Aufgenommen im Süden Englands am Ende ihrer Europa Tournee in 2013, ist Avian Thug das dritte Studio Album vom Jazz-Rock-Ensemble Naked Truth nach ihren Aufnahmen Shizaru (2011) und Ouroboros (2012).

Gegründet vom italienischen Bassisten, Produzenten, Komponisten Lorenzo Feliciati, nimmt Naked Truth die Arbeit in der gewohnten Konstellation wieder auf.

Mit dabei sind der Trompeter / Kornettist Graham Haynes, Roy Powell an den Tasten und Pat Mastelotto spielt mit gewohnter Energie das Schlagzeug / die Percussion.  

Avian Thug entwickelt sich über sieben Kompositionen, die sich von einer intensiv-furiosen „electric jazz“ Flut, deren Abstammung zurückverfolgt werden kann bis zu Miles‘ elektronischer Arbeit aber auch jüngerem europäischen, progressiven Jazz und Rock, bis hin zu Geräuschkulissen erstreckt, deren Farbgebung an die Arbeit von Jon Hassell und Nils Petter Molvaer erinnert.

Über die letzten vier Jahre ist Naked Truth’s Stil, progressiv gesehen, noch prägnanter und fokussierter geworden, auch durch die enge Zusammenarbeit von Lorenzo Feliciati und Bill Laswell. Letzerer ist verantwortlich für das abschliessende Mischen von Avian Thug. Graham Haynes‘ Trompetensound hat an Klarheit und Ausdrucksstärke zugenommen, Feliciati’s Bassarbeit ist unerlässlich, ebenso wie Powell’s Fingerfertigkeit an den Tasten, unterstützt von Mastelotto’s polyrhythmischer und immer schöpferischer, kraftvoller Schlagzeug- und Percussion Arbeit.

Naked Truth’s Musik ist ein Hexenkessel an Ideen. Mit Avian Thug erreicht sie zudem eine Reife, in der instrumentelles Können und poetische Tiefblicke aufeinandertreffen, und eine energetische, ausgeglichene Allianz an Form und Substanz bilden.

TRACKS

1. Rapid Fire
2. Lazy Elephant
3. Trap Door
4. Tense Shaman
5. Avian Thug
6. Day Two At Bedlam
7. Moon At Noon

Graham Haynes Electrified Cornet
Lorenzo Feliciati Electric Bass, Guitars, Production
Roy Powell Hammond Organ, Analog Synths, Prepared Piano
Pat Mastelotto Acoustic & Electronic Drums, Percussion

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In 2009 Ntjam Rosie graduated from the Codarts Conservatory, Rotterdam Netherlands as a bachelor of music. She majored in Latin singing and minored in teaching.

For the new album “ELLE”, released in the fall of 2010, Ntjam Rosie approached a more jazz orientated direction compared to her first record “ATOUBA”. This time she found inspiration in artists like George Duke, Stevie Wonder, Patrice Rushen, Syreeta and Miriam Makeba. Artists who operate in the fields of soul, jazz and combine elements of Brazilian and African rhythms. The album breathes a late seventies sound with catchy hooks and fine sing along choruses.

Lyrically, Ntjam Rosie shares her enjoyment of life. She wants to tell we are more alike than we think. Her emotional journey is similar to other strong determined women elsewhere in the world. She says: “On this record I take the listener on my musical momentum and from that point on, he or she can continue their own adventure. I believe that the crossing of our paths only has a meaning when we open up for each other. ”

For the production she teamed up again with Nelson & Djosa. Among the musicians are Nathan Allen (Amy Winehouse, Faith Evans), Alex Bonfanti (Tom Jones, Xantone Blacq), Ronald Snijders, Tuur Moens, Roël Calister, Alexander van Popta, Tjaco Oostdijk. The recording took place at the Flowriders Music studio in Amsterdam where José James and Jazzanova, worked as well.

Ntjam Rosie is based in Rotterdam where she finds the inspiration for her creative output: “I hope that my audience will grow and I hope I’ll get the chance to present my musical vision throughout the world.”

Ntjam Rosie might sound like a typical name but the singer explains: “Ntjam is a name just like Rosie is. It’s my African name while Rosie is my European name. Africa meets Europe!”
Ntjam Rosie was born in Cameroon in 1983. She moved to The Netherlands at the age of nine where she grew up in Maastricht. She only spoke French and one of the many Cameroon dialects: Bulu. With her studious skills she picked up the Dutch and English language quite easily.

As a young girl Ntjam Rosie started to develop a passion for arts like music, film and paintings. She wrote her first Dutch poem at the age of fourteen. She felt she had to do something with her creativity in music. During high school she started to sing in the girls group R.e.s.p.e.c.t. and took singing lessons. She also became a protegé of German producer Alex Jacobi (Axtrak recordings) from whom she learnt how to record in a studio.

Ntjam Rosie began Social studies after high school but after six months, she realized it was not what she wanted which forced her to think in a different direction. It was Erykah Badu’s album ‘Mama’s Gun’ that made her realize she wanted to become a conscious artists like her. To this day Erykah Badu is one of Rosie’s biggest influences. She praises her purity and honesty as an artist, lyrically and musically. Stimulated by a friend she decided to go to the Rotterdam Conservatory. That choice helped her developing her songwriting skills and she discovered, composing music is one of her biggest passions.

In 2007 Rosie took part in the Dutch National Pop Institute Unsigned project ‘The Mighty 8’. Eight young unsigned talented hip-hop and soul women got the chance to show their skills. Among them were Sabrina Starke and Giovanca. Rosie contributed the songs ‘Squeeze the Breeze’ and ‘Bia Yon’. Both tracks would end up on her debut ‘Atouba’.

‘ATOUBA’ was released early 2008. The album was preceded by the song ‘Patience’, which was released as a 12 inch single late 2007. It was accompanied by a videoclip and was heard frequently on the radio. The debut is an experimental cocktail of different styles produced by the Rotterdam based producers Nelson & Djosa. ‘ATOUBA’ shows Ntjam Rosie blending a daring mix of Western and African rhythms topped with soul and jazz and the distinctive, warm and soulful voice of the singer. World and soul with a bit of jazz as Ntjam Rosie states. The synthesizer has a dominant place, which gives it a futuristic and adventurous approach. On ‘ATOUBA’, Ntjam Rosie sings in English, French and Bulu. It’s a very personal album inspired by Ntjam Rosie’s grandmother: “She was a woman with guts and that force inspired me to put out these songs on my first album.”

Written by Serge Julien | Edit Jim Verschelden

Ntjam Rosie talks

‘Music is everything, music is what I am.’

Ntjam Rosie is 28 years of age. She has style, she looks gorgeous and is a gifted musician: “I am an artist. Not a singer, not a sing-a-songwriter, a model or a teacher, but an artist. I dig into my cultures and make my art from them.” Her music could be labelled as Jazz or Afro.
But it is more than that. She jokes: “It is 2011, that should at least make me a New Age Jazz Singer.” It is the ‘right here, right now’ quality of her compositions that makes her music exciting and meaningful. Her music takes place in the present. She does not indulge in retro elements but simply roots in them. Her songs are a perfect mix between lyrics, the chords, the music itself and the style.

„I am giving all that I am, and I am giving that with a lot of pleasure.“

Ntjam Rosie is inspired by today’s Western and African cultures. “People move all over the world. We are cross cultural people and as a cross cultural community we share a sense of longing. Everybody comes from somewhere and at times we still long for that place.
Everybody wants to belong. That emotion is universal and belongs to today’s global lifestyle.

Got to have a little ‘umph’

In the fi¬ve years following music academy Ntjam Rosie has started her own company NtjaMusic. She writes and composes by herself or with co-writers. She is a music teacher and often tells her students that they‘ve got to have a little ‘umph’ to do it. What is ‘umph’? It is the combination of authenticity and glamour that makes her performances so vibrant, colourful and quite unforgettable. With her recently released second album ‘Elle’ she is the rising star on the jazz charts. “I am the mirror of my music,” she says, and how fabulous is that!

Ntjam Rosie Music videos

– Rosie’s put out 3 music videos for the singles of ELLE so far:

In Need – Video

Morning Glow (shot in London) – Video

Space of You – Video

Stacey Kent singt ihre Songs aus tiefstem Herzen. Sie intoniert mit makelloser Phrasierung und einer glasklar verzaubernden Stimme.

Im letzten Mai trat Stacey im Pariser Club La Cigale auf und teilte mit einem auserlesenen und gebannten Publikum, das aus aller Welt für dieses Event eingeflogen worden war, einige der denkbar intensivsten und intimsten künstlerischen Momente, die nun das vorliegende Livealbum bilden.

Blue Note kann stolz sein auf Dreamer In Concert, das eine strahlende, großherzige und ernsthafte Künstlerin von ihrer besten Seite präsentiert.

Nach nunmehr acht Studiowerken markiert Dreamer In Concert das erste Album, das Staceys magische Bühnenpräsenz in einer geradezu einzigartigen Performance festhält.

Im La Cigale präsentierte sie taufrische Interpretationen von einigen der besten Songs ihres umfangeichen Repertoires, darunter einige der bekanntesten Standards des Great American Songbook wie The Best Is Yet To Come, They Can’t Take That Away From Me und It Might As Well Be Spring. Klassiker des französischen Chansons wie Ces Petits Riens, Samba Saravah und Jardin d’Hiver standen ebenfalls auf dem Programm.

Die Setlist überraschte außerdem mit vier bislang unveröffentlichten Aufnahmen von Stacey Kent, darunter Waters of March und Dreamer, zwei Klassiker von Antônio Carlos Jobim, sowie zwei neue Kompositionen ihres Ehemanns Jim Tomlinson, der bei dem Konzert Saxophon spielte und das Album auch produzierte: Postcard Lovers, mit einem Songtext des Schriftstellers Kazuo Ishiguro (Was vom Tage übrig blieb; Alles, was wir geben mussten) und O Comboio mit einem Text des portugiesischen Dichters Antonio Ladeira, ein Song, den Stacey Kent denn auch auf Portugiesisch singt.

Stacey KENT „Dreamer In Concert“

1. It Might As Well Be Spring 07.29 (Oscar II Hammerstein / Richard Rodgers)
2. Ces Petits Riens 04.01 (Serge Gainsbourg)
3. Postcard Lovers 06.20 (Kazuo Ishiguro / Jim Tomlinson) *
4. If I Were a Bell 04.07 (Frank Loesser)
5. Corcovado 05.31 (Gene Lees / Antonio Carlos Jobim)
6. Waters of March » 03.57 (Antonio Carlos Jobim) *
7. The Best Is Yet To Come 03.36 (Carolyn Leigh / Cy Coleman)
8. O Comboio 04.29 (Antonio Ladeira / Jim Tomlinson) *
9. Dreamer 05.16 * (Gene Lees / Antonio Carlos Jobim) *
10. Breakfast on the Morning Tram 05.29 (Kazuo Ishiguro / Jim Tomlinson)
11. They can’t take that away from me » 05.17 (Ira Gershwin / George Gershwin)
12. Samba Saravah 05.07 (Pierre Barouh / Vinicius de Moraes – Baden Powell)
13. Jardin d’Hiver 04.32 (B. Biolay – Keren Ann Zeidel)

* new songs : original compositions or previously unrecorded renditions.

Stacey Kents letzten beiden Alben sind auf Blue Note erschienen. Breakfast on the Morning Tram, veröffentlicht im September 2007, verkaufte sich weltweit mehr als 330.000 Mal. Im Jahr 2009 wurde es in Frankreich mit Platin ausgezeichnet und in Deutschland mit zweifachem Gold. Außerdem wurde es als Best Vocal Jazz Album für einen Grammy nominiert. Im selben Jahr erhielt Stacey Kent zudem den französischen Verdienstorden „Chevalier des Arts et des Lettres“.

Ihr Nachfolgewerk Raconte-moi wurde im Frühjahr 2010 veröffentlicht und in Frankreich mit Gold ausgezeichnet. Das weltweit hoch gelobte Album avancierte außerhalb Frankreichs zu einem der bestverkauften Alben in französischer Sprache.

Das Erwachsenwerden ist ein beliebtes Sujet in der Kunst. Der Coming-of-Age-Roman gehört dabei ebenso zu den Grundfesten des literarischen Kanons wie sein musikalisches Pendant zum Pop-Universum.

„When You Grow Up“, ein von Ethan Johns exquisit produziertes Dutzend Songs, markiert das zweite Album der Blue-Note-Künstlerin Priscilla Ahn, die hier eine künstlerische Reife offenbart, in der man das Mädchenhafte der legendären Melanie ebenso zu entdecken glaubt wie die Klarheit einer Aimee Mann.

Dabei knüpft die junge kalifornische Songwriterin mit ihrer engelsgleichen Stimme einen losen roten Faden durch einen zartbesaiteten Songreigen, der die diversen Befindlichkeiten des Erwachsenwerdens streift.

Eine musikalische Sternstunde, die Priscilla Ahn federführend gestaltet hat und sie in die Riege der besten modernen Folk-Künstlerinnen katapultiert.

In gewisser Weise ist es natürlich eher leicht ironisch gemeint, wenn Ahn ihr Album „When You Grow Up“ genannt hat. Schließlich entwickelt sich jeder in seinem Leben weiter – bis man irgendwann das Zeitliche segnet.

Wir suchen nach Liebe, wir finden sie und verlieren sie auch wieder, wir lernen neue Freunde kennen, wechseln die Schauplätze, lernen neue Orte kennen und schulen im besten Falle unsere Fähigkeiten. Unsere Gefühle werden immer komplexer.

Wir entwickeln bestimmte Verhaltensmuster und verwerfen sie mitunter, weil wir uns weiterentwickeln wollen. Die stets ungemein intim wirkenden Songs von „When You Grow Up“ sind jedenfalls der klingende Beweis der enormen künstlerischen Entwicklung der 28-jährigen Songpoetin.

„Letztens habe ich noch einmal einige meiner alten Blog-Einträge von vor fünf, sechs Jahren gelesen. Mein Leben war damals noch ein völlig anderes.“ Tatsächlich hat Priscilla Ahn zahlreiche Kämpfe mit sich selbst ausgefochten, bevor sie endlich ihre ganz eigene Stimme fand, mit der sie ihren Gefühlen adäquat Ausdruck verleihen konnte.

Ihr Debütalbum „A Good Day“ fand gleichwohl viele Freunde und ihr Song „Dream“ avancierte gar zu einem kleinen Hit, der auch in zahlreichen Filmen und Fernsehshows verwendet wurde. Die Tourneen mit renommierten Künstlern wie Ray LaMontagne, Amos Lee und Willie Nelson gaben ihr noch zusätzlich Selbstbewusstsein. Ihr privates Glück festigte sie, als sie im letzten Jahr heiratete. „Mein Leben ist jetzt so erfüllt und friedlich, wie ich es lange Zeit nicht gekannt habe.“

Es gibt diesen sich hartnäckig haltenden Mythos, dass Künstler nur schwer zu ihrer Muse finden, wenn sie zu ausgeglichen und zufrieden sind. Zunächst schien es, dass auch Priscilla Ahn damit zu kämpfen habe. „Das Schreiben schien mir früher in gewisser Weise leichter zu fallen.

Aber heutzutage kann ich meine Gefühle viel besser kanalisieren, sei es beim Nachdenken, in meinen Tagebüchern oder beim Meditieren. Ich hatte jedoch schon Sorgen, dass es nichts mehr gäbe, worüber ich Songs schreiben könnte.“

Dafür gelang es ihr umso besser, sich tief in ihre Musik einzugraben und in den kleinen, stillen Momenten des Lebens Erhellendes zu entdecken. „Diese Songs entstanden in einem Lebensabschnitt, in dem ich mich wiederentdeckte, oder besser gesagt zum ersten Mal bestimmte Seiten an mir entdeckte.“

Ein weiterer entscheidender Schritt für das neue Album war, dass Priscilla Ahn nicht mehr wie gewohnt alle Songs selbst schrieb, sondern auch mit anderen Musikern zusammenarbeitete, darunter Sia Furler, Inara George, Eleni Mandell und Charlie Wadhams.

Der einzige Song, an dem sie nicht als Autorin beteiligt war, das frohlockend lockere „Vibe So Hot“, stammt von Benji Hughes. Auch wenn es Möglichkeiten gegeben hätte, mit erfahreneneren Songwritern zu arbeiten, ergab es sich fast wie von selbst, dass sie mit Künstlern aus ihrem Umfeld arbeitete. Ina George, die Sängerin von the bird and the bee, die mit Ahn das strahlende „City Lights (Pretty Lights)“ schrieb, machte sie auf die ebenfalls aus Los Angeles stammende Eleni Mandell aufmerksam. Aus dieser Begegnung ging das federleichte „Oo La La“ hervor. So wie bei dieser leicht jazzbetonten Ballade, in der der Protagonist aus seiner täglichen Routine zu neuen Abenteuern aufbricht, haben es auch die anderen kreativen Begegnungen Ahn ermöglicht, ihren hohen Ansprüchen an die Kunst des Songwritings mehr als gerecht zu werden.

Als nächstes war Ahn bemüht, von allen Kompositionen erste Demo-Aufnahmen zu machen. Sie spielt auf dem Album zwar zahlreiche Instrumente – neben akustischen und elektrischen Gitarren sind das Banjo, Autoharp, Piano, Orgel und eine Reihe anderer Keyboards – ihr Studio daheim ist jedoch denkbar spartanisch. So nutzte sie vornehmlich ihre eigene Stimme, um verschiedene Instrumental-Parts zu simulieren und nahm mehrstimmige Gesangsharmonien auf. Viele ihrer so entstandenen Songideen haben den Weg auf das eigentliche Album gefunden, besonders die an die Beach Boys erinnernden Multitrack-Gesangsharmonien.

Auf der Suche nach einem geeigneten Produzenten, der ihr helfen sollte, die Songs ins beste Licht zu rücken, versuchte es Ahn zunächst mit „Blind Dates“, wie sie es scherzhaft nennt. Alle Kandidaten hatten ihre Stärken und beste Referenzen, aber es funkte irgendwie nicht. Dabei war die perfekte Wahl in greifbarer Nähe. Ethan Johns hatte die letzten drei Alben von Ray LaMontagne produziert, mit dem Ahn auf Tour gewesen war. Sie war dem renommierten Produzenten und Multi-Instrumentalisten zwar noch nie begegnet, aber als Ahn ihm das Angebot machte, stellte sich heraus, dass Johns schon ein Fan von ihr war, seit er ihren berührenden Auftritt in Jools Hollands englischer Fernsehshow gesehen hatte.

Die Zusammenarbeit mit Johns brachte Ahn erneut nach England, wo sie sich gemeinsam in diversen Studios in Bath und London niederließen. Zunächst war die Sängerin ein wenig nervös, so weit von Zuhause, der gewohnten Umgebung, der Familie und den Freunden ein Album aufzunehmen, aber ihre Zurückhaltung war schnell verschwunden, als die ersten Songs in Angriff genommen wurden. „In England aufzunehmen war vielleicht das Beste, was ich für dieses Album machen konnte, denn ich war enorm darauf fokussiert und arbeitete quasi ständig daran.“

So wie das Album langsam Form annahm, wuchsen auch die kreativen Bande zwischen Ahn und Johns. „Wenn ich sagte, dass ich mit der einen oder anderen Stelle nicht zufrieden sei, meinte Ethan nur locker ‘Okay‘. Er ist kein bisschen selbstbezogen, was echt selten ist. Ethan hat zudem ein perfektes Gespür dafür, was wo platziert sein muss, und kann sich voll und ganz auf Worte und Stimme konzentrieren. Ich vertraute einfach seinem Gehör.“ Mit der Hinzunahme von weiteren Musikern entwickelte sich mit der Zeit ein richtiges Band-Feeling und demzufolge entstanden traditionell auf Band geschnittene Live-Aufnahmen. „Das war alles schön Old School. Wir nahmen live mit der Band auf, den ganzen Tag und manchmal bis in den nächsten hinein. Dann setzten wir uns im Studio zusammen und hörten uns alles an, bis wir den Take mit genau dem richtigen Vibe gefunden hatten.“

Den Schlusspunkt setzte in gewissem Maße eine andere Produzentenlegende: Glyn Johns, der Vater von Ethan. Der hatte Priscilla Ahn bei einem gemeinsamen Dinner den Albumtitel „When You Grow Up“ vorgeschlagen. Zu diesem Zeitpunkt waren alle Songs schon unter Dach und Fach. Und so ergab sich die Reihenfolge der Songs, deren loser Handlungsfaden von der Kindheit über das Auf und Ab von Beziehungen bis zu dem nachdenklichen „Torch Song“ reicht, durch den gewählten Titel schon fast von selbst. So ist das manchmal mit den kreativen Prozessen. Man weiß vielleicht nicht, was man eigentlich erreichen will, bis man an den Punkt kommt, an dem man auf alles Erreichte zurückblicken kann. Mit „When You Grow Up“ demonstriert diese zart und klug reflektierende Folkkünstlerin, dass man von ihr noch manche reife musikalische Großtat erwarten darf.

Jeder Musiker muss sich eines Tages von Vorbildern, Traditionen lösen, wenn er den Schritt über die Grenze des Bekannten gehen will. Pascal Schumacher macht das auf nachdrückliche, lustvolle Weise.

Genau genommen ist er damit mehr Purist als mancher, der sich vor der Vergangenheit verneigt. Denn es geht ihm um sein Instrument, dem er Eigenwilliges abringt, ohne dabei die Hilfestellung der Heroen zu benötigen.

Das Vibraphon macht es ihm nicht leicht. Sein Sound ist zwar exotisch, gilt aber als wenig flexibel und historisch auf Unterhaltung und Effekt festgelegt. Patentiert als Schlagwerk gehört es zur Familie der Perkussionsinstrumente und wird häufig auch als eine Möglichkeit unter vielen trommelnden Alternativen wahrgenommen.

Einige Säulenheilige haben ihm bislang Charakter verliehen und ein wenig Swing, etwas Bop, eine Prise Moderne und einen Schuss Salsa ins Stammbuch geschrieben. So muss man sich keine Sorgen mehr über die Akzeptanz machen, findet aber auch nur eine Handvoll Musiker, die als Komponisten, Stilisten und Visionäre des Vibraphons klare Spuren in der Jazzwelt hinterlassen haben.

Für Pascal Schumacher ist das eine Herausforderung. Der junge Luxemburger will sich im Gemenge der uneinheitlichen Bezugssysteme nicht nur behaupten, sondern Zeichen setzen. Seine musikalische Mischung ist markant, reicht stilistisch vom Spätromantischen bis zur neuen Emphatik der Gegenwart. Die Klangvorstellungen nähern sich mal der dezenten Funkyness des Fender Rhodes, mal dem Anschein von Steeldrums, spielen mit orgelhaft Elegischem auf der einen Seite und trancehaft sich steigernder Tonopulenz auf der anderen. Und sie enden nicht bei Pascals Schumachers Instrument, sondern bauen auch auf die Energie des Quartetts, auf die Wucht einer sich ergänzenden Gestaltungskraft.

Das Resultat ist beachtlich. Track für Track wächst „Bang My Can“ zu einem Epos ohne Worte heran, jongliert mit Struktur und Auflösung. Musik entsteht, die organisch, geerdet und energisch wirkt. Sie ist in der Gegenwart verwurzelt, spielt mit der Vergangenheit, mit Kraft und Pathos und basiert auf einer Spielhaltung, die vom Kammerjazz der Achtziger ebenso geprägt ist wie vom Rocksound der Neunziger und der Offenheit der Gegenwart. Pascal Schumacher ist damit auf bestem Weg, aus dem Rahmen zu fallen. Er hat ein famoses Team an seiner Seite, ein kompaktes, wiedererkennbares Repertoire, eine individuelle Soundidee und genügend Ernst, um darüber den Humor im Detail nicht zu verlieren – vibes with attitude, auf der Höhe der Zeit. (Ralf Dombrowski)

Eine Suite für Solostimme. A cappella, also ganz ohne Instrumentalbegleitung, und dann auch noch mutterseelenallein bestreitet Sainkho Namtchylak ihre neue Doppel-CD. „Cyberia“ ist der bemerkenswerte Tonträger einer der aufregendsten Stimmkünstlerinnen unserer Zeit.

Während Disc eins traditionelle Texte aus ihrer Heimat Tuwa mit Eigenkompositionen in „Songs“ verbindet, ist die „Suono“ (Sound) betitelte Disc zwei eher dem Geräuschhaften und Experimentellen, dem Erfinden neuer Ausdrucksmöglichkeiten jenseits bekannter Liedstrukturen vorbehalten.

Beim Zuhören ist man immer wieder erstaunt, welche Vielzahl unterschiedlichster Klänge die Stimmbänder der Asiatin produzieren können.

Auf „Cyberia“ umfasst die Palette überlieferte Folklore aus der Steppe und opernhafte Soprantöne, Improvisationen aus dem freien Jazz und kindliches Kreischen, besoultes Crooning und gutturale Tierlaute. Was für ein Gesangsorgan!

Alles was die Musikerin erlebt, kann irgendwann in ihren Arbeiten auftauchen. „Für einen Künstler ist es sein täglich Brot, im Leben stets Neues zu entdecken, ganz besonders gilt das für einen Sänger“, sagt die seit 1991 hauptsächlich in Wien wohnende Avantgardistin dazu. „Alles was ich in der Realität fühle oder sehe, wird früher oder später zu einem Song oder zu einer Improvisation.“

Das Ergebnis dieser Destillation ist so mächtig und erhebend, wie man es sich von einer solch ausgezeichneten Künstlerin erhofft. Das volle Arsenal ihrer Virtuosität wird jetzt auf „Cyberia“ freigesetzt, die zahlreichen Formen und Facetten ihrer lebhaften Persönlichkeit kanalisiert sie diesmal in hochkonzentrierten Solostücken.

Sainkhos persönliche Reise begann 1957 in der autonomen russischen Republik Tuwa. Im Geburtsort Kyzyl in Südsibirien, nahe der mongolischen Grenze gelegen, kam sie durch die nomadisierenden Großeltern und ihre Eltern, ein Lehrerehepaar, schon sehr früh mit der Musikkultur der Turkvölker in Kontakt. Vor allem der Großmutter ist es zu verdanken, dass sich Sainkho bereits im Kindesalter für Khöömei, den Kehlkopf- bzw. Obertongesang der Region, begeisterte.

Schon damals lernte sie begierig alles, was sie über die Musik, Bräuche und schamanischen Lehren von Tuwa in Erfahrung bringen konnte. Als junge Frau vertiefte sie ihr Wissen in einem Musikstudium in Kyzyl und Moskau, das sie mit einer Arbeit über die Gesangsstile in der rituellen Musik Sibiriens abschloss. Anfang der 1990er Jahre schlug Sainkho den Weg in eine professionelle Sololaufbahn ein, seither bemüht sie sich um eine Verbindung traditioneller Folklore mit heutigen Musikformen aus dem Westen.

In den letzten 20 Jahren hat die „Wanderin zwischen den Welten“ mit Kollegen wie Wolfgang Muthspiel, Jan Garbarek und Andreas Vollenweider zusammengearbeitet und 40 Alben veröffentlicht. Eines davon, „Naked Spirit“ (1998), wurde mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik prämiert.

Auf „Cyberia“ nun (der Albumtitel verknüpft übrigens „Cyber“ mit „Siberia“) vollzieht die Frau mit der 7-Oktaven-Stimme einmal mehr schwindelfrei den Balanceakt zwischen Tradition und Moderne. Sie verwaltet weiterhin das kulturelle Erbe ihrer Heimat, gleichzeitig lebt sie jedoch voll und ganz im 21. Jahrhundert und nutzt all die technologischen Innovationen und neuen Kommunikationswege, die gerade das Leben von Milliarden Menschen auf unserem Globus unumkehrbar verändern.

Das große Thema unserer Zeit, das Aufeinanderprallen von Altem und Neuem, von Tatsächlichem und Virtuellem, spiegelt sich in Sainkhos Persönlichkeit wie ihrer Musik wider. „‚Cyberia‘ handelt zum Einen von der Inspiration sehr alter Geister auf die Modernität, zum Anderen aber auch von neuen Kreativformen, die das menschliche Auge nicht sehen kann, wie z.B. virtuelle Räume und virtuelle Kommunikation.“ Diese Grundidee, das Verschränken von Überliefertem und Neuerfundenem, treibt „Cyberia“ an und macht das in Moskau aufgenommene Album zur unvergesslichen Klangreise durch die psychologischen und spirituellen Schichten eines außergewöhnlichen Menschen von heute.

Nachdem im Oktober letzten Jahres Henry Rollins mit der Doppel-CD „Rollins’ Choice“ den Auftakt zu dieser neuen Compilation-Serie gemacht hat, folgt nun der nicht minder prominente, legendäre Sänger, Komponist und Pianist Joe Jackson aus Portsmouth, England mit einer eigenen Edition.

Joe Jackson gelang Ende der siebziger Jahre mit Alben wie „Look Sharp“, „I’m The Man“ und „Beat Crazy“ (1980) ein fulminanter Karrierestart.

Mit der Auflösung der Joe Jackson Band Ende 1980 und der Veröffentlichung seines vierten Albums „Jumpin’ Jive“ (1981) vollzog er einen radikalen musikalischen Wandel, wobei seine Liebe zum Jazz erstmalig deutlich wurde, enthielt das Album doch Interpretationen alter Swing- und Blues-Klassiker, bekannt durch Glenn Miller,

Cab Calloway, Lester Young und Louis Jordan. Mit dem 1984 veröffentlichten Album „Body And Soul“ outete sich Jackson erstmalig auch als Blue Note Fan, war das Cover von „Body And Soul“ doch sehr stark am Artwork des Blue Note Klassikers „Sonny Rollins Vol.2“ orientiert.

Bei der Titelauswahl für die nun vorliegende Doppel-CD hat sich Joe Jackson auf nur zwei Künstler fokussiert, die allerdings extrem stilprägend waren und viele Jahre lang Aufnahmen für das Label Blue Note machten. Es handelt sich hierbei um die Hardbop-Heroen Horace Silver und Art Blakey, die gemeinsam die legendären Jazz Messengers gründeten, die nach dem Ausstieg Horace Silvers von Art Blakey weitergeführt wurden und zur absoluten Talentschmiede avancierten.

CD1 besteht aus 10 Klassikern von Horace Silver, angefangen bei „Cookin’ At The Continental“ über „Senor Blues“, „Sister Sadie“, „Que Pasa“ und dem wohl größten Evergreen aus der Feder Silvers „Song For My Father“ bis hin zu „Peace“, „Cool Eyes“ oder „The Jody Grind“ beweist Joe Jackson guten Geschmack und Kompetenz.

Auf CD2 , die Art Blakey And The Jazz Messengers gewidmet ist, reiht sich ebenso ein Klassiker an den anderen, die da wären „Moanin“, „Lester Left Town“, „Dat Dere“, „A Little Busy“, „Sleeping Dancer Sleep On“, „Ping Pong“ und natürlich „A Night In Tunisia“. Ein gelungenes musikalisches Portrait zweier Jazzlegenden!!!