Songs aus Paris, diese dramatischen, strahlenden, manchmal giftig zischenden, aber doch immer ganz zärtlich gewirkten Lieder, die Robert Görl in der Zeit seiner tiefsten Lebenskrise aufnimmt, finden sich Jahre später auf einer Kassette in einem Koffer, den er in der Scheune seines Bruders deponiert hatte. Es sind immer noch nur musikalische Skizzen, er habe nie wieder den Wunsch verspürt, ein richtiges Album daraus zu machen, sagt Görl. Es sind Skizzen – aber solche, aus denen eine ganze Zeit zu uns spricht und ein Leben, das an einem Wendepunkt steht; und das Licht, das über dem dunklen Grund der giftigen Beats schimmert, leitet uns in die Zukunft: Alles endet damit, dass etwas beginnt.
ROBERT GÖRL – THE PARIS TAPES Tracklisting: 01 Part 1
02 Part 2
03 Part 3
04 Part 4
05 Part 5
06 Part 6
07 Part 7
08 Part 8
09 Part 9
10 Part 10 (Ghost Track)
Die Festival Saison 2018 steht vor ihrem Beginn!Unzählige Dance Jünger werden wieder von Festival zu Festival pilgern, um ihre Star DJ Elite live zu erleben, Beats und Bässe aufzusaugen und dabei einen ganz speziellen Spirit zu erleben.
Kontor Festival Saison 2018 – The BeginningTomorrowland, Ultra Music Festival, Parookaville, Airbeat-One, World Club Dome, Defqon.1 um nur einige zu nennen, werden bereits Monate zuvor wieder restlos ausverkauft sein.
KONTOR FESTIVAL SOUNDS 2018 – THE BEGINNING enthält alle Hymnen der der kommenden Festival Saison, in den derzeit angesagtesten Genres EDM, Trance/Psy-Trance und Hardstyle. Vollgepackt mit den Hits & Mixes der weltweit größten DJs, u.a. von: Martin Garrix, Armin van Buuren, Tiësto, Dimitri Vegas & Like Mike, Hardwell, Marshmello, Axwell, Don Diablo, Afrojack, Showtek, Wildstylez und vielen mehr.
Minimix:
V.A. – Kontor Festival Sounds 2018 – The Beginning
V.A. – Kontor Festival Sounds 2018 – The Beginning Tracklist:
CD1 01. Martin Garrix & Matisse & Sadko – Forever
02. Eastblock Bitches & Niels van Gogh – Get Money
03. DubVision & Afrojack – New Memories
04. J Balvin & Willy William – Mi Gente (Hardwell & Quintino Remix)
05. Wolfpack & Futuristic Polar Bears feat. Shurakano – Destiny
06. Marshmello x Khalid – Silence (Tiësto’s Big Room Remix)
07. Stephen Oaks & JayKay feat. Pitbull – Ojos Q No Ven (Jerome Remix)
08. Dimitri Vegas & Like Mike vs. David Guetta feat. Kiiara – Complicated (Bassjackers Remix)
09. Blasterjaxx & Timmy Trumpet – Narco
10. Throttle & Niko The Kid – Piñata
11. Don Diablo – Momentum
12. Showtek & Moby – Natural Blues
13. Nicky Romero & Florian Picasso – Only For Your Love
14. Pauls Paris feat. Moses York – Make Your Mind Up (Axwell & NEW_ID Remode)
15. Dave202 – Impulse
16. Maurice West – Voices In My Head
17. Qulinez & Luciana – Jack U Up
18. Neilsan – Secrets
19. Claim Cracker & Eric Chase – One Move
20. SICK INDIVIDUALS & Mightyfools – FLOW
CD2 01. Armin van Buuren – Be In The Moment
02. Sultan + Shepard feat. Nadia Ali & IRO – Almost Home (Mark Sixma Remix)
03. Super8 & Tab – Pressure
04. Mark Sixma & Emma Hewitt – Missing (Andrew Rayel & Mark Sixma Remix)
05. Avao – A Prophecy
06. DRYM – Spider
07. Exis feat. Enya Angel – Free
08. Ayla – Ayla (Ben Nicky & Luke Bond Remix)
09. Klopfgeister – Du Hast Vergessen Wie Man Lebt
10. DJ Fabio – Travelling Lights
11. Alchimyst feat. Staccato – Deva
12. Atisha – Indian Vibes
13. Protoculture – Sunspire
14. Driftmoon & Allen Watts – Banshee
15. Talla 2XLC – It Makes Me Wonder
16. Omiki – Walame
17. WARRIORS feat. S&L – Dana
18. Ben Gold – Kingdoms
19. Panjabi MC – Mundian To Bach Ke (Dimatik Remix)
20. Holmes & Watson – Sonic Empire
CD3 01. Afrojack feat. Mightyfools – Keep It Low
02. John Dahlbäck – Find A Home
03. MATTN & Magic Wand feat. Neisha Neshae – Let The Song Play (Futuristic Polar Bears Remix)
04. Scooter – In Rave We Trust – Amateur Hour (Anthem Club Mix)
05. Andrew Rayel & Max Vangeli feat. Kye Sones – Heavy Love (Crystal Lake Remix)
06. Timmy Trumpet & Dimatik – Punjabi
07. Deorro – Andele
08. Brennan Heart, Code Black & Jonathan Mendelsohn – Broken
09. R.I.O. feat. Nicco – Party Shaker (Bass Prototype & Corevin Remix)
10. Zatox – For Ever
11. Headhunterz – Destiny
12. Coone & Wildstylez – Here I Come
13. Dr Phunk – Safe House
14. Code Black, Da Tweekaz & Adrenalize feat. Matthew Steeper – Heart Like Mine
15. Cascada – Everytime We Touch (Fallen Superhero Remix)
16. Bassjackers & Crossnaders – Last Fight
17. Luca Testa – Last Weekend
18. Ran-D – Zombie
19. Jebroer – Wij Zijn Alles (Rät N FrikK Remix)
20. Crystal Lake – Space People
Drei Jungs, drei Buchstaben, ein Hit! 33 Jahre nach dem Release des Originals bekommen RON von a-ha die Genehmigung und legen mit „Sonne digital“ ein Elektropop Cover von „The sun always shines on TV“ vor.
RON – Video Premiere und Single Veröffentlichung von „Sonne digital (The sun always shines on TV)“Der Sound der 80er verwandelt sich in zeitgemäß beatstarke Elektronik und so stellen RON das tanzbare Kontrastprogramm zum Akustik-Album, das a-ha zeitgleich veröffentlichen.
Doch auch der Inhalt des Titels ist zeitgemäß übersetzt: Wurde im Original thematisch die Macht des Fernsehens verarbeitet und die Art und Weise, wie die Medien das Leben darstellen, so erscheint mit dem neuen Text der deutschsprachigen Strophen eine metaphorische Abrechnung mit der modernen, digitalen Social Media Gesellschaft. Die Macht des Fernsehens ist ins Internet gewandert, in dem man nun als User selbst seine virtuelle Wirklichkeit durch die fiktive Version seines „öffentlichen Ichs“ im Kampf um Aufmerksamkeit und Erfüllung mit gestaltet, wie im Musikvideo in pixeliger Bildsprache visualisiert.
Wenn es bei RON 2018 also heißt, sein „namenloses Ego schreit im digitalen Lärm von Worten ohne Sprache“, bekommt der Satz „the sun always shines on TV“ eine völlig neue alte Bedeutung.
„Sonne digital (The sun always shines on TV)“ feiert heute Video Premiere und ist hier zu sehen:
Ab dem 02.02.2018 ist der Track offiziell veröffentlicht u.a. erhältlich
Der Berliner Rapper Juse Ju ist aus der deutschen Indie-Rapszene schon nicht mehr wegzudenken. Mit „Shibuya Crossing“ erscheint am 16. März 2018 nun Juse Jus erstes richtiges Album. Die Single „7Eleven“ zusammen mit seinen beiden Freunden Fatoni und Edgar Wasser ist bereits erschienen.
1989: In einem kleinen, grünen Holzhaus in Tokio sitzt ein sechsjähriger aus Süddeutschland und hört zum ersten Mal in seinem Leben Public Enemy. Aufgelegt von seinem großen Bruder auf dessen Billig-Plattentellern im gemeinsamen 12qm Kinderzimmer. Schnitt. 29 Jahre später ist dieser Junge aka Juse Ju selbst eine Größe in der deutschen Indie-Rapszene. Am 16. März erscheint Juse Jus neues Album „Shibuya Crossing“.
Das Album ist benannt nach der berühmten Kreuzung im Zentrum Tokios – dem Times Square Japans. Bis heute ein Sehnsuchtsort in Juses Biographie. Eine Lebensgeschichte, wie sie nur die Globalisierung schreiben kann. Die coming-of-age Story eines Weltenbummlers, den der Job des Vaters in die Hochhausschluchten fernöstlicher Metropolen, die Einöde der Schwäbischen Provinz und die Zerrissenheit der amerikanisch-mexikanischen Grenzstadt El Paso führt. Ein Leben zwischen Umzugkartons und Neuanfängen. Nirgends bleibt die Familie länger als sechs Jahre am Stück. Die einzige Konstante bleibt der Soundtrack: HipHop und Rap.
Juse Ju feat. Fatoni & Edgar Wasser – 7Eleven (prod. Provo)
Juse Jus erstes richtiges Album. Die Quintessenz seiner wechselhaften Geschichte und seiner Weltsicht. Die Produzenten der Platte (Dexter, Torky Tork, Yourz u.a.) kombinieren 2017er Grooves mit dem warmen Klang von Samples und echten Instrumenten. So schaffen sie einen State of the Art Sound, der sich von der Bi-Polarität von Trap-Synthie-Sound und klassischem Boom-Rap in Deutschland absetzt.
Und Juse tut auf diesen Beats Unerhörtes: Im Omnipotenz-Becken Deutschrap rechnet er unironisch mit seinem eigenen, unfairen Verhalten gegenüber Frauen ab. Positioniert sich klar politisch und arbeitet schonungslos die eigene Familiengeschichte auf. Juse lässt Introspektiven zu, die man sich in einer höher-reicher-besser Szene eigentlich nicht erlauben kann. Die bissige Ironie und Battle-Attitüde der Vorgänger-Mixtapes wird um ein offenes Visier erweitert.
Dazu kommen zwei Millionen verkaufte Tickets. Ihr Debütalbum „Memories…Do Not Open“ erreichte Platz eins der US Billboard Charts. Im vergangenen Jahr sorgte das Duo u.a. mit der Platinhitsingle „Something Just Like This” featuring Coldplay für Furore, die u.a. 14 Wochen in den Top Ten der Offiziellen Deutschen Singlecharts halten konnte und bis Platz vier kletterte.
