Wer Jessy Martens kennt, macht sich auf Gänsehaut gefasst, auf eine Stimme, die ihresgleichen sucht und auf emotionale Tiefe, die wenigen gelingt. Tricky Thing heißt der Titelsong des am 29.09. erscheinenden gleichnamigen Albums von Jessy Martens and Band.
Jessy Martens and Band Tricky Thing
Eine hinreißend melancholische Blues, Soul, Pop-Ballade, die sehr persönlich von der Verwirrung einer Liebe erzählt. Jessy Martens Songwriting spiegelt die Reife einer bald 30-jährigen Sängerin wider, die ihr schier unbegrenzt scheinendes Stimm-Talent mit der Verarbeitung ihrer eigenen Erfahrungen zu hoher Ausdruckskunst verbindet. Der Song hätte vielleicht auch auf einem Amy Winehouse Album stattfinden können. Trotz verständlicher Vergleiche mit großen Stimmen ist es diese nur 1,52m kleine Powerfrau aus Hamburg, die hier ihren ganz eigenen Stil gefunden hat. Gemeinsam mit „ihren vier Männern“, die sie seit Jahren auf Tour begleiten, hat sie das Album im Hamburger Hafenklang Studio aufgenommen. Mit international renommierten Meistern ihres Fachs, von Stephan Gade produziert und Marc Schettler aufgenommen, ist dieses Album auch klanglich auf allerhöchstem Niveau anzusiedeln.
Jessy Martens and Band – Tricky Thing (Official Lyric Video)
Vier Jahre hat sich Jessy Zeit gelassen für ihre neuen Songs, nachdem sie 2011 und 2013 ihre beiden ersten Alben als Songwriterin veröffentlicht hatte. Mit ihnen konnte sie den German Blues Award wie auch den Deutschen Rockpreis gewinnen. Untätig war sie seitdem nicht. In der Zwischenzeit viel auf Tour, veröffentlichte sie ihr NDR2 Radiokonzert in 2015 und brachte ein Jahr später mit „Heart & Soul“ ein gemeinsames Album mit Andreas Kümmert heraus. Die nun vorliegende Produktion wirkt ausgefeilter, „irgendwie erwachsener“ (Jessy). Texte und Musik sind tiefgründiger geworden. Im besten Sinne ist Jessy gereift. Ihre Stimme schwingt noch facettenreicher, berührt die Seele noch tiefer. Immer wieder bezieht sie sich auf den Blues. Dennoch will ihre Musik in keine Schublade so richtig passen. Mal jazzig, mal soulig, mal nahezu poppig, dann wieder rockig, immer cool und groovy – „Tricky Thing“ ist eine gelungene Mischung energiegeladener Songs und dynamischer Balladen geworden.
Mit diesem Programm gehen Jessy Martens and Band ab dem 19.Oktober in Deutschland auf die Bühne. Mit einer Unterbrechung im Dezember dauert die Tricky Thing Tour bis Anfang Februar an. Dabei zu sein lohnt sich. „Live“ ist ihr Ding! Jessy ist das, was man gerne eine „Rampensau“ nennt. Ein Highlight made in germany!
Video Premiere “Insanity“ hier zu sehen:
PRESSESTIMMEN (Auszug):
„grandiose Sängerin, grandiose Band!“ Peter Urban, NDR
„Gefühl pur! Begeistert ohne Wenn und Aber!“ bluesnews
„Wahnsinns-Stimme – irgendwo zwischen Amy Winehouse und Beth Hart!“ – Classic Rock
„Stimme zum Niederknien“ – rocktimes
„Absolut mitreissend!“ – Rocks
„eine herausragende Band!“ – Deutschlandfunk
„herausragende Sängerin“ – Produzent Leslie Mandoki (Phil Collins, Lionell Richie)
„einer der denkwürdigsten Abende von NDR HAMBURG SOUNDS“ – NDR
„Eine Sternstunde des Rundfunks!“ – Swinging-Hamburg
„Wer dabei, geht dankend auf die Knie!“ – Rheinische Post
„Bluesact von internationaler Klasse!“ – Stadtmagazin Oxmox
„Jessy rockt, bis es kracht!“ – Kieler Nachrichten
TRICKY THING – CD TRACKLIST
1. Stronger 3:50
2. Pack Of Lies 4:50
3. Hush Now 6:07
4. Tricky Thing 4:34
5. Insanity 3:29
6. Undercover 3:48
7. Fire 5:14
8. Home 4:14
9. By Your Side 4:38
10. Giants 4:53
Gesamtspieldauer: 45:37
Jessy Martens and Band – Tricky Thing Tour:
19.10. Rheinberg, Schwarzer Adler
20.10. Soest, Alter Schlachthof
21.10. Münster, Hot Jazz Club
25.10. Eberswalde, Musik nach Kassenschluss
26.10. Aschaffenburg, Colos Saal
27.10. Mannheim, Bahnhof
30.10. Berlin, Frannz Club
02.11. Hamburg, Knust
10.11. Salzgitter, Kniestedter Kirche
11.11. Nordenham, Jahnhalle
17.11. Worpswede, Music Hall
24.11. Idstein, Scheuer
25.11. Reichenbach, Die Halle
05.01. Bensheim, Rex
06.01. Dortmund, Piano
17.01. Bielefeld, Forum
18.01. Köln, Yard Club
19.01. Freudenburg, Ducsaal
20.01. Siegen, Jazzclub
25.01. München, Legends Lounge
26.01. Mühldorf a.Inn, Haberkasten
27.01. Habach, Village
02.02. Isernhagen, Bluesgarage
03.02. Kiel, Räucherei
Label: jayfish records
Vertrieb: Membran
Booking: janfischermusic
Jeder Sommer braucht den richtigen Soundtrack – und genau deshalb bringen Milk & Sugar passend zur schönsten Zeit des Jahres ihre neue Compilation an den Start.
BEACH SESSIONS 2017 Compiled and Mixed by Milk & SugarOb zum Chillen am Strand, für den Sundowner am Pool oder auf der heimischen Terrasse, das neue Beach Sessions Mix-Album bietet für genau diese Momente die perfekte Begleitung.
Die deutschen DJ-Pioniere Milk & Sugar nehmen den Hörer dabei mit auf eine musikalische Reise von relaxten Strandklängen bis hin zu elektronisch-discoesque anmutenden Soundperlen, die sie in Form zweier Mixe zu einem stimmigen Ganzen verschmelzen.
Mit von der Partie sind Produktionen von Dennis Ferrer, Purple Disco Machine, Miguel Campbell oder Mousse T, um nur einige zu nennen; nicht zu vergessen die Afterlife Chillout Version des ehemaligen Milk & Sugar Hits “Via Con Me (It’s Wonderful)”, die erstmalig auf dieser Compilation präsentiert wird.
Beach Sessions 2017 erscheint am 18. 08. als limitierte CD-Auflage sowie als Download-Edition.
Minimix:
CD1 // POOL 1. Purple Disco Machine feat. Alex Mills – Where We Belong (Original Mix)
2. Namito & Rummy Sharma feat. Ashibah – Wade In The Water (Kolombo Remix)
3. Colour Castle – Love Addict (Miguel Campbell Remix)
4. Ben Delay – Deep Inside (Original Mix)
5. Dmitrii G – Antidote (Original Mix)
6. Velker – In Love (Original Mix)
7. Milk & Sugar – Stay Around (Kolombo Remix)
8. Rober Gaez – Lay On You (Mark Lower Remix)
9. Juloboy feat. Mougleta – Sweet Summer Sins (Original Mix)
10. Max Lyazgin vs. Slipenberg feat. Max Vertigo – Paradise (Original Mix)
11. Holter & Mogyoro – Hundred Lives (Keyano Remix)
12. Mousse T. & Lovebirds – Do Anything (Original Mix)
13. Lissat & Voltaxx feat. Jenniffer Kae – Will You Be Gone (Saccao & Namatria Remix)
14. In.Deed & Return Of The Jaded – Old School Lovin (Original Mix)
15. Rosario Galati & Yves Murasca – From The Stars (Original Mix)
CD2 // BEACH 1. Airfix – Stories (Original Mix)
2. James Bright feat. Rachel Lloyd – Hidden Harbours (Original Mix)
3. Easy L. – New Day (Afterlife Vocal Mix)
4. Karma feat. Michelle Amador – Are We? (Original Mix)
5. Brazilindo – Chuva De Verao (Original Mix)
6. Kosta Rodrigez feat. Amy – Gale In The Waterglass [My Love] (Long Beach Cut)
7. Afterlife – The Way To San Jose (Original Mix)
8. Be.Lanuit – En El Aire (Original Mix)
9. Néve – Free Yourself (Original Mix)
10. Victor Davies – Sound Of The Samba (Original Mix)
11. Lovely Laura & Tyrrell – Hello (Original Mix)
12. DePhazz – The Mambo Craze (Original Mix)
13. Milk & Sugar feat. Neri Per Caso – Via Con Me [It’s Wonderful] (Afterlife Mix)
14. Hazy J – Rough Dub (Original Mix)
15. Tiger Hifi – Connected (Original Mix)
16. Sir Face – Rainforest (Original Mix)
17. Dennis Ferrer – Sinfonia Della Notte (The Afterlife Sunset Reprise)
BEACH SESSIONS 2017 Compiled and Mixed by Milk & Sugar
Artist // Title: Milk & Sugar – Beach Sessions 2017 Release: 18.08.2017
Cat.Nr.: MSRCD052 LC: 01817
Format: 2xCD / Download Label: Milk & Sugar Recordings
Genre: Nu Disco / Deep House / Chill Out / Ambient EAN CD: 4056813062014
EAN Download: 4056813062021
Man sagt: „Gut Ding will Weile haben”. Fast fünf Jahrzehnte hat Achim Reichel verstreichen lassen, bevor er sich entschloss der Welt sein mysteriöses Projekt A.R. & Machines zurückzubringen. Hinter jeder guten Platte steckt eine Geschichte und Reichel hat einige interessante zu erzählen.
A.R. & MACHINES – „The Art Of German Psychedelic (1970-74)“
Den meisten Achim Reichel Fans ist überhaupt nicht bekannt, welche Vielfalt an Musik er bewusst aus den Ladenregalen entfernen ließ, bevor er seine Gesangskarriere startete, die ihn letztendlich berühmt machte. Weit abseits seiner bekannten Hits wie „Aloha Heja He“ schlummerten fünf Studioalben fast ein halbes Jahrhundert lang im Verborgenen.
A.R. & Machines – The Art Of German Psychedelic (EPK)
In den 1970ern trat eine neue Generation an deutschen Künstlern, geboren nach dem 2. Weltkrieg, ins Rampenlicht und Krautrock entlud sich förmlich auf die Musikszene. Das Genre – der Begriff Krautrock dabei durch britische Journalisten geprägt, um die faszinierend frische und klinisch-korrekt ausgearbeitete Musik „Made In Germany“ zu beschreiben – setzte sich aus Bands zusammen, die mittlerweile zu Legenden geworden sind: Von Kraftwerk bis Amon Düül, über Neu! und Can und natürlich A.R. & Machines. Die Künstler waren jung, hemmungs- und furchtlos. Elektronik traf auf Spiritualität, Vollblutmusiker auf Technologie und Achim Reichel auf „seine Maschinen“ – Machines.
Achim Reichel A.R & Machines – Foto: Hans Jürgen Dibbert
Ein Glücklicher Zufall wurde zum Katalysator: Als er mit seiner neuen Akai X330D Bandmaschine herumspielte, entdeckte Achim Reichel im Hamburg der frühen 70er, dass er Sound-Landschaften aus Gitarrenechos bauen konnte. Er verbrachte Stunden in seinem Zimmer – die Kopfhörer auf den Ohren – und züchtete sein Gitarren-Orchester heran. In ihrem Proberaum im Zippelhaus, gegenüber der Speicherstadt in Hamburg, zeigte er seine Kreation schlussendlich seinen Musikerfreunden. Anstelle der anfänglichen Ehrfurcht trat Inspiration, jeder der Musiker sprang ins selbe Boot (The same boat), schnappte sich ein Instrument und im grünen Nebel wurde das Projekt geboren.
Achim Reichel – Foto: Hinrich Franck
A.R. & Machines nahmen fünf Studioalben auf. Ihr Debut Die grüne Reise wurde 1971 auf Kassette und Schallplatte veröffentlicht und mit großer Ratlosigkeit in Empfang genommen. Selbst die Presse fühlte sich nicht im Stande das Genre in eine Schublade zu stecken. Ein Meilenstein des Krautrock – eingefangen auf Tonband. Cosmic Vibration und dessen „kosmischen Schwingungen“ – sich überlappende, verzerrte Gitarrenlicks, unterstützt von Live-Percussion und futuristischen Elektrosounds – bewegte Brian Eno in so großem Maße, dass er sogar sein Soloalbum „Another Green World“ (Eine weitere grüne Welt) danach benannte.
Das Folgealbum Echo wurde von Conny Plank kurz nach Vollendung von Kraftwerk 2 produziert. Orchestrale Arrangements, Gitarrenechos und genre-übergreifende Grooves fangen den wilden Vibe des Hamburgs der 70er ein wie ein Polaroid: Ein Gefühl von Psychedelik, sexueller Freiheit & experimenteller Seitensprünge, das seinen Höhepunkt in einem Doppelalbum findet, welches vor Befreiungsschlägen und Flucht aus der Wirklichkeit nur so strotzt.
Es folgten A.R.3 und A.R.4 auf Polydors neu gegründeten Krautrock Sub-Label Zebra. Die A.R. & Machines Mitglieder taten sich täglich mit neuen Musikern zusammen und jeder von ihnen hinterließe seine Spuren auf den laufenden Aufnahmebändern. Ein Ausflug in beatle-esqe Spiritualität inspirierte das letzte Album Autovision. Man findet dort den Extrakt stundenlanger Demobänder, aufgenommen in enthaltsamer Einsamkeit, zwischen Meditation und Yoga, vervollständigt und gebündelt in einem ultimativen A.R. & Machines Album.
Die Ideen waren gut, die Welt aber noch nicht bereit dafür. Fast 50 Jahre nachdem die A.R. & Machines Aufnahmen aus den Regalen genommen worden waren, hat die Welt nun jedoch endlich die entscheidenden Meter gutgemacht. Die Seele der Musik brach plötzlich an den unerwartetsten Orten hervor. DJs und Produzenten entdeckten die Platten aus den 70ern und verarbeiteten die ikonischen Gitarrenechos zu neuen Songs. Musikliebhaber und neue, junge Fans kontaktierten Reichel online, manche erkannten ihn sogar in Restaurants, und fragten, wann das Material wohl wieder das Tageslicht sehen würde.
Jetzt ist es endlich soweit. Die Zeit ist reif. Tickets für die erste Live-Comeback-Show von A.R. & Machines am 15. September – treffenderweise in der Hamburger Elbphilharmonie – waren im Handumdrehen vergriffen.
„The Art Of German Psychedelic (1970-74)“ (VÖ 27.10.2017) beinhaltet die fünf Studioalben von A.R. & Machines, zwei Live-CDs und drei Bonus-CDs mit fast fünf Stunden unveröffentlichtem Material, welches Achim Reichel in seinem Bandarchiv aufgestöbert hat.
Auf dem Album „Virtual Journey“, das Reichel exklusiv für das Boxset produzierte, paart er, unter Zuhilfenahme von moderner Musikproduktionssoftware, analoge Fundstücke seiner in den 70ern eingespielten Echo-Gitarren mit digitalen Möglichkeiten des 21sten Jahrhunderts. Damit gelingt ihm auf unique Art und Weise die Transformation von A.R. & Machines in die Gegenwart.
Des Weiteren findet sich eine Zusammenstellung erster Remix-Versuche von 1996, die Reichel auf dem Höhepunkt seiner Sangeskarriere zu seinem privaten Vergnügen bastelte und bis jetzt unter Verschluss hielt. Außerdem im Paket ein opulentes 96-seitiges Hardcoverbuch: Die Autobiografie – Die A.R. & Machines Story – prall gefüllt mit Anekdoten über Reichels wilde Jahre in Hamburg und die Krautrock Szene.
San Holo schaffte es innerhalb von zwei Jahren seinen Namen fest in der Szene zu etablieren.
SAN HOLO ft. James Vincent McMorrow The Future (LIVE SESSION)
Er ist der Future beats to Trap Kenner, der als der am schnellsten aufsteigende Stern am Elektro-Himmel bezeichnet wird. Ein Titel, der mit jedem neuen Release passender zu werden scheint. Das vergangene Jahr feilte er fleißig an Hits mit beispielsweise seiner Debut-EP „New Sky“, oder mit seiner Tour, die ihn auf 27 Dates zwei Monate lang durch Nordamerika geführt hat und als Highlights Shows beim Ultra Music Festival und Coachellas Do Lab zu bieten hatte.
Jetzt führt er diesen Erfolgsweg mit seiner neuen Single „The Future“ fort, die er am 30.Juni mit James Vincent McMorrow veröffentlichte.
Am gestrigen Tag erschien eine „Live Session“ der Single.
Youtube Link San Holo The Future (ft. James Vincent McMorrow) (Live Session): https://www.youtube.com/watch?v=bpBoiLpR00s
San Holo The Future (ft. James Vincent McMorrow) (Single)
VÖ: 30. Juni 2017
Elrow ist die Trademark für die zur Zeit heißesten und verrücktesten Clubparties weltweit.
ELROW Vol.1 Mixed by Toni Varga B2B De La Swing and Marc Maya B2B George Privatti OUT 25.08.2017!
Die aus Barcelona stammende Partyreihe revolutionierte und definierte den Begriff ‚Club Entertainment‘ völlig neu und schuf durch hochkreative und fantastisch umgesetzte Konzepte ein bis dahin nie dagewesenes Partyerlebnis.
Aufwändige Kulissen, überladene Straßentheaterelemente, innovative Props, Konfettilawinen, verrückte Kostüme und schrille Make-ups versetzen die Besucher der stets ausverkauften Mega-Parties in einen einmaligen visuellen und akustischen 360°-Rausch.
Genau dieses extravagante Elrow Feeling gibt es jetzt erstmalig auf CD.
Am 04.08.2017 erscheint Elrow Vol.1 als digitale Version bei Kontor Records. Physisch wird Elrow Vol.1 am 25.08.2017 erhältlich sein.
ELROW VOL.1 Label: Kontor Records
VÖ-Datum: 25.08.2017
Format : 2-CD & Download
ELROW VOL.1 Tracklist: CD1 (mixed by Toni Varga B2B De La Swing) 1. Melé – Sunshowers
2. Dj Dep – Desalojado
3. Bontan – Control
4. Sidney Charles Feat. Lady Vale – Make Me Moove
5. Collective Machine – I Want A House Kit
6. Santé & Toni Varga – In Time
7. Supernova – Get Hot
8. De La Swing – Connected
9. Caal & Baum – Downtown Beat
10. Route 94 – House & Pressure
11. Max Chapman – Body Jack (Get My Swerve On)
12. Alexis Raphael – Loaded Up (Caal Remix)
13. Cloonee – Like This
14. Mihalis Safras – Pushit
15. Emanuel Satie – Come As You Are (Luca Donzelli & Mar-T Remix)
16. Ki Creighton & Makanan – Trivial
CD2 (mixed by Marc Maya B2B George Privatti) 1. Coyu & Bastian Bux – Satara
2. Marc Maya – Alac
3. Veerus – Arp
4. Audiojack & Kevin Knapp – Implications
5. Dennis Cruz – Mad
6. Scurrilous – They Play It Safe
7. Lee Walker – Break The System
8. George Privatti & Eddy M – Basille
9. Waitz – Break
10. Paul Darey, Chris Main, Hannes Bruniic – Voices
11. Bontan – The First Time
12. Pablo Say – Reencuentro
13. Fer Br – Jack
14. Waze & Odyssey – Down With Tha
15. James Campbell – Solar
Haste Strom, haste Licht: Alle Lampen an! „Keine Bewegung 2“ Festival + Compilation
Keine Bewegung. Wir erinnern uns. 2014. Der Hamburger Popkulturbeschleuniger Euphorie und das Berliner Label staatsakt machen gemeinsame Sache und veröffentlichen den Vinyl-Sampler „Keine Bewegung“ – eine Bestandsaufnahme des urbanen Undergrounds in der Bundesrepublik: Postpunk, Indiepop und Agitprop von Die Nerven über Messer bis Ja, Panik. Klarer Gewinner damals: Das Hamburger Duo Schnipo Schranke (damals noch Frankfurt am Main), die zum ersten Mal auf „Keine Bewegung“ in Erscheinung traten und mit der auf dem Sampler erhaltenen Version von „Pisse“ die Charts und Herzen erobern.
Nun endlich ein Update. Da inzwischen drei Jahre vergangen sind ist „Keine Bewegung 2“ ein pickepackevolles Doppel-Album mit exklusivem Material – zumindest erstmalig auf Vinyl! – geworden. Es erscheint am 03.11.2017 via Staatsakt / Caroline (Universal).
Wieder gibt es Unerhörtes von Schnipo Schranke, Superpop von Das Paradies aus Leipzig, endlich International Music aus dem Ruhrgebiet, Isolation Berlin übersetzen Pulp, ein Antifolk-Update von Ilgen-Nur, Haste Strom, haste Licht, haste Lampe an!, ähm, ja… Neues von Drangsal, Tape-Aufnahmen von Friends Of Gas, Paul von Trümmergibt solo den Funkypunk, Kala Brisella reichen den Krankenschein ein, Gurr machen uns atemlos und Albrecht Schrader singt eine Ode and die Öde! Vieles mehr inklusive! Hits, Hits, Hits!
Und weil das alles so geil ist, findet einen Monat nach Erscheinen der Compilation ein exklusives Doppelfestival in Hamburg und Berlin statt: Schnipo Schranke, Lea Porcelain, Odd Couple, Neufundland und International Musicsind bereits bestätigt. Weitere Bands werden im Laufe der nächsten Monate bekannt gegeben. Und jetzt: Fakten, Fakten, Fakten.
„Keine Bewegung 2“ – Die Compilation VÖ: 03.11.2017
(Staatsakt/Caroline International)
Tracklisting: Das Paradies – Goldene Zukunft Gurr – Atemlos Trucks – B-Feld Hall&Rauch – Pfandflasche Levin goes lightly – Nightclubbing Ilgen-Nur – Cool Kala Brisella – Endlich Krank Drangsal – Heultage International Music – Mama, warum? Der Ringer – Futura Lampe – Morgen fang ich an Mile Me Deaf – Alien Age Friends of Gas – Seltsam schön Pötsch & Munk – UFO Der Bürgermeister der Nacht – Gläser, Kultur und Psychosen Erregung Öffentlicher Erregung -Cocktails & Dreams Albrecht Schrader – Ode an die Öde The Düsseldorf Düsterboys – Teneriffa Isolation Berlin – Gewöhnliche Leute Candelilla – 39 Odd Couple – Haste Strom, Haste Licht Schnipo Schranke – Wenn der Vorhang aufgeht (2013)
Keine Bewegung – Die Festivals präsentiert von Musikexpress, Das Wetter, RadioEins, Diffus Magazin, Ask Helmut & ByteFM
In Kooperation mit amSTARt und Uebel&Gefährlich
Mit: Schnipo Schranke, Lea Porcelain, Odd Couple, Neufundland, International Music und weiteren Acts (die nach dem Reeperbahnfestival bekannt gegeben werden)
30.11 Hamburg – Uebel&Gefährlich
01.12 Berlin – Festsaal Kreuzberg
Das 9. Studioalbum der EMIL BULLS „KILL YOUR DEMONS“ erscheint am 29. September 2017.
Emil Bulls „Kill Your Demons“
Mitreißende Melodien, treibende Gitarrenriffs und pulsierende Vibes, die in keine Genre- Schublade passen – mit mehr als 20 Jahren Bandgeschichte haben sich die EMIL BULLS ihr markantes Ungestüm und ihre spielerische Kreativität bewahrt. Die Philosophie dahinter: dem eigenen, unverkennlichen Stil treu bleiben und sich am Puls der Zeit weiterentwickeln, ohne sich zu verbiegen.
Darum trägt die Band mit souveränem Fundament die Underground-Szene tief im Herzen. Mit Erfolg: Das letzte Album der EMIL BULLS landete auf Platz 6 der Media Control Album-Charts.
Perfekt ausgerüstet und kompromisslos machen sich die EMIL BULLS auf den musikalischen Feldzug mit dem Album Titel: KILL YOUR DEMONS! In frischen Songs zwischen aggressivem Wahnsinn und sanfter Melancholie sagen sie allem den Kampf an, was uns im Leben aus der Bahn werfen kann oder unsere Träume und Visionen zerstören will. Dabei verschmelzen die EMIL BULLS aggressive Riffs, sanfte Melodien und eingängige Hooklines zu ihrem unverkennbaren Sound. Diesen verfeinern die Fünf auf ihrem neuen Album mit noch härterer Gitarrenarbeit und einer zusätzlichen Ladung Vollgas. Das fesselnde Thema des Albums spiegelt sich in seiner durchdringenden Artwork wieder, gestaltet vom koreanischen Künstler Shin Kwangho, der Innenteil vom deutschen Künstler Markus Arnold.
Produziert wurde KILL YOUR DEMONS von Benny Richter, der auch schon an den EMIL BULLS Alben „The Black Path“, „Phoenix“ und „Oceanic“ beteiligt war. Für den Mix ist erneut Florian Nowak (DailyHero Studios, Berlin; „Sacrifice to Venus“) verantwortlich.
Auch live werden die EMIL BULLS in 2017 natürlich unterwegs sein, hier die Dates…
KILL YOUR DEMONS TOUR 2017 Supports: Vitja + Grizzly
02/11/17 Pratteln – Z7 (CH)
03/11/17 Karlsruhe – Substage
04/11/17 Wien – Flex (AT)
09/11/17 Osnabrück – Rosenhof
10/11/17 Kaiserslautern – Kammgarn
11/11/17 Regensburg – Airport
16/11/17 Hamburg – Markthalle
17/11/17 Jena – F-Haus
18/11/17 Dresden – Alter Schlachthof
23/11/17 Nürnberg – Hirsch
24/11/17 Salzburg – Rockhouse (AT)
25/11/17 Ulm – Roxy
30/11/17 Hannover – Musikzentrum
01/12/17 Berlin – Columbia Theater
02/12/17 Köln – Live Music Hall
06/12/17 Wiesbaden – Schlachthof
08/12/17 Saalbach/Hinterglemm – Bergfestival
09/12/17 München – Backstage
Zach Mathieu erinnern mit ihrer rauen Emotionalität und Intensität an den Post – Hardcore von Thrice, Hot Water Music, ein wenig auch an die frühen Jimmy Eat World, und Alternative Rock à la Foo Fighters.
Zach Mathieu „Highs & Lows“Auch wenn „Highs & Lows“ das Erstlingswerk der Band ist, sind die vier Herrschaften keine Frischlinge mehr in der Szene. Mit ihren Vorgängerbands Carrie Anne und Palmcourtbeats haben sie Anfang der 2000er bereits reichlich Bühnenerfahrung gesammelt, inklusive USA West Coast Tour und MTV Auftritte. Der Wall of Sound von Zach Mathieu hat seine Wurzeln im amerikanischen Post – Hardcore / Emocore der 1990er Jahre, sozusagen eine der letzten „überlebenden Bands“ des Genres.
Nach drei Deutschland- und Schweiz- Tourneen mit der New Yorker Postpunk Combo The Noise, und mehr Stunden auf den Bühnen der Republik als im Proberaum, haben sich Zach Mathieu viel Zeit genommen für ihr Debütalbum.
Highs & Lows wurde live im Pavillon von Schrobenhausen eingespielt, unter der Leitung von Achim Lindermeir ( Emil Bulls, Claire, Van Holzen ), und im kanadischen Halifax von Darren van Niekerk ( The Stanfields / Iron Tulip Audio ) und Noah Mintz ( Lacquer Channel Mastering ) gemischt und gemastert.
Zach Mathieu – Catch A Fire (official video)
Als Gastmusiker sind unter anderem Maximilian Wörle (Adulescens) und Jon Landry mit The Stanfields zu hören. Zehn Songs, die man sich gerne zum Morgenkaffee reinzieht, damit der Laden in Schwung kommt.
Artist: Zach Mathieu
Album: Highs & Lows
Stil: Alternative / Post Hardcore / Noise
Medium: LP + MP3 & CD
LC: 15296
Label: Rookie Records
Vertrieb: Indigo / finetunes
Releasedate: 15.09.17
Zach Mathieu – Highs & Lows Tracklist: 01. Saint City
02. Hopes & Dreams
03. Eleonore
04. Catch A Fire
05. Miracle
06. Emergency
07. Believe
08. Burdens
09. Long Days Goodbye
10. States
Zach Mathieu sind…. Julius Bohne – Guitar
Andreas Baierl – Guitar, Vocals
Matthias Lesti – Bass
Dominik Schlingmann – Drums
HIGHS & LOWS – Releaseshow: 16.09.2017 Schrobenhausen, GreenHaus
+ Special Guest: The Satellite Year
Der seit 1973 umjubelte Gitarrist Ronnie Montrose hatte noch kurz vor seinem überraschenden Tod im Jahr 2012 mit Bassist Ricky Phillips (Styx, Bad English) und Drummer Eric Singer (Kiss, Alice Cooper) ein leidenschaftliches und ambitioniertes Werk begonnen: Er wollte 10 Songs mit 10 verschiedenen Sängern aufnehmen und das Album 10×10 nennen.
Montrose und Paper Money Deluxe-Editions im neu gemasterten Sound plus unveröffentlichte Demos und Live-Aufnahmen ab 13. Oktober! Leider war es ihm zu Lebzeiten nicht vergönnt, das Album abzuschließen. Aber Phillips machte es zu seiner Mission, die Songs zu vollenden, indem er eine kleine Armee aus Ronnies Musiker-Freunden rekrutierte, um die Vocals und die Gitarrensoli für jeden der Songs aufzunehmen. Und so wurde 10×10 in den vergangenen Jahren doch noch glücklich abgeschlossen.
Laut Phillips gehören die Songs für 10×10 zu den besten, die MONTROSE je geschrieben hat: „Seine Songs haben immer noch das Feuer und die Getriebenheit eines jungen Rebellen, aber es sind noch Weisheit und Vorausschau in seiner einzigartigen und ureigenen „Gitarren-Sprache“ dazugekommen. Auf 10×10 hören wir Ronnie auf dem Gipfel seines Könnens, von der krachenden Gitarre, die Heavy Traffic einleitet, bis zum Schluss-Song I’m Not Lying, mit dem Ronnie seinem Freund Robin Trower zunickte.“
Am 29. September wird Rhino 10×10 auf 180 Gramm-Vinyl, auf CD und digital veröffentlichen. 10×10 präsentiert einige hochkarätige und inspirierte Musikerpaarungen, etwa Deep Purple-Sänger Glenn Hughes mit Def Leppard-Gitarrist Phil Collen („Still Singin‘ With The Band“) und Sammy Hagar mit Toto-Gitarrist Steve Lukather („Color Blind“). Der legendäre Bluesmann Joe Bonamassa spielt sein außergewöhnliches Gitarrentalent auf dem Track „The Kingdom‘s Come Undone“ mit Ricky Phillips als Sänger aus. Einige der Künstler spielen ihr Instrument und singen, etwa Edgar Winter („Love Is An Art“) und Tommy Shaw („Strong Enough“).
Viele der Künstler, die auf 10×10 zu hören sind, waren während Ronnies Karriere Weggefährten und nahmen Songs mit ihm zusammen auf, wie Edgar Winter, auf dessen 1972er Album They Only Come Out At Night Ronnie an der Gitarre zu hören ist. Sammy Hagar begann seine Karriere als MONTROSE-Sänger. Zwischen 1973 und 1975 nahm er zwei einflussreiche Alben mit MONTROSE auf, nämlich Montrose und Paper Money, und ging mit ihnen auf Welttournee.
Über 40 Jahre danach war Hagar der erste, der zustimmte, Ronnies letztes Album zu vervollständigen. „Es ist wichtig, 10×10 als Ronnies letztes Werk zu sehen, und besser, als das Zeug aus seiner Vergangenheit auszugraben“, so Hagar. „Für dieses Album hatte er wirklich eine Vision.“
RONNIE MONTROSE: 10X10 Track Listing:
1. “Heavy Traffic” Feat. Eric Martin & Dave Meniketti
2. “Love Is An Art” Feat. Edgar Winter & Rick Derringer
3. “Color Blind” Feat. Sammy Hagar & Steve Lukather
4. “Still Singin’ With The Band” Feat. Glenn Hughes, Phil Collen & Jimmy “Z” Zavala
5. “Strong Enough” Feat. Tommy Shaw
6. “Any Minute” Feat. Mark Farner & Ricky Phillips
7. “The Kingdom’s Come Undone” Feat. Ricky Phillips & Joe Bonamassa
8. “One Good Reason” Feat. Bruce Turgon & Brad Whitford
9. “Head On Straight” Feat. Davey Pattison & Marc Bonilla
10. “I’m Not Lying” Feat. Gregg Rolie, Tom Gimbel & Lawrence Gowan
Montrose & Paper Money
Nur ein paar Wochen nach der Veröffentlichung von 10×10 wird Rhino die Deluxe-Versionen der Alben Montrose (1973) und Paper Money (1974) herausbringen. Beide Alben erscheinen jeweils als Doppel-CD mit den neu gemasterten Versionen der Alben und jeweils einer Bonus-Disc mit unveröffentlichten Demos, Studioaufnahmen und Live-Performances. Beide Kollektionen erscheinen am 13. Oktober. Am selben Tag kommen auch die digitalen und Vinyl-Versionen. Die doppel-LPs enthalten jeweils die remasterten Versionen der Original-Alben mit einer Auswahl an Bonusaufnahmen.
Montrose und Paper Money gehören zu den bekanntesten und erfolgreichsten Alben der Band und präsentieren zeitlose Songs wie Rock Candy, Bad Motor Scooter und Space Station #5. Die Alben gaben vielen folgenden Rockbands stilistische Starthilfe, unter anderem auch Van Halen und Iron Maiden.
Alle 17 Tracks der Bonus-Disc zu Montrose sind bisher unveröffentlicht, darunter Demos zu Rock Candy und Good Rockin‘ Tonight sowie der unveröffentlichte Song Shoot Us Down. Die übrigen Tracks sind Live-Aufnahmen, die im April 1973 im Record Plant-Studio in Kalifornien mitgeschnitten und über den Radiosender KSAN gesendet wurden. Neben Hits wie Bad Motor Scooter und Rock The Nation stand auch die Coverversion von Chuck Berrys Klassiker Roll Over Beethoven auf der Setlist.
Die 10 Bonustracks auf Paper Money wurden im Dezember 1974 aufgenommen und sind sämtlich bisher unveröffentlicht. Auch damals performten MONTROSE für KSAN im Record Plant. Neben ihren Live-Favoriten präsentierten sie in der Show zwei Songs aus Paper Money: I Got The Fire und Spaceage Sacrifice.
MONTROSE: DELUXE EDITION Track Listing:
Disc One: Original Album Remastered 1. “Rock The Nation”
2. “Bad Motor Scooter”
3. “Space Station #5”
4. “I Don’t Want It”
5. “Good Rockin’ Tonight”
6. “Rock Candy”
7. “One Thing On My Mind”
8. “Make It Last”
Disc Two: Bonus Tracks 1. “One Thing On My Mind” – Demo *
2. “Shoot Us Down” – Demo *
3. “Rock Candy” – Demo *
4. “Good Rockin’ Tonight” – Demo *
5. “I Don’t Want It” – Demo *
6. “Make It Last” – Demo *
7. “Intro: Tom Donahue” – Live KSAN Radio Session, 1973 *
8. “Good Rockin’ Tonight” – Live KSAN Radio Session, 1973 *
9. “Rock Candy” –Live KSAN Radio Session, 1973 *
10. “Bad Motor Scooter” –Live KSAN Radio Session, 1973 *
11. “Shoot Us Down” – Live KSAN Radio Session, 1973 *
12. “One Thing On My Mind” – Live KSAN Radio Session, 1973 *
13. “Rock The Nation” – Live KSAN Radio Session, 1973 *
14. “Make It Last” – Live KSAN Radio Session, 1973 *
15. “You’re Out Of Time” – Live KSAN Radio Session, 1973 *
16. “Roll Over Beethoven” – Live KSAN Radio Session, 1973 *
17. “I Don’t Want It” – Live KSAN Radio Session, 1973 *
PAPER MONEY: DELUXE EDITION Track Listing:
Disc One: Original Album Remastered 1. “Underground”
2. “Connection”
3. “The Dreamer”
4. “Starliner”
5. “I Got The Fire”
6. “Spaceage Sacrifice”
7. “We’re Going Home”
8. “Paper Money”
Disc Two: Bonus Tracks 1. “Intro: Phil Buchanan” – Live KSAN Radio Session, 1974 *
2. “I Got The Fire” – Live KSAN Radio Session, 1974 *
3. “Rock Candy” – Live KSAN Radio Session, 1974 *
4. “Bad Motor Scooter” – Live KSAN Radio Session, 1974 *
5. “Spaceage Sacrifice” – Live KSAN Radio Session, 1974 *
6. “One And A Half” – Live KSAN Radio Session, 1974 *
7. “Roll Over Beethoven” – Live KSAN Radio Session, 1974 *
8. “Trouble” – Live KSAN Radio Session, 1974 *
9. “Space Station #5” – Live KSAN Radio Session, 1974 *
* bisher unveröffentlicht
Das letzte Album der Gitarrenlegende, jeder Track aufgenommen mit verschiedenen Gitarristen und Sängern. Performances von Joe Bonamassa, Phil Collen, Rick Derringer, Samy Hagar, Glenn Hughes, Brad Whitford, Edgar Winter und anderen. Ab 29. September über Rhino
Montrose und Paper Money Deluxe-Editions im neu gemasterten Sound plus unveröffentlichte Demos und Live-Aufnahmen ab 13. Oktober!
Eine Kapelle unter dem Einfluss musikalischer „Betäubungsmittel“ wie Beat, Surf, Rockabilly, Country & Western, Rock sowie einer kleinen Prise Punk machte sich Anfang 2015 auf den Weg, um gemeinsam diese altbekannten Elemente zu einer höchst würzigen Mischung zu verarbeiten, die es in sich hat… garantiert frei von elektronischen Zusätzen.
THE SCOTTY BULLOCK TRIO – “Love Seeker…” – Bettie Page TM is a trademark of Bettie Page LLC. www.BettiePage.comNach dem altbewährten Motto „Less is sometimes more“ und musikalische Berührungsängste verachtend, steigt das SCOTTY BULLOCK TRIO auf die Bretter, die die Welt bedeuten und treibt das Publikum mit wachsender Begeisterung in die Paranoia.
„Der flotte Dreier“ serviert den Hörern ohne Umwege Sounds aus einer Zeit, als die noch gar nicht erfundene Rockmusik in den Startrampen stand, und kaum zu halten war, um hoch hinaus in die Stratosphäre des Wahnsinns zu starten. Mit ihrem Debütalbum „Love Seeker…“ prescht dieses Trio Infernale nun mit Vollgas durch die oft von Einheitsbrei geprägte Musiklandschaft… um sich genau davon abzusetzen.
13 packende Songs geladen mit hochoktanigem Beat erzählen was die drei Jungs so beschäftigt. Bandleader, Sänger und Gitarrist Scotty Bullock beherrscht nicht nur den „Twang“, auch das Songwriting geht bei den meisten Titeln auf ihn zurück. So ist „Memphis Trucker“ eine Hommage an den bekanntesten und wohl auch größten Rock’n’Roll Performer aller Zeiten, dessen Todestag sich am 16.August zum 40.tenmal jährt, den die Band als ihren „Schutzpatron“ bezeichnet und dessen Gitarrist auch Scotty hieß. Felix Wenz (Vocals/ Pro & Contrabass) und Harry Weber (Vocals/Drums) ergänzen Scotty perfekt zum Trio und performen live und im Studio auch mehrere Juwelen der Rock’n’Roll Geschichte, von Link Wray, Jerry Reed bis zu „His Bobness“ Dylan.
Zum hookigen „Hipster!“ wurde ein stylisches Video-Clip gedreht, die Remix-Version beschließt als Bonus-Track dieses Album.
Auf ein Wort zum Cover: dem eigentlich längst antiquierten, aber im Zuge des nicht endenden „Vintage &Old School“- Booms wieder hip gewordenen Wolfman ist die Rolle des „Love Seekers“ wie auf den pelzigen Leib geschrieben. Bettie Page, die Grand Madame und Pinup-Ikone der Rockin` 50ies tut ihr Übriges. Man kann sich kaum vorstellen, was solche Bilder in einer noch prüden Zeit auslösten, als die Jugend mit dem Rock`n Roll ein Werkzeug erhielt, um sich endgültig von angestaubten Ansichten und dem weit verbreiteten „Das tut man doch nicht!“ zu befreien. Und auch heutzutage teilen sich immer noch die Meinungen des „seriösen Volkes“ beim Anblick eines nackten Frauenhinterns…
Love Seeker… isn`t ev`rybody seekin for love somehow… ? My Redemption Records/CARGO (MRRCD110)
VÖ CD/digital 15.9.2017
Im Rahmen der Motörhead – “Under Cöver“ VÖ am 01. September ist ab sofort das neue Video zum David Bowie Klassiker “Heroes” hier zu sehen.
Motörhead – “Under Cöver“ am 01. September! Inklusive der bisher unveröffentlichten Cover Version des David Bowie Songs “Heroes”Lemmy, Phil und Mikkey haben über die Jahre in Motörhead immer mal wieder einen favorisierten Song rausgesucht und ihn in guter alter Motörhead Manier gecovert. Ihm den typischen Rock’n’Roll Touch verliehen, mit den extra Motörhead Kanten und Ecken.
Die besten Coversongs werden nun auf Under Cöver veröffentlicht, einschließlich der zeitlosen David Bowie Hymne ‚Heroes‘. Der Song wurde während der Bad Magic Session im Jahr 2015 aufgenommen und ist einer der letzten Songs, die die Band zusammen aufgenommen hat.
‚Es ist so ein großartiger Bowie-Song, einer seiner besten und ich konnte mir vorstellen, dass es sehr gut werden würde, und so war es auch. Lemmy hat unsere Version geliebt‘, sagt Phil Campbell.
Mikkey Dee: ‘ Lemmy war sehr, sehr stolz auf den Song, nicht nur weil er so gut geworden ist, auch weil es sehr viel Spaß gemacht hat. Und das sollte ja so sein, das diese Art von Projekte einfach nur Spaß machen.‘
Neben diesem epischen Song geht der Rest des Albums mehr in die Richtung des lauten, stolzen, punkigen und wilden Rock’n’Roll: God Save The Queen (Sex Pistols), Cat Scratch Fever (Ted Nugent), Rockaway Beach (The Ramones), Breaking The Law (Judas Priest) oder Whiplash (Metallica). Und für die Performance von Whiplash bekam Motörhead 2005 ihren ersten Grammy in der Kategorie Best Metal Performance.
Album Trailer:
‚Wir waren total zufrieden mit den Aufnahmen seinerzeit und sind es noch immer‘, bestätigt Cameron Webb, langjähriger Motörhead Produzent und Mikkey Dee fügt noch einmal hinzu, wir sollten immer daran denken, dass es nur um Spaß geht mit allen diesen Songs, die wir lieben!‘
Und was hätte Lemmy in guter, alter Manier gesagt: Wenn ihr euch nicht sofort euer Under Cöver Album besorgt – muss man euch den Puls fühlen! Ihr werdet es nicht bereuen!
Und man hat einen Kloß im Hals wenn man sich dabei sein raunziges, kehliges Lachen vorstellt………. Unser Lemmy……
TRACKLISTINGUND FORMATE…
1. Breaking the Law (Produced by Cameron Webb) 2008 – Judas Priest
2. God Save the Queen (Produced by Bob Kulick and Bruce Bouillet) 2000 – Sex Pistols
3. Heroes (Produced by Cameron Webb) 2015 – David Bowie
4. Starstruck (Produced by Cameron Webb) 2014 – Ronnie James Dio
5. Cat Scratch Fever (Produced by Peter Solley) 1992 – Ted Nugent
6. Jumpin’ Jack Flash (Produced by Bob Kulick and Bruce Bouillet) 2001 – The Rolling Stones
7. Sympathy for the Devil (Produced by Cameron Webb) 2015 – The Rolling Stones
8. Hellraiser (Produced by Billy Sherwood) 1992 – Ozzy Osbourne
9. Rockaway Beach (Mixed by Cameron Webb) 2002 – The Ramones
10.Shoot ‚Em Down (Produced by Bob Kulick and Bruce Bouillet) 2001 – Twisted Sister
11. Whiplash (Produced by Bruce Bouillet and Bob Kulick) 2005 – Metallica
FORMAT 1: 1CD (Digi pack)
FORMAT 2: 1x 180 grams Black Vinyl in gatefold
FORMAT 3: Boxset Super Deluxe Boxset – contents:
The 1CD digipack
1x 180 grams black vinyl
VIP guest pass
Batch
FORMAT 4: Digital Audio
FORMAT 5: MFiT Audio
All songs performed by Motörhead Lemmy Kilmister – Bass/Vocals Phil Campbell – Guitar Mikkey Dee – Drums
Romano hat das Fenster wieder runtergekurbelt und das Autoradio aufgedreht. Minimalbeats und Maximaltexte knallen raus.
Vor zwei Jahren tanzte der Rapper aus Köpenick raus aus dem Vorort, rein in die Welt, rappte über Metalkutten und einen Klaps auf den Po und erfand dabei ein neues Genre, in dem er jedes existierende auflöste. Der Mann, der in seiner Hood alle Nachbarn persönlich begrüßt, Straight outta Märchenviertel, fliegt 2017 ins ferne Hongkong und findet dort zu seinen Wurzeln zurück. In „Copyshop“ geht es um die Kopierläden, in denen Romano bis 2013 am Laserdrucker stand und um die Erkenntnisse, die er dort über die Welt gewann, während er die Menschen bei ihren Anstrengungen zur Vervielfältigung beobachtete.
Romano – König der Hunde
Romanos zweites Album „Copyshop“ ist das grobe Gesellschaftsportrait eines Künstlers, der das Ohr am Rinnstein hat. Elf feine Wummertracks, sprudelnd wie halbtrockener Rotkäppchen-Sekt, die er im Winter nach einer ausgedehnten Tour durch die Herzen aufgenommen hat. Vorher ist Romano mit dem Tiefgeschwindigkeitszug Molly zur Ostsee gefahren – mal runterkommen, mal ruhiger werden – um sich dann in das Auge des Kapitalismus zu wagen. In Hongkong drehte Romano Anfang 2017 einen Kurzfilm zum Album, in dem er noch mehr über den Sozialisationsort und das Kulturverständnis „Copyshop“ erzählt und in dem ein Tarotkartenleger, eine glänzend grüne Jets-Jacke und der chinesische Rapper MastaMic keine unbeeindruckenden Rollen spielen.
Romano – „Copyshop“ (VÖ: 08.09.2017) unterhaltsam und humorvoll stellt Romano auf seinem zweiten Album viele Charaktere seiner Welt , sein Leben, seine Vergangenheit und seinen Alltag vor.
Auch auf seinem zweiten Album bleibt Romano ein Künstler, der noch etwas zu erzählen hat. Dabei ist er ein Beschwörer. Ein Guru. Ein Volksversteher vor allem. Ein Lifecoach, der Freak genug ist, um sie alle zu kriegen. Seine Zöpfe sind länger geworden, seine Texte voluminöser und seine Beats absolut frei von Spliss. In „König der Hunde“ etwa erzählt er zu surrenden Schleppbeats von der Nachwendezeit, als würde sie alle betreffen. Nicht breitbeinig am Felsen stehen, wehende Haare, keine Heldengeschichten, sondern die Szenen der Wirklichkeit: Einbruch im Bunker, Couch bei Quelle bestellen, Umschulung, Kaffeefahrten.
Ebenso genau erzählend macht er in „Mutti“ der Frau eine Liebeserklärung, mit der es immer mal Ärger gibt – nicht nur, weil sie ein Parfüm von Gabriela Sabatini trägt. Ein Track, mit dem er die Regeln des Hip Hop bezüglich Müttern mal eben neu aufstellt. Als Pendant dazu rappt er in „Karl May“ über Väter und verzeihen können. Dafür hat es sich Romano mit Maschine, dem Sänger der Puhdys, in seinem Studiokeller gemütlich gemacht und hat ihn den Refrain einsingen lassen.
Romano – Mutti
In „Anwalt“ bounct Romano gegen die Sprachlosigkeit des Großstädters in der Krisensituation an, der eher den Anwalt anruft, anstatt dem Nachbarn mal eine Alpia-Schokolade auf die Fußmatte zu legen. Und das California-verliebte „Champagnerbar“ handelt vom würdigen Feiern im Alter an den Champagnerbars in den Einkaufscentern, die Romano hier als soziale Institution würdigt, in der die Upperclass einfach weggezwitschert wird.
Der Sprecher der Eckkneipe, der jedes Hemd tragen kann als sei es von Gucci, pustet aus seiner 2-Zimmerwohnung Glamour wie Seifenblasen. „Ich bin dankbar, wenn ich die Heizung auf 2 drehen kann und keine Kohlen mehr holen muss. Ich kenne ja noch das DDR-Außenklo“, sagt er und macht im Sinne dieser Einstellung die große Integrationsmusik. Für enge Stirnen und große Augen. So wird in „Ja, ich will“ der drangsalierende Druck auf das Objekt der Begierde, den der klassische Lovesong gemeinhin auslöst, aufgehoben und gleichzeitig mit dem Klischee des Haters hantiert. „Hater gibt es nicht. Ich liebe alle Menschen“, sagt Romano dazu.
Er hat die Spiritualität zum Coolnessfaktor erhoben und macht uns zu dem Menschen, der wir immer schon sein wollten. In seiner Musik umarmt Romano die ganze Welt, bis sie zu seinen verqueren Liedern zuckt. „Der Weichspüler ist heute überall angekommen. Das Kantige fehlt, ich hoffe, dass es der ein oder andere in meiner Musik noch hört.“ Er zeigt uns die Magie der kleinen Dinge, er zeigt uns, wie man dem Hyperkapitalismus widersteht, wie man glücklich sein kann, in der Welt der Formen. Die Welt braucht jetzt Romano.
Physik, Astronomie, Numerologie, Philosophie, frühgeschichtliche Mythologie und Literatur – Wissenschaften, die sich in der einen oder anderen Form schon seit jeher durch die Alben der Crüxshadows ziehen.
THE CRÜXSHADOWS Album „Astromythology“Nachdem die amerikanischen Electro-Rocker kürzlich schon mit der euphorisch gefeierten Vorabsingle „Helios“ in Szenekreisen für wahre Tanzflächeneruptionen gesorgt haben, veröffentlichen Mastermind Rogue und seine loyale Truppe nun mit „Astromythology“ ihr bisher durchdachtestes, experimentellstes und auch packendstes Werk!
Seit mittlerweile 25 aufregenden Jahren zählt das umtriebige Sextett aus Florida zu den wegweisendsten und erfolgreichsten Formationen der Schwarzen Subkultur, das mit seinem außergewöhnlichen Hybridsound aus handverlesenen Elementen aus New Wave, Gothic, Pop, Rock und Electronica eine ganze Generation von Nachahmerbands beeinflusst hat. Neben Auftritten auf sämtlichen wichtigen Festivals und teils restlos ausverkauften Headlinertouren durch Amerika und Kanada, fast ganz Europa bis hin nach China haben die Crüxshadows bereits die Bühnen mit internationalen Superacts wie The Cure, Placebo, Björk, Tool, The Sisters Of Mercy, Unheilig, Skinny Puppy, Apoptygma Berzerk und unzähligen anderen geteilt. In ihrer nordamerikanischen Heimat enterten die Crüxshadows bereits vier Mal die Top 10 der Billboard Single-Charts; mit seinem Megahit „Sophia“ chartete man sogar auf einem sensationellen 1. Platz der Hitparade und schlug mit dem letzten Studioalbum, dem 2012 erschienenen „As The Dark Against The Halo“ auf dem 1. Platz der Deutschen Alternative Charts ein. „Astromythology“ markiert nun den nächsten Schritt innerhalb der stetigen Weiterentwicklung von Dark Wave-Visionär Rogue und Co.
„Als ich 17 oder 18 Jahre alt war, hatte ich einen extrem seltsamen Traum“, erinnert sich der Crüxshadows-Frontmann heute zurück. „In der folgenden Nacht setzte sich dieser Traum fort, genau so in der darauffolgenden. Insgesamt zog sich der Traum über fünf Nächte und begann danach wieder von vorne. 35 Nächte lang. Diese Träume sind das Fundament, auf dem das gesamte Konzept und meine Vision der Crüxshadows aufbauen.“ Knapp drei Jahre haben Rogue (Vocals, Songwriting, Programming, Lyrics), Victoria Whitt (Guitars), Jen Jawidzik (Keyboards, Backing-Vocals), David Wood (Violins), JoHanna Moresco (Violins, Backing-Vocals) und Jessica Lackey (Drums, Backing-Vocals) gemeinsam an der Umsetzung des neuesten Kapitels in der Crüxshadows-History gearbeitet: In regem kreativen Austausch mit Produzent Henning Verlage (Unheilig, Wolfsheim, Rosenstolz) entstanden die Songs von „Astromythology“ in Rogues Homestudio in Florida sowie in insgesamt drei verschiedenen Aufnahmestudios in Deutschland.
THE CRÜXSHADOWSGanz getreu ihrem bestens bewährten Bandmotto „Live, love, be, believe“ haben die Crüxshadows wieder jede Menge Zeit, Energie und Herzblut in das neue Material investiert. Songs, die von den opulent arrangierten Violinen geprägt sind und von einem Hauch Romantik, treibend-rockigen Gitarrenakkorden und natürlich Rogues markanter Stimme komplettiert werden. Glaube, Leidenschaft und Treue sind fokussierte Themen, die mit literarischen, historischen und mythologischen Facetten textlich verarbeitet werden. Das Ergebnis: Ebenso eingängige wie auch tiefgehende Floorfiller zum Tanzen und zum Nachdenken. Mit „Astromythology“ legt die US-Formation nun das komplexeste Konzeptalbum ihrer bisherigen Karriere vor: Ein bis ins letzte Detail durchdachtes Gesamtkunstwerk aus Text, Ton und begleitendem Artwork mit unzähligen Referenzen an Astrologie, Mythologie, Astronomie und Numerologie, die Mastermind Rogue mit seinen persönlichen Emotionen und Erfahrungen verbindet. So ist jeder einzelne der insgesamt 13 Songs einem Planeten beziehungsweise einem Protoplaneten unseres Sonnensystems zugeordnet:
Angefangen bei der ersten Singleauskopplung „Helios“, die mit ihrem lichtdurchfluteten Sound Anleihen an die Sonne – das Zentrum unserer Galaxie – in sich trägt; über den kommenden Clubhit „Singularities“, der dem Planeten Merkur gewidmet ist. „Merkur stellte ebenfalls in der Antike nach römischem Glauben den Götterboten dar“, erklärt Rogue. „Es geht darum, Gott in einer Notlage um Hilfe anzuflehen.“ Der Track „Stay“ beschäftigt sich hingegen auf besondere Weise mit Echo und Narziss, jenen Sagengestalten aus der griechischen Mythologie, die für Selbstbespiegelung und Selbstverliebtheit stehen und dem Planeten Venus gewidmet sind. Die berührende Breitwandballade „Home“ symbolisiert die Erde, während der bittersüße Popsong „Telescope“ sich auf melancholische Art mit der Situation beschäftigt, in seinem eigenen Orbit gefangen zu sein und so Sirius verkörpert. Und schließlich wäre da noch das Stück „Infinity“, das Rogue unserem allernächsten Erdtrabanten gewidmet hat. „Der Mond wird immer da sein, auch wenn man ihn nicht immer sehen kann. Als ich den Text schrieb, hatte ich dabei meine kleine Tochter vor Augen. Es geht im Grunde darum, bis in alle Ewigkeit für jemanden da zu sein, auch über den Tod hinaus. Nachdem unsere Lieben diese Dimension verlassen haben, können wir Lebenden sie zwar nicht mehr sehen, trotzdem sind sie nicht verloren. Für all diese vernetzten Motive habe ich die Parabel `Astromythology` erfunden, die diese Thematiken ganz gut umschreibt.“
13 Tracks (Vorsicht: Primzahl!), auf denen sich keine Note, kein Wort und kein Klang findet, der zufällig gewählt oder irgendwie austauschbar ist. Schon zu Collegezeiten hat sich Rogue besonders für Musiktheorie, Film, darstellende Kunst, Physik, Mathematik und tausend andere Fächer interessiert; heute verwandelt er Auszüge der unterschiedlichsten wissenschaftlichen Lehren und Theorien in seine ganz eigene Kunstform. Noch nie waren Zahlen und Zusammenhänge aus Astrophysik, Quantenmechanik und dem Superpositionsprinzip so tanzbar! „Oberflächlich betrachtet, erzählt diese Platte die Story eines Astronauten, der in der unendlichen Tiefe des Weltalls verloren geht und sich immer weiter von der Sonne, und somit auch von der Wahrheit entfernt. Natürlich geht es hier im Grunde um meine ganz persönliche Geschichte und das, was ich in den letzten vier Jahren erlebt habe.“ Nicht immer die schönsten Dinge, wie Rogue weiter erzählt. „Ich musste eine sehr schwere Phase mit vielen persönlichen Rückschlägen durchmachen. Die Arbeit an diesem Album hat mir wieder Halt und eine Perspektive gegeben. Ich habe es geschafft, all diese negativen Emotionen in etwas Großartiges zu transformieren. In den Songs steckt eine Menge Hoffnung und ein unbeugsamer Überlebenswille. So verloren es sich auch manchmal anhören mag – in jedem Stück ist immer das Licht am Ende des Tunnels zu sehen. Und sei es noch so winzig.“
Völlig unnütz, zu erwähnen, dass Rogue die Nacht und die unendliche Weite des Nachthimmels liebt, die eine schier unerschöpfliche Inspirationsquelle für den Amerikaner darstellt. Nur ein Grund für die zahlreichen spirituellen Symbole, die sich wie ein roter Faden durch die Lyrics sämtlicher Crüxshadows-Songs ziehen. „Ich bin ein sehr spirituell gepolter Mensch; auch diese metaphorischen Begriffe sind schon immer ein integraler Bestandteil unseres Schaffens gewesen. Ich versuche, mir mit den Songs gewisse Fragen zu beantworten. Wobei die Antwort immer damit zu tun hat, in sich selbst zu suchen. Friede, Glück oder Zufriedenheit sind in meinen Augen keine äußeren Umstände, sondern kommen aus dem Inneren. Man erschafft sich so sein eigenes Universum, das tief in einem selbst existiert“, und in das man nun mit „Astromythology“ auf einen Kurzbesuch einlädt.
„Alles klingt diesmal viel druckvoller. Der Sound ist sofort wiedererkennbar, aber auf eine neue, frische Art. Als hätte die New Wave-Bewegung nie aufgehört! Meine Lyrics sind für mich ein weiteres Instrument. Es geht mir nicht nur um eine starke Aussage, sie sollen dabei auch perfekt zur Musik passen. Ich verbringe Ewigkeiten damit, beides zu einer Einheit zu verschmelzen. Wenn ich irgendwann einmal sterbe, soll man alle Texte als Gedichtsammlung veröffentlichen können, die ganz ohne Musik für sich alleine stehen kann. Ich würde mich auch nicht unbedingt als Schöpfer beschreiben, sondern eher als Entdecker. Schon Michelangelo stellte fest, dass das Kunstwerk irgendwo im unbehauenen Stein verborgen liegt und nur darauf wartet, freigelegt zu werden. Genau das tun die Crüxshadows mit ihrer Musik: Wir legen die Schönheit frei. Ich habe das Gefühl, unsere Songs sind auf wundersame Weise Teil meiner kreativen DNA, ich wir mittels unserer Stücke zu sezieren versuchen. Schon im College habe ich alles als künstlerische Herausforderung betrachtet. Es geht mir darum, etwas Bleibendes in dieser schnelllebigen Zeit zu erschaffen. Genau das haben wir mit „Astromythology“ erreicht!“
„Singularities (Calling Heaven)“ ist die 2. Single von „Astromythology“ und kann hier im Track Pre-Listening vorab gehört werden!
Zeitgleich zum Release von „Astromythology“ sind The Crüxshadows auf Tour in Deutschland. Hier die Daten:
“The Astromythology Tour 2017“ (präsentiert von Sonic Seducer): 15.09.2017 – Sheffield UK
16.09.2017 – London UK
19.09.2017 – Krefeld
20.09.2017 – Frankfurt
21.09.2017 – Nürnberg
22.09.2017 – Leipzig
23.09.2ß17 – Dresden
24.09.2017 – Berlin
26.09.2017 – Hamburg
27.09.2017 – Leiden
28.09.2017 – Köln
29.09.2017 – München
30.09.2017 – Kaiserslautern
01.10.2017 – Wien A
Die anglo-amerikanische Rockgruppe Black Country Communion, bestehend aus Sänger und Bassist Glenn Hughes (Deep Purple, Trapeze), Schlagzeuger Jason Bonham (Led Zeppelin, Foreigner), Keyboarder Derek Sherinian (Dream Theater, Alice Cooper, Billy Idol) und Bluesrock-Gitarrist und Sänger Joe Bonamassa, veröffentlicht am 22.09.2017 ihr lang erwartetes, viertes Studioalbum „BCCIV“ via Mascot Records.
Black Country Communion „BCCIV“„BCCIV“ wurde wie seine drei Vorgange von Kevin Shirley produziert, der bereits für Led Zeppelin, Iron Maiden, Aerosmith, Journey und The Black Crowes arbeitete. Er gilt nicht nur als einer der besten Produzenten, den die Rockmusik zu bieten hat, sondern auch als das inoffizielle fünfte Mitglied der Band. Er hatte 2009 die Idee, Hughes und Bonamassa in eine gemeinsame Band zu stecken.
Black Country Communion vereint britische und amerikanische Rockeinflüsse. Die Supergroup hat eine einfache, aber wichtige Botschaft an die Welt: Hard Rock lebt und es geht ihm auch im 21. Jahrhundert sehr gut. Ihr musikalisches Erbe ist zu einer wichtigen Säule der Musikgeschichte geworden.
Die Initiative für ein neues Album ging von Joe Bonamassa aus. Er kontaktierte die übrigen Bandmitglieder 2016 und fragte, ob sie mit ihm ein neues BCC Album aufnehmen würden. „Es fühlte sich einfach nach der richtigen Zeit an. Glenn, Derek und Jason stimmten sofort zu, es noch einmal zu versuchen. Das Timing war perfekt.“, erklärt Bonamassa.
Als es sich Oktober 2016 zum ersten Mal herumsprach, dass die Band zurückkehren würde, überschlugen sich die Reaktionen auf Facebook, Instagram und Twitter. Das Echo der Fans war überwältigend und zeigte, dass sie geradezu nach einer neuen Platte hungerten. Und BCC IV verspricht zu einem der größten Hardrock Alben 2017 zu werden.
Die Anfänge von BCC liegen inzwischen acht Jahre zurück. Im November 2009 spielten Glenn Hughes und Joe Bonamassa gemeinsam auf einer Bühne beim Guitar Center’s King Of The Blues Event in Los Angeles. Kevin Shirley sah die explosive Performance der beiden und schlug ihnen anschließend vor, eine gemeinsame Band zu gründen. Shirley brachte zusätzlich Jason Bonham und Derek Sherinian mit in die neue Rockfamilie.
Die Wurzeln des Bandnamens liegen in der alten Industriegegend nördlich von Birmingham, in der sowohl Hughes als auch Bonham geboren wurden und aufwuchsen. Das selbstbetitelte Debüt erschien 2010 und schon damals war kompromissloser Hardrock das Markenzeichen der Band, während sich die Welt nach Musik mit Substanz sehnte.
Black Country Communion – Credit Neil ZlozowerBereits 2011 veröffentlichten BCC den Nachfolger „2“ sowie die Live-CD „Live Over Europe“. 2012 folgte das nicht minder beeindruckende „Afterglow“. 2013 nahmen sie sich eine Auszeit und konzentrierten sich auf ihre erfolgreichen Solokarrieren.
BCC hat sich als einer der erstklassigsten Bands des Hard Rock etabliert. Sie sind nicht nur für ihr wunderbares Songwriting bekannt, sondern auch als kraftvoller Live-Act. Die vier Musiker widmen sich voller Hingabe ihrem Handwerk, messen sich aneinander und motivieren sich gegenseitig stets ihr Bestes zu geben.
Classic Rock bezeichnete ihr Debüt 2010 als das „möglicherweise beste Hardrock Album 2010“, während das Mojo Magazin es mit vier Sternen auszeichnete. Music Radar pries die Platte als „mächtige und stampfende Sammlung schwerer Rockriffs, die die Zuhörer unzweifelhaft verblüffen werden“. In der VÖ-Woche erreichten BCC die Nr. 1 der britischen Official Top 40 Rock Album Charts. Im Classic Rock Poll wurde es auf Platz 3 in der Kategorie „Critics Album Of The Year“ gewählt. Die Hörer von Planet Rock krönten BCC als „Best New Band 2010“.
Nur neun Monate später, kurz nach einem gefeierten Gig beim High Voltage Festival in London, erschien das zweite Album „2“. Er war dunkler und tiefer als sein Vorgänger, dominierte jedoch erneut die Rock Album Charts der Insel. Bei den angesehenen Classic Rock‘n‘Roll Of Honour Awards wurde die Band als „Best Breakthrough Act“ ausgezeichnet. Das Magazin bestätigte, dass hier mehr als einmal hören gefragt ist, um die ganze Tiefe und den künstlerischen Anspruch der Platte würdigen zu können.
Acht Jahre nach Gründung der Band hat das ursprüngliche Line Up wieder für ein viertes Album zusammengefunden. Es wird sogar einige exklusive Liveshows geben, die Termine werden in den kommenden Wochen bekannt gegeben.
„Wir nahmen uns vier Monate Zeit um dieses Album zu schreiben und ich glaube, das Ergebnis spricht für sich.“, kommentiert Glenn Hughes. „Wir wollten alle ein Album aufnehmen, das den ersten Dreien in nichts nachsteht. Seit Afterglow hat sich viel getan, deswegen ist auf BCCIV ein noch viel härterer, rifflastiger und kühlerer Sound zu hören. Solltet Ihr auf der Suche nach einem Folkalbum sein – das hier ist keines.“
BCC trafen sich 2016 zu den Aufnahmen in den Cave Studios in Los Angeles. Im März 2017 wurde es in den Cave Studios in Sydney gemixt. Die zwölf Songs werden weltweit bei Fans, die qualitativen Hard Rock und große Stimmen zu schätzen wissen, auf offene Ohren stoßen. Hughes ist nicht umsonst als „The Voice Of Rock“ bekannt. Mit schweren Riffs, eingängigen Hooks, melodischem Flair und ansteckenden Refrains ist der Band mit BCC IV ein spektakuläres Album gelungen, das mit jedem erneuten Hören seine zahlreichen Facetten entfaltet.
„Ich wollte, dass das neue Album unsere Seelen wachrüttelt.“, fasst der Sänger zusammen. Alle Songs auf dem Album sind von ihm und Joe Bonamassa geschrieben. Bis auf „The Last Song For My Resting Place“, das aus Joes Feder stammt, schrieb Hughes alle Texte selbst.
Black Country Communion – Collide (official video)
Nachfolgend analysiert Glenn Hughes die neuen Songs mit wenigen Sätzen:
COLLIDE
Ich schrieb das Riff am Morgen des ersten Tages, als ich mit den Arbeiten zu BCC IV begann. Joe kam vorbei, ich spielte es ihm vor und wir hatten den Song vor dem Mittagessen im Kasten. „Collide“ hat das Tempo für dieses Album vorgegeben.
OVER MY HEAD
Dieser Song entstand nach einer Session mit Joe. Er gleicht ein wenig „One Last Soul“, einem Song auf unserem allerersten Album. Damals war ich mir nicht sicher, ob er wirklich zu unserem Stil passt, weil er so mainstreamig wirkte. Doch unsere Fans nahmen den Song sofort gut an und er erhielt viel Radio Airplay. „Over My Head“ spielt in der gleichen Liga: ein fetter Groove und ein einprägsamer Refrain. Ich kann ihn schon im Radio hören.
THE LAST SONG FOR MY RESTING PLACE
Glenn: Joe war auf diesem Song für das Intro und das Outro verantwortlich, auf dem eine Mandoline und eine Geige zu hören sind. Der mittlere Teil ist schwer, dramatisch und dunkel. Ich liebe Joes Stimme auf diesem Stück. Es handelt vom Untergang der Titanic, von den vielen unglückseligen Passagieren, die dabei ihr Leben verloren haben und einer ganz besonderen Geige.
Joe: Der Gedanke an Wallace Hartley (Geiger und Kopf des legendären Klassikquartetts auf der Titanic) faszinierte mich. Er versuchte so viele Leute wie möglich „vom Schiff zu spielen“, obwohl ihm das selbst zum Verhängnis wurde. Es war eine andere Zeit, niemand wäre heute mehr so selbstlos, sondern nur auf den eigenen Vorteil bedacht. Die Geige hat die Katastrophe übrigens überlebt und befindet sich heute in einer privaten Sammlung.
SWAY
Dieser Track beginnt mit einem knackigen Riff. Jason wünschte sich einen „Smooth Criminal“-Michael Jackson-Vibe, also änderten wir den Groove. Sein Vater John wäre bei Led Zeppelin wohl auf die gleiche Art an den Song herangegangen. Ich bin fasziniert von dem Beat in den Versen und dem Refrain voller Classic Rock. Und wieder einmal trägt die Stimme die Botschaft.
THE COVE
Ich wollte einen Song über meine Liebe zu Delfinen schreiben. Jedes Jahr werden tausende dieser wunderschönen Lebewesen an der Küste von Tajii in Japan ermordet. Sie werden in die Bucht getrieben und dort brutal abgeschlachtet. Ich habe vier Jahre mit Ric O’Barry von einem Delfin-Schutzprojekt zusammengearbeitet und versprach ihm, einen Song über dieses sinnlose und entsetzliche Szenario zu schreiben, das sich dort seit Jahrzehnten abspielt.
Wenn ich Videos davon sehe, blutet mein Herz. Ich fordere Euch alle auf, diesen Song anzuhören und zu verstehen, dass wir alle als Tier- und Meeresschützer gefragt sind. Das Delfinprojekt hat mein Leben verändert und ich werde mich bis zu meinem Tod dafür einsetzen. Es wird auch ein Video zu „The Cove“ geben, das Material haben Ric und sein Sohn Lincoln dankenswerterweise zu Verfügung gestellt.
Joe fing die Stimmung auf diesem Song so brillant ein, dass ich sprachlos war
THE CROW
Für diesen Song suchten wir nach einem ganz neuen Impuls. Er erinnert an „Black Country“ vom ersten BCC Album. Ich beziehe mich dabei auf die Krähe, die über unsere Band wacht.
WANDERLUST
Hut ab für Joe, der die Idee und den verrückten Groove in unsere Session mit eingebracht hat. Ich liebe es, wie Dereks Keyboard in die Strophe überleitet. Beim Refrain wollte ich einen melodischen Abbey Road-Vibe haben. Ich war schon immer ein Streuner, der aber immer wieder nach Hause zurückkehrt und aus seinen Lektionen gelernt hat. Ich bin nie von meinem spirituellen Pfad abgekommen.
LOVE REMAINS
Diesen Song schrieb ich für meinen Vater, als ich im Flugzeug nach Großbritannien zu seinem Begräbnis war. Als ich ihn schließlich aufnahm, starb auch meine Mutter, also singe ich ihn jetzt für beide. Ich spüre ein Gefühl der Dankbarkeit. Ich nutze eine Falsett-Stimme in mittlerer Lage auf dem Refrain, um der Melodie die nötige Sensibilität zu geben. Der Inhalt ist simpel: Wenn der letzte Atemzug getan ist, bleibt nur noch Liebe übrig.
AWAKE
„Awake“ ist zeitlos und handelt vom ewigen Leben und treuer Ergebenheit.
WHEN THE MORNING COMES
Bei diesem Song stellte ich mir vor aus einem Traum aufzuwachen. Ich ging den Berg hinunter, über Felder bis runter zum Meer, meinem Zuhause, das in vielen meiner Stücke thematisiert wird. Ich bin an einem sicheren Ort, fast wie am Ende des Zauberers von Oz, umgeben von Joe, Jason, Derek und Kevin. Möge unsere Bruderschaft noch lange anhalten.
*WITH YOU I GO (* Bonustrack, nur auf Vinyl)
Es liegt in den Händen des Schicksals, jemanden zu finden, mit dem Du Deine Reise teilen kannst. Wir begegnen vielen Menschen in unserem Leben, von einigen lernen wir und wachsen an ihnen. Doch Deinen Lebensgefährten, Deinen Seelengefährten zu finden, verändert von Grund auf Dein Leben. „With You I Go“ handelt davon, dass, was immer auch passiert, ich bei Dir sein werde, denn es ist so vorherbestimmt. Ich habe mein Bestes getan und jetzt kannst Du Dich auf meiner Schulter ausruhen.
Tracklisting 1 Collide
2 Over My Head
3 The Last Song For My Resting Place
4 Sway
5 The Cove
6 The Crow
7 Wanderlust
8 Love Remains
9 Awake
10 When The Morning Comes
11 With You I Go (Bonustrack, nur auf Vinyl)
Black Country Communion BCCIV
VÖ: 22.09.2017 durch Mascot Records / Mascot Label Group / Rough Trade
Erhältlich als 2LP+MP3, CD deluxe, Digital, MFiT Digital www.bccommunion.com
Kantiger Pop-Rock unter rauer Oberfläche – mit Sehnsucht im Kern, aber vorgetragen von drei schlagfertigen Kindsköpfen: Dafür stehen Treptow. Am Rande des gleichnamigen Berliner Viertels liegt ruhig und wie aus der Zeit gefallen das Studioschiff, auf dem sich Philipp (Gesang, Gitarre), Schuwe (Bass) und Lukas (Schlagzeug) regelmäßig einschließen.
In dessen Inneren haben sie nicht nur ihren Hang zu handgefertigter Gitarrenmusik entdeckt, sondern auch ein paar essentielle Schaffensregeln für die Band: Weniger ist mehr. Reduktion statt Überfluss. Und die Leitformel lautet: „Besser selbst als gar nicht“. Unter diesem Titel veröffentlichen Treptow am 15. September 2017 ihr selbst produziertes Debütalbum.
Treptow – Licht der Stadt Video
Nach dem bereits veröffentlichten Song „Oh Evelyn“ legen Treptow ab dem 28. Juli mit ihrer neuen Single „Licht der Stadt“ samt Musikvideo nach und geben einen weiteren Einblick in das kommende Album.
Mit diesem Programm gehen Jessy Martens and Band ab dem 19.Oktober in Deutschland auf die Bühne. Mit einer Unterbrechung im Dezember dauert die Tricky Thing Tour bis Anfang Februar an. Dabei zu sein lohnt sich. „Live“ ist ihr Ding! Jessy ist das, was man gerne eine „Rampensau“ nennt. Ein Highlight made in germany!
