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Loreerna McKennitt – The Mask and Mirror Live

Die einzigartige Aufnahme von 1994 ist eine Mischung aus keltischen, spanischen und marokkanischen Einflüssen

Am 14. Juni 2024 wird das bahnbrechende Album der kanadischen Juno Award Gewinnerin, Loreena McKennitt„The Mask and Mirror Live“ veröffentlicht. Das komplette Album wurde am 19. Mai 1994 live im Palace Of Fine Arts in San Francisco aufgenommen, ursprünglich gedacht für die Radio Syndikate in den USA & Kanada.

Diese Veröffentlichung erscheint zu Ehren des 30. Jubiläums von The Mask and Mirror – das Album, das von Fans und den Medien gleichermaßen als Durchbruch gefeiert und hochgelobt wurde. Mit den Songs auf diesem Album entstand erstmalig eine Vermischung keltischer Originalsongs mit dem Sound von Südeuropa, Nordafrika und dem Nahen Osten.

Die 10 Tracks auf „The Mask and Mirror Live“ beinhalten beliebte Songs wie ‘Marrakesh Night Market, ‘Full Circle,’ ‘The Mystic’s Dream’ und ‘The Bonny Swans’ und das Listing kommt mit 7 Songs, die bis dato noch nie auf einem Album veröffentlicht wurden.

„The Mask and Mirror“ erreichte Verkaufszahlen von unglaublichen 3 Millionen Alben weltweit. Das Werk mit dem kommerziellen Durchbruch auf 4 Kontinenten, wurde auch zum Wendepunkt in McKennitt’s Karriere: Platin Auszeichnungen in Kanada, Australien, Italien und den USA; Gold in Spanien, Frankreich, Argentinien und Deutschland.

“Ich habe mich seinerzeit vorbereitet indem ich nach Galizien und anderen keltischen Regionen in Spanien gereist bin, dann nach Marokko – zuerst Marrakesch und dann in die marokkanische Wüste – einfach um mich inspirieren zu lassen. Dies hat mich mit der Musik und der Literatur Spaniens  im 15. Jahrhundert in Verbindung gebracht, auch mit allen Facetten des Judentums; des Islams und der Christen und ich wurde in die faszinierende Welt der Geschichte, Religion und der kulturellen Befruchtung in den Bann gezogen”, erinnert sich McKennitt.

“Music full of somber depths, spiritual longings and age-old echoes,” schrieb die the LA Times im Mai 1994.

McKennitt kommt im Sommer zurück nach Europa mit der The Mask and Mirror 30th Anniversary Tour. Darunter sind Outdoor Festivals und natürlich auch einige historische, beindruckenden Venues  wie zum Beispiel das Odeon of Herodes Atticus in Athen.

Deutschland Termine live:

  1. Juli 2024      Tollwood Festival, München
  2. Juli 2024      Zitadelle, Mainz
  3. Juli 2024      Tanzbrunnen, Köln

Die Veröffentlichung wird es in drei Formaten geben: CD, 180g Vinyl und auf allen digitalen Plattformen.

CD TRACK LISTING

  1. The Mystic’s Dream (7:22)
  2. The Bonny Swans (6:54)
  3. The Dark Night Of The Soul (6:13)*
  4. Marrakesh Night Market (6:45)*
  5. Full Circle (4:44) *
  6. Santiago (5:24)
  7. The Two Trees (6:48)*
  8. Prospero’s Speech (4:06)*
  9. Huron ‘Beltane’ Fire Dance (5:57)*
  10. Stolen Child (5:17)*

* bisher unveröffentlicht

VINYL TRACK LISTING

SIDE A

  1. The Mystic’s Dream (7:22)
  2. The Bonny Swans (6:54)
  3. The Dark Night Of The Soul (6:13)*
  4. Marrakesh Night Market (6:45)*

SIDE B

  1. Full Circle (4:44) *
  2. Santiago (5:24)
  3. The Two Trees (6:48)*
  4. Prospero’s Speech (4:06)*

*bisher unveröffentlicht

Mehr Infos unter: https://loreenamckennitt.com/

Die Toten Hosen Credit: Bastian Bochinski

Gerhard Polt, die Well-Brüder & Die Toten Hosen „Forever“

Gerhard Polt, die Well-Brüder & Die Toten Hosen „Forever“
Eine kulturelle Aneignung Zumutung

Gerhard Polt, die Well-Brüder
Gerhard Polt, die Well-Brüder

ein schräger Sommer steht bevor: Der Kabarettist und Menschenfreund Gerhard Polt, die drei subversiv musizierenden Well-Brüder Michael, Stofferl und Karli und Die Toten Hosen gehen noch einmal gemeinsam auf eine ihrer äußerst rar gesäten Tourneen. Zu allem Überfluss handelt es sich diesmal überwiegend um Open Air-Veranstaltungen in einer für diese Konstellation noch nie dagewesenen Größenordnung.

Wenn die bayrischen Freigeister auf die im Punkrock verwurzelten Rheinländer treffen und ihre jahrzehntelange Freundschaft zelebrieren, ist kein normales Konzert zu erwarten. Stattdessen wird ein obskurer Mix aus Satire, Chaos, Kleinkunst, Rock ’n‘ Roll und Volksmusik jegliche Grenzen sprengen. Während bei frühen gemeinsamen Vorführungen vor allem die vermeintlichen Gegensätze beider Seiten Thema waren und jeder seinen Stiefel durchzog, ist über die Jahre immer mehr zusammengewachsen, was zusammengehört. Alle spielen bei allen mit, man zieht das Ding wirklich zusammen durch. In den besten Momenten wirkt es fast schon homogen, wie sich hier kollektiv aufs Glatteis begeben wird: Polt und die Well-Brüder öffnen sich der Rockmusik, dafür beschränken die Hosen sich auf akustische Instrumente und machen jeden bayerischen Mundart-Wahnsinn mit. Man respektiert sich, auch wenn man sich nicht immer versteht. Intern wurde diskutiert, ob es sich bei alldem eigentlich um kulturelle Aneignung handelt. Das Ergebnis: Kann schon sein, aber vor allem ist es eine Zumutung.

Die Toten Hosen Credit: Bastian Bochinski
Die Toten Hosen Credit: Bastian Bochinski

Der Hauptgrund für die „Forever“-Tour besteht darin, dass Polt und die Well-Brüder unbedingt noch mal Nightliner fahren wollen. Als der Tourzeitraum vereinbart war, wurde zunächst stundenlang darüber debattiert, was gegessen und getrunken werden soll. Eine angemessene Verpflegung geht den Anarchos aus Oberbayern seit jeher über alles. Sie waren trotzdem einverstanden, als die Toten Hosen zaghaft nachfragten, ob für die Konzerte denn auch noch geübt werden solle.

Der Plan sieht vor, ein gänzlich neues gemeinsames Bühnenprogramm zu entwickeln – falls genug Zeit dafür ist. Denn zwar soll dieser Tage tatsächlich im bayrischen Hinterland geprobt werden, doch freuen sich alle Beteiligten auch sehr auf die angrenzende Tennisanlage, die sicherheitshalber für alle Übungstage gemietet wurde. Sich auf die kommenden Veranstaltungen vorzubereiten, als handele es sich um eine herkömmliche Tour, scheint ohnehin ein löblich optimistisches, aber hoffnungsloses Vorhaben: Aus Erfahrung kann davon ausgegangen werden, dass vor allem der Calvados über Wohl und Wehe der Konzertabende entscheiden wird. Die Verköstigung dieses französischen Apfelbranntweins, der laut Gerhard Polt keinen Kater verursacht, ist als Tourritual nicht mehr wegzudenken. Je nach Timing und Dosierung kann das Inspiration oder Falle sein – es dürfte spannend werden.

Polt, die Well-Brüder und die Toten Hosen: Das ist eine Seelenverwandtschaft, die nur auf den ersten Blick überrascht. Als die Hosen 1986 erstmals auf die Well-Brüder (damals noch als Biermösl Blosn) stießen, beim legendären Anti-WAAhnsinns-Festival in Wackersdorf, erkannten sie direkt: Das waren Punks mit anderen Mitteln. Beide Gruppen waren Außenseiter inmitten der Deutschrock-Elite, sie verbündeten sich, spielten gegeneinander Fußball. Der Grundstein für eine bemerkenswerte und spektakuläre Freundschaft war gelegt. Schnell stieß der Well-Wahlbruder Gerhard Polt dazu, bereits seit den frühen Achtzigern mit seiner subversiven Fernsehsatire ein Idol für die Hosen. Im Laufe der Zeit kam es zu zahlreichen unvergesslichen Zusammenarbeiten, im Studio und auf der Bühne. Diese Verbindung zwischen Düsseldorf und Bayern besteht seit fast 40 Jahren und ist nicht mehr aus der Welt zu schaffen. Das neue Bühnenprogramm „Forever“ kann als gegenseitige Liebeserklärung verstanden werden.

„Hurra, endlich Ferien!“, jubeln Die Toten Hosen über die anstehende gemeinsame Zeit.
Gerhard Polt unterstreicht: „Die Gleichverschiedenheit in unserer Zusammenballung verleiht uns die Pekularität!“
Und die Well-Brüder zeigen sich ebenfalls zuversichtlich: „Uns ist es eine große Freude und Ehre mit unseren Freunden von den Toten Hosen und dem Gerhard noch einmal auf Tour zu gehen. Mit Begeisterung und Respekt werden wir uns unsere Kulturen gegenseitig aneignen, und wir werden nicht Halt machen beim Volumen unserer Trinkgläser: Von 0,2 bis zu einer Maß, alles ist möglich! Weil wir Freunde sind! Forever!“

Der Vorverkauf startet am 21.06.23 um 17 Uhr exklusiv unter www.dth.de

Gerhard Polt, die Well-Brüder & Die Toten Hosen
„Forever“ – Eine kulturelle Aneignung Zumutung

14.07.2023 Schliersee – Schlierseer Bauerntheater
18.07.2023 Freiburg – ZMF
19.07.2023 Altusried – Allgäuer Freilichtbühne Altusried
21.07.2023 Spalt – Open Air am Brombachsee
22.07.2023 Jena – Kulturarena Jena
24.07.2023 Gelsenkirchen – Amphitheater
26.07.2023 Hamburg – Stadtpark Open Air 
27.07.2023 Berlin – Admiralspalast
29.07.2023 Oberschleissheim – Schloss Oberschleissheim
30.07.2023 Oberschleissheim – Schloss Oberschleissheim
09.08.2023 AT-Wien – Theater im Park
10.08.2023 AT-Wien – Theater im Park
12.08.2023 Dresden – Junge Garde
13.08.2023 Hannover – Gilde Parkbühne
15.08.2023 Stuttgart – SpardaWelt Freilichtbühne

Yusuf / Cat Stevens – Akustik Version „Take The World Apart“

Yusuf / Cat Stevens – Akustik Version der 1. Single „Take The World Apart“ online – neues Studioalbum “King of a Land“ erscheint am 16. Juni 2023

Yusuf / Cat Stevens hat sein nunmehr 17. Studioalbum angekündigt! “King of a Land“ wird am 16. Juni 2023 bei BMG / Dark Horse Records erscheinen.

Vorbestellungen des neuen Albums sind ab sofort hier möglich: https://yusufcatstevens.lnk.to/KingOfALandPR

Das offizielle Video und die erste Single „Take The World Apart“ gibt es hier: https://yusufcatstevens.lnk.to/TakeTheWorldApartPR

Lyric Video: https://youtu.be/qWVkLV6WLhI

Ganz neu gibt es jetzt auch eine Akustikversion des Songs, die man hierhören kann:

Die Ankündigung des neuen Longplayers ist genau genommen schon die zweite Sensationsmeldung in Folge, nachdem Yusuf / Cat Stevens erst Anfang des Monats sein Livedebüt beim diesjährigen Glastonbury Festival angekündigt hatte. Am 25. Juni wird er den renommierten „Tea-Time Legends“-Slot auf der Pyramid Stage spielen – ein veritabler Festival-Ritterschlag, nachdem vor ihm u.a. Diana Ross, Kylie Minogue, Dolly Parton, Paul Simon und Brian Wilson diesen speziellen Sonntags-Slot gespielt hatten. Die mit Spannung erwartete Performance beim legendären UK-Festival findet nur wenige Tage nach der Veröffentlichung von King of a Land statt – und nur knapp einen Monat vor seinem 75. Geburtstag (den Yusuf am 21. Juli feiern kann).

“King of a Land“ ist ein episches und facettenreiches Werk: Gut ein Jahrzehnt hat die Arbeit daran gedauert – und die 12 brandneuen Stücke, die auf dem Longplayer versammelt sind, stecken voller Überraschungen. Unverkennbar und mitreißend wie eh und je, entwirft Yusuf mit diesen neuen Songs, mit diesen Harmonien, Melodien und Texten ein lebendiges Bild von einer Welt, in der auch verlorengegangene Wahrheiten (oder was man dafür hielt) und unbeschwert-makellose Jugend (wieder) ihren Platz bekommen: Er zeichnet sie nach, rückt sie in ein Licht, in dem sie wieder greifbar scheinen. Die Geschichten seiner poetischen Kompositionen funktionieren wie eine Einladung, wie klangliche Tore zu einem Universum, in dem sich die Dinge anders entwickelt haben als im unsrigen – und wo Happy Ends immer noch möglich scheinen.

„Wenn ich den Zickzackkurs meiner musikalischen Reise betrachte, angefangen in den Sechzigern, dann würde ich sagen: Dieses neue Album ist ein Mosaik. Es definiert und beschreibt ganz klar, wo ich gewesen bin – und wer ich heute bin.“ –  Yusuf / Cat Stevens

Einen wunderschönen Einstieg in die kindliche und unbedarfte Welt des neuen Albums bietet der Abschlusstitel „Take The World Apart“, der schon heute zusammen mit einem animierten Lyric-Video von Peter Reynolds als erster Singlevorbote erscheint. Die Animationen, deren Charme man sich unmöglich entziehen kann, spiegeln dabei dieselbe Lebensfreude und dieselbe Zuversicht wider, die auch Yusufs Musik seit Jahrzehnten auszeichnen. Hier anschauen / reinhören.

„Manchmal muss man etwas zerlegen, um den Frieden zu entdecken, den man gesucht hat.“ – Yusuf / Cat Stevens

Auch für das Artwork des neuen Albums zeichnet der preisgekrönte Kinderbuchillustrator Reynolds verantwortlich. King of a Land markiert somit das nächste Kapitel der Zusammenarbeit von Yusuf und dem Kanadier, nachdem sie schon im Jahr 2021 mit dem gemeinsamen Bilderbuch Peace Train einen großen Erfolg gefeiert hatten (New York Times-Bestseller). Zusätzlich zum Cover-Artwork von King of a Land hat Peter auch zu sämtlichen Songs weitere Illustrationen fürs Booklet angefertigt, die den Inhalt der Songtexte aufgreifen und die Stücke wunderbar visuell flankieren.

„Kann mich bitte mal jemand kneifen? Schon die Illustration unseres Peace Train-Bilderbuchs war eine Riesenehre für mich, doch als Yusuf mich dann bat, das Artwork und die Animationen für King of a Land zu entwerfen – nun, das fühlte sich an, als ob ich träumen würde! Die Musik und seine Texte sind genau das, was die Welt momentan mehr denn je braucht.“ – Peter H. Reynolds

“King of a Land“ entfaltet sich jenseits von Genregrenzen; es ist ein zutiefst aufrichtiges, bedeutungsvolles und bewegendes Selbstporträt eines Ausnahmesongwriters, der längst zu den größten und wichtigsten Ikonen der Popgeschichte zählt: Angefangen beim grandios überraschenden Hardrock-Nachdruck von „Pagan Run“ bis zur an Tschaikowski angelehnten Orchestrierung von „How Good It Feels“, von einer ganz zarten Akustikballade wie „He Is True“ bis hin zu jener treibenden „Highness“, die klingt, als wäre Phil Spector in Richtung Gospel aufgebrochen; wieder ganz anders klingen der rollende Americana-Sound von „All Nights, All Days“ à la Traveling Wilburys oder auch das atmosphärische und kunstvoll ausgeschmückte „Son Of Mary“.

Die ersten Aufnahmen für King of a Land fanden tatsächlich schon im Jahr 2011 statt – und zwar in den legendären Berliner Hansa-Studios, wo einst zentrale Meilensteine von David Bowie (Low, „Heroes“) und U2 (Achtung Baby) entstanden sind. Weitere Stationen in den Jahren danach waren etwa die ICP Studios in Brüssel und La Fabrique in der Provence. Zusätzliche Overdubs und die Passagen eines 60-köpfigen Orchesters wurden schließlich in den Air and Angel Studios in London aufgenommen, wobei einige Kernpassagen zwischendurch in Yusufs Homestudio in Dubai, das er selbst liebevoll „Dubville“ nennt, aufgezeichnet worden sind. „Ausgangspunkt für die meisten Songs war tatsächlich meine Garage, wo ich alles eingespielt und aufgenommen habe“, so Yusuf, der die Unmittelbarkeit dieser Arbeitsweise schätzt: „Das ist wirklich ganz, ganz nah dran an dem, was in meinem Kopf passiert.“

Für die eigentlichen Aufnahmen zeichnete Yusufs angestammter Produzent (bzw. später dann Co-Produzent) Paul Samwell-Smith verantwortlich. Tatsächlich setzt Yusuf schon seit Mona Bone Jakon von 1970 auf die Zusammenarbeit mit dem einstigen Bassisten der Yardbirds. Gemeinsam wählten sie auch die hochkarätigen Session-Musiker für die Aufnahmen aus – unter anderem den Bassisten Bruce Lynch (ebenfalls ein angestammter Gast: seit Buddha and the Chocolate Box von 1974), den Keyboarder Peter Vettese (Jethro Tull, Bee Gees, Simple Minds) und den Schlagzeuger Russ Kunkel (Joni Mitchell, Carol King, James Taylor, CSN&Y). Darüber hinaus war auch seine zweiköpfige Bandbegleitung – Kwame Yeboah und Eric Appapoulay – an den neuen Aufnahmen beteiligt.

Abgemischt wurde King of a Land schließlich in Henley-on-Thames, und zwar in George Harrisons Privatstudio, das sich in seinem ehemaligen Anwesen Friar Park befindet. „Das war ein echtes Privileg, in Friar Park arbeiten zu können“, weiß Yusuf. „Zu den allerersten Menschen von außerhalb zu gehören, die einen Fuß in diesen Kontrollraum setzen und dort ein Album abmischen dürfen… George Harrison war immer schon ein extrem wichtiger Einfluss für mich, besonders spirituell. Mit einigen seiner Ansätze und Gedanken, die sich sehr stark an Fernöstlichem orientierten, war er ein absoluter Wegbereiter – und für mich war das extrem wichtig. Wenn man sich einige der Songs dieses Albums anhört, dann kann man da gewissermaßen auch den Geist von George im Hintergrund heraushören.“ Passend dazu erscheint das Album über Dark Horse Records, dem Label von Harrison, das heute von dessen Sohn Dhani geführt wird.

Sein jahrzehntelanger Erfolg und die einzigartige Bedeutung von Yusufs Werk basieren auf einer Vielzahl von Faktoren – entscheidend ist jedoch ganz sicher seine fast schon unheimliche Fähigkeit, die Resultate der eigenen Vorstellungskraft in Songs zu übersetzen, sie in eine musikalische Form zu überführen. Dieselbe Leidenschaftlichkeit und dieser Drang, Neues zu schreiben, aufzunehmen, Menschen damit zu unterhalten, hört man immer wieder ganz deutlich raus, wenn man in die kreativen Welten von King of a Land eintaucht. Es ist derselbe Durst wie damals. Obwohl es inzwischen fast 60 Jahre her ist, seit der 17-jährige „Cat“ die Popwelt mit frühen Hits wie „Matthew and Son“ und „I’m Gonna Get Me A Gun“ erobern sollte, um wenig später zeitlose Klassiker wie „The First Cut Is The Deepest“ oder auch „Here Comes My Baby“ nachzulegen. Diese Songs waren jedoch nur der Auftakt zu einem musikalischen Abenteuer, das dieser Tage ins nächste Kapitel mündet.

“King of a Land“ kann ab sofort als Vinyl-Gatefold-Edition vorbestellt werden – auf grünem Vinyl inklusive 36-seitigem Booklet mit Illustrationen von Peter Reynolds. Der CD-Variante liegt ebenfalls ein von Reynolds illustriertes Booklet bei – hier vorbestellen. Eine weitere LP-Edition des Albums auf weißem Vinyl wird exklusiv über den offiziellen Webstore von Yusuf / Cat Stevens erhältlich sein, wo es außerdem auch Album-Merchandise geben wird – hier geht’s zum offiziellen Store.

King of a Land – Tracklist:

1. Train on a Hill
2. King of a Land
3. Pagan Run
4. He is True
5. All Nights, All Days
6. Another Night in the Rain
7. Things.
8. Son of Mary
9. Highness
10. The Boy Who Knew How to Climb Walls
11. How Good it Feels
12. Take the World Apart

Mehr Infos unter:
https://catstevens.com
https://www.instagram.com/yusufcatstevens/
https://www.facebook.com/YusufCatStevens/
https://www.youtube.com/user/YusufCatStevens

LIAB Single „Liadl vom Erfolg“

LIAB mit neuer Single „Liadl vom Erfolg“ vom Debüt Album „Lost in a Bar“/ VÖ 31.03.2023 und Live Dates 2023

Endlich ist es da! Das Debutalbum der Band LIAB, die schon seit vielen Jahren im bayerischen Kleinkunst-Underground ihr Unwesen treibt. Es trägt den klingenden Namen „Lost in a Bar“ und erscheint am 31.03.2023 auf Konstantin Weckers Label Sturm und Klang.

Neun in bayerischer Mundart vorgetragene Lieder, von Ballade zur Moritat, von Polka bis Schlaflied, mit vielen illustren Gastmusikern (u.a. Hannes Ringlstetter).

Dazu gehört die Single „Liadl vom Erfolg“, eine Abrechnung der Band mit den Veranstaltern, Politikern, und Zuschauern, die Live-Musik als nicht systemrelevant ansehen. Ein traurig-stilvolles „Sich-Auskotzen“ über lang-verbreitete Attitüden und Klischees zum Berufsstand „Musiker“.

Aktuelle Single „Liadl vom Erfolg“ ist hier zu hören: 

Die Single passt zur Veröffentlichung der LP am 31.März 2023 bei Konstantin Weckers Plattenfirma „Sturm und Klang“. Die perfekte Adresse, eine Heimat für unabhängige Kleinkünstler, eine wahre Oase für Kreative, die von den Erfahrungen des berühmten Labelchefs profitieren.

Dieses wird nur online und als Vinyl-Pressung erhältlich sein. LIAB Sängerin Ulla Niedermeier dazu„Wir wollten keinen Tonträger veröffentlichen, sondern einen Kulturträger. So haben die Hörer die Möglichkeit, das Ganze kostenlos im Internet zu hören oder in Kultur zu investieren und ein Album zu erstehen, das sie mit all den Bildern, Texten und natürlich mit unserer Musik auf eine LIABe Reise mitnimmt.“

Die 1. Single „Herbst in Paris“ ist hier zu hören:

Credits:
Komposition: Andy Kuhn/ Ray Mohra
Text: Andy Kuhn
Gesang: Ulla Niedermeier
Klavier: Ray Mohra
Schlagzeug: Andy Kuhn
Kontrabass: Felix Renner
Trompete: Dominik Scherer
Gitarre: Stefan Fusseder, Jakob Braun
Produziert von Andy Kuhn und LIAB, aufgenommen von Flo „die Feder“ Streitwieser im Little Cabin Studio Olching

LIAB – LOST IN A BAR – Tourdates 2023

10.03.2023 – München, Vereinsheim
01.04.2023 – München, Trafo Neuhausen
14.04.2023 – Regensburg, Traumfabrik Erlebnistage 2023
15.04.2023 – Maisach, Kneißl Saal im Bräustüberl
22.04.2023 – Fürstenzell, Portenkirche
27.04.2023 – München, Prinz Myshkin Garden
28.04.2023 – Abensberg, Theater am Bahnhof
29.04.2023 – Bad Kohlgrub, Haus Sebaldus
06.05.2023 – München, Hide Out 2
13.05.2023 – Sonthofen, Kulturwerkstatt
28.05.2023 – München, Weinfest München Westpark
05.06.2023 – Passau, Cafe Duftleben     
16.06.2023 – München, Lost Weeken
06.07.2023 – Regenstauf, Eckert Beach
14.10.2023 – Deggendorf, Stadthotel    
01.12.2023 – Weiden, Cafe Parapluie     
18.12.2023 – Abensberg, Jazzclub 

Mehr Infos:
https://www.lostinabar.de
https://www.facebook.com/lostinabar.de/
https://www.instagram.com/liabmusic/

VIEUX FARKA TOURÉ – NEUE SINGLE/ VIDEO „NGALA KAOURENE“

Der malische Gitarrist, Vieux Farka Touré, stellt heute seinen dritten Song und das dazugehörige Video von seinem kommenden Album „Les Racines“ (übersetzt „die Wurzeln“) vor, welches am 10. Juni über World Circuit erscheint.

„Ngala Kaourene“ ist ein kraftvoller Appell an die Menschen in Mali während Zeiten der Unruhe und Turbulenzen. Vieux sagt: „Zur Zeit befindet sich mein Heimatland Mali in einer schwierigen Situation. Meine einzige Bitte an meine Brüder ist, dass sie sich gegenseitig die Hand reichen, egal was ihre ethnische Zugehörigkeit sein mag. Wir müssen uns versöhnen, um gemeinsam einen Weg aus der Krise zu finden. Zusammenhalt schafft Stärke. Lasst uns Frieden schließen, denn nur in Zeiten des Friedens können wir weiter wachsen.“

Video Premiere „Ngala Kaourene“:

Hier erhältlich: https://worldcircuit.lnk.to/VFTNgalaKaourene

„Ngala Kaourene“ folgt auf die zwei zuvor veröffentlichten Singles „Gabou Ni Tie“ und „Flany Konare“. Touré, auch bekannt als der „Hendrix der Sahara“ und Sohn des verstorbenen „Desert Blues“ Pioniers Ali Farka Touré, arbeitete zwei Jahre an „Les Racines“ und stellt damit wieder eine tiefe Verbundenheit mit der Songhai Musik aus dem Norden von Mali her. „Zu den Wurzeln dieser Musik zurückzukehren war eine neue Richtung für mich und ich hab noch nie so lange oder hart an einem Album gearbeitet.“, sagt Vieux. „Ich wusste, dass es tiefgründig und kraftvoll werden muss, weswegen ich mir viel Zeit genommen habe, um zu reflektieren und zu überlegen, wie ich das Album gestalten möchte.“

Video zu „Flany Konare“:

Video zum Album-Opener „Gabou Ni Tie“:

Pre-Order Album „Les Racines“: https://worldcircuit.lnk.to/VFTRacines

Mit „Les Racines“ veröffentlicht Vieux Farka Touré sein Album-Debüt auf dem Label World Circuit und damit auch den ersten Longplayer seit 2017. „Les Racines“ bedeutet übersetzt „die Wurzeln“ und steht für eine tiefe Verbundenheit mit der Songhai-Musik aus Nord-Mali, die als „Desert Blues“ bekannt und eben durch seinen Vater und dessen World Circuit-Veröffentlichungen bereits Jahrzehnte zuvor berühmt geworden ist.

In Mali gibt es ein bekanntes Sprichwort, das besagt, dass der Nachname des Lebens Veränderung bedeutet. Eine Lebensweisheit, die Vieux Farka Touré während seiner gesamten Karriere und durch eine Reihe von abenteuerlichen grenzüberschreitenden Erfahrungen und Kooperationen hindurch stets befolgt hat. Doch es gibt noch ein anderes, universelleres Sprichwort, das besagt: ‚Um zu wissen, wohin man geht, muss man wissen, woher man kommt‘. Und eben jenes dem innewohnenden und für den Menschen grundlegendes Bedürfnis, sich seiner Herkunft bewusst zu werden, steht im Mittelpunkt von „Les Racines“.

Der Sohn des verstorbenen Ali Farka Touré, der als der beste Gitarrist gilt, den Afrika je hervorgebracht hat, verbrachte zwei Jahre mit der Produktion von „Les Racines“ – von der ursprünglichen Idee in dessen Kopf bis zur Entstehung brauchte es sogar noch mehr Zeit. „Der Wunsch, ein traditionelleres Album zu machen, reifte schon seit langem in mir. Es ist mir und den Menschen in Mali wichtig, dass wir mit unseren Wurzeln und unserer Geschichte verbunden bleiben“, erklärt Vieux. Der durch den Ausbruch des Coronavirus verursachte Lockdown hinderte ihn zwar daran, wie geplant auf Tournee zu gehen, ermöglichte es ihm jedoch auch gleichzeitig, die so gewonnene Zeit zu nutzen, um eben dieses wohl tiefgründige Statement seiner bisherigen Karriere zu schaffen.

„Les Racines“ ist bereits Vieux‘ sechstes Soloalbum, seit er im Jahr 2006 mit seiner Karriere startete. Eine Karriere, die unter anderem eine Kollaboration mit Dave Matthews und dem Jazzgitarristen John Scofield beinhaltete. Eine Karriere, die ein Album mit der amerikanischen Singer-/ Songwriterin Julia Easterlin und zwei Alben mit dem israelischen Künstler Idan Raichel in Form der „The Touré-Raichel Collective“ hervorbrachte. „Am Anfang meiner Karriere fragten die Leute, warum ich nicht einfach meinem Vater folgte. Aber es war essentiell wichtig für mich, meine eigene Identität zu finden“, erklärt Vieux„Heute wissen die Leute, wozu ich fähig bin, und das ermöglicht es mir, mit Stolz und – so hoffe ich zumindest – auch mit einer gewissen Autorität zu diesen Wurzeln zurückkehren.“

Die zeitlosen Grooves des Albums, das in Vieux‘ Heimstudio in Bamako aufgenommen wurde, sind stark von der traditionellen Musik Westafrikas geprägt. Das Feuer von Vieux‘ Gitarrenspiel jedoch und die Dringlichkeit der Botschaften in seinen Songs verleihen dem Album eine ganz und gar zeitgenössische Relevanz. „Wir sind nichts, wenn wir den Respekt vor der Vergangenheit verlieren„, sagt Vieux„Aber wir können die Kraft unserer Traditionen durchaus auch mit dem Modernen vereinen.“

Die zehn Songs, allesamt Eigenkompositionen, beschäftigen sich mit einer ganzen Reihe von Themen, sowohl traditionelle wie auch aktuelle. „In Mali sind viele Menschen Analphabeten, und die Musik ist das wichtigste Mittel, um Informationen und Wissen weiterzugeben“, erklärt Vieux„Mein Vater hat für den Frieden gekämpft, und als Künstler haben wir die Pflicht, über die Probleme unseres Landes aufzuklären, die Menschen zusammenzubringen und sie auf diese Weise zur Vernunft zu bringen.“

„Die Rückkehr zu den Wurzeln dieser Musik ist eine gänzlich neue Erfahrung für mich – ich habe noch nie so lange und so hart an einem Album gearbeitet“, reflektiert Vieux„Ich wusste jedoch instinktiv, dass es tiefgründig, beständig und kraftvoll zugleich sein musste, und deshalb habe ich mir viel Zeit genommen, um darüber nachzudenken, wie ich es wohl schaffen könnte, all das miteinander zu verbinden.“

Pre-Order Album „Les Racines“: https://worldcircuit.lnk.to/VFTRacines

www.worldcircuit.co.uk  / www.bmg.com

„Les Racines“ Album Tracklisting:

  1. Gabou Ni Tie
  2. Ngala Kaourene
  3. Les Racines
  4. Be Together
  5. Tinnondirene
  6. Adou
  7. L‘Âme
  8. Flany Konare
  9. Lahidou
  10. Ndjehene Direne

VIEUX FARKA TOURÉ: LES RACINES
CD, LP, Digitale Formate

VÖ: 10.6.2022

Hunzgrippe - neues Album "Into the Woid" am 19.08.2022

Hunzgrippe Video zur Single „Aber immer no“

Hunzgrippe mit Video Premiere zur neuen Single „Aber immer no“ – neues Album „Into the Woid“ am 19.08.2022

Hunzgrippe mit Video Premiere zur neuen Single "Aber immer no"
Hunzgrippe mit Video Premiere zur neuen Single „Aber immer no“

Roland Frank und Michael Schurr sind „Hunzgrippe“ – ein bayrisches Duo, das seine Fans mit äußerst abwechslungsreicher, oftmals rockiger Mundart-Musik, begeistert. Musikalisch den Farbfächer von Falco bis Foo Fighters aufspannend steht bereits ihr zweites Album in den Startlöchern!

Bevor aber „Into the Woid“ am 19.08.2022 das Licht der Welt erblickt, erscheinen noch zwei Singles aus dem Album, und hier macht „Aber immer no“ am 25. März den Anfang!

Video Premiere „Aber immer no“:

Die Single „Aber immer no“ ist hier erhältlich: https://save-it.cc/artistms/aber-immer-no

Die kritischen Lyrics befassen sich mit dem Thema Umwelt: Diese wird weltweit zerstört, politische Entscheidungen (hierzu) sind (wie nicht selten) auch in diesem Kontext fragwürdig, wobei „Hunzgrippe“ gemäß ihrer Lyrics „aber immer no“ warten, dass etwas passiert und sich verändert. Zum Guten natürlich. Das Duo betont: „Es geht in unserem Song um friedliches Anpacken, um Proaktivität, um eine große Portion Positivismus, ums Nach-vorne-Gehen und etwas für die Welt tun“.

Hier gehen „Hunzgrippe“ vorbildlich voraus, denn zusammen mit der Umweltorganisation „Grow my Tree“ lassen sie pro verkauftem Album von „Into the Woid“ einen Baum pflanzen. Die verschiedenen Versionen des Albums, von CD über LP bis Download-Versionen, können bereits überall bestellt werden, wo es legal Musik zu kaufen gibt.

Hunzgrippe - neues Album "Into the Woid" am 19.08.2022
Hunzgrippe – neues Album „Into the Woid“ am 19.08.2022

„Aber immer no“ ist der erste Schritt auf dem Weg zu „Into the Woid“ – eine Hymne mit großem Ohrwurmcharakter, die sich vom ersten bis zum letzten Takt in den Gehörgängen aufs Fieseste festsetzt und treibend nach vorne marschiert.

Hunzgrippe ist offizieller Klima-Partner von www.growmytree.com

Mehr Infos unter:
www.hunzgrippe.de

BUENA VISTA SOCIAL CLUB – BISHER UNVERÖFFENTLICHTE NEUE SINGLE ‘LA PLUMA’

World Circuit veröffentlicht heute die bisher unveröffentlichte Single „La Pluma“ aus der Buena Vista Social Club 25th Anniversary Edition, die am 17. September erscheint. Der Song erscheint mit einem begleitenden Video u.a. mit Aufnahmen aus den legendären Havanna-Sessions aus dem Jahre 1996, die von Susan Titelman gedreht wurden.

„La Pluma“ hier anhören: https://worldcircuit.lnk.to/BVSCLaPluma

Watch the Video:

Das 25. Jubiläum wird mit einer Auswahl dieser einzigartigen Editionen des Albums gefeiert, u.a. erscheint es in den Formaten 2LP + 2CD Deluxe Book Pack, 2CD Casebook, 2LP Gatefold Vinyl und als digitale Version. Enthalten ist das Originalalbum, das von GRAMMY-Gewinner Bernie Grundman remastert wurde, sowie eine Vielzahl bisher unveröffentlichter Songs aus den ursprünglichen Session-Tapes von 1996, darunter „La Pluma“ und das kürzlich veröffentlichte „Vicenta“.

‘Vicenta’ hier anhören: https://worldcircuit.lnk.to/BVSC25

VÖ der BUENA VISTA SOCIAL CLUB 25TH ANNIVERSARY EDITION ist am 17. September 2021 via World Circuit / BMG – Jetzt hier vorbestellen: https://worldcircuit.lnk.to/BVSC25

Erhältliche Formate:
2LP & 2CD Deluxe Book Pack
2CD Casebook
2LP 180G Gatefold Vinyl
Digital Formats

Weitere Features bei allen Formaten sind neue Liner Notes, bisher unveröffentlichte Fotografien und Texte, mit weiteren Biografien, Kunstdrucken und der Geschichte des legendären Originalclubs von Havanna, die exklusiv im Deluxe Book Pack-Format erhältlich sind.

Auf „La Pluma“ ist Compay Segundo mit seiner Band Los Muchachos zu hören und sie performen eine wunderschöne Trova mit Texten, die an die Dichter des 19. Jahrhunderts erinnern, die Frauen mit ihren Worten voller Romantik vergötterten. “You are the paper and I am the pen. Soon you will receive a love letter, written by me”. Dies ist einer der weniger bekannten musikalischen Liebesbriefe, die Compay schrieb, glücklicherweise von Ry Cooder während langer Gespräche im Studio entdeckt, als Ry ihn bat, über die alten Tage der Trova zu sprechen. In diesem Fall erfuhr Ry, dass Compay von einem Songwriting-Wettbewerb gehört hatte, der von einem Stifthersteller organisiert wurde. Er hat dieses Lied geschrieben, aber wahrscheinlich nicht eingereicht, da wir wissen, dass es nicht gewonnen hat.

Die Geschichte, Authentizität und Mystik des Buena Vista Social Club strahlt heute so hell wie eh und je und begeistert neue und alte Fans. Am 26. März 1996 versammelte der kubanische Bandleader Juan de Marcos González, der amerikanische Produzente und Gitarrist Ry Cooder und der britische Produzent und Label-Chef Nick Gold eine improvisierte Gruppe kubanischer Musiker in den historischen EGREM/Areito-Studios des Centro Havana aus den 1950er Jahren. Die Mehrheit der Musiker waren gefeierte Veteranen des goldenen Zeitalters der kubanischen Musikszene der 1940er und 50er Jahre. Keiner von ihnen ahnte, dass die Aufnahmen, die sie produzieren würden, das Leben vieler Menschen, einschließlich ihrer selbst, verändern und den Status kubanischer Musik in der Welt für immer verändern würden. „Buena Vista Social Club“ hieß sowohl diese außergewöhnliche Gruppe von Musikern, ebenso wie das in nur sieben Tagen aufgenommene Album. Das Studio, das sich im Besitz von Kubas nationalem Label EGREM befindet, wurde ursprünglich in den 1940er Jahren gebaut und wird als großes Juwel in der Aufnahmegeschichte gefeiert. Der große holzgetäfelte Raum ermöglichte die Aufnahme mit dem gesamten aufgenommenen Ensemble, das „live“ spielte, was den Hörer direkt in den Raum zwischen den Musikern versetzt. Es besteht kein Zweifel, dass dies einen großen Anteil am magischen Klang der endgültigen Aufnahmen hatte.

Die Atmosphäre der Aufnahmesessions deutete bereits an, dass hier etwas ganz Besonderes entstand, aber niemand hätte ahnen können, dass „Buena Vista Social Club“ ein weltweites Phänomen werden würde – 1997 mit einem Grammy ausgezeichnet und mit mehr als 8 Millionen verkauften Exemplaren mehr als jede andere Platte in diesem Genre. Die Wirkung dieser Sessions ist auch 25 Jahre später noch zu spüren, und die Lebendigkeit und der verführerische Reiz der reichen Geschichte und Kultur Kubas erstrahlen in diesen endgültigen Aufnahmen so hell wie eh und je. Die Anerkennung des Originalalbums hat die Künstler (darunter Ibrahim Ferrer, Eliades Ochoa, Compay Segundo, Rubén González & Omara Portuondo) zum Superstar-Status erhoben, einen preisgekrönten Film von Wim Wenders inspiriert und dazu beigetragen, Kubas reiches musikalisches Erbe bekannt zu machen. Produziert von Ry Cooder für World Circuit, haben die zeitlose Qualität der Musik und der schiere Elan der erfahrenen Interpreten dafür gesorgt, dass diese Aufnahme als eine der wegweisenden Aufnahmen des 20. Jahrhunderts gilt.

Diese neue Ausgabe enthält Tracks, die während dieser legendären Woche im Jahr 1996 aufgenommen, aber nie veröffentlicht wurden; einige waren als Repertoire-Vorschläge gedacht, einige waren spontane Improvisationen und einige vollendete Juwelen, die mit allem auf dem Originalalbum ebenbürtig sind.

Produzent und Gitarrist Ry Cooder sagt: „The Buena Vista boys fly high and never lose a feather. If you miss the boat this time, you’ll have the blues forever.”

Juan de Marcos González sagt: „Buena Vista Social Club war wahrscheinlich das wichtigste Album kubanischer Musik im späten 20. Jahrhundert. 25 Jahre später spüre ich immer noch die positiven Vibes des Studios und natürlich die Freude, einen Teil zu dem Album beigetragen zu haben, das die Musik meines Landes und viele seiner großartigen Interpreten aus dem Schatten rettete.“

Nick Gold sagt: „Der Buena Vista Social Club ist eine einmalige Aufnahme kubanischer Musik von ihrer transzendentalen Seite. Die Magie, die in diesem Studio in Havanna geschaffen wurde, klingt heute genauso lebendig und schön wie vor 25 Jahren.“

Eliades Ochoa sagt: „Der Buena Vista Social Club hat großartige Musiker aus dem goldenen Zeitalter der kubanischen Musik zusammengeführt und unsere traditionelle Musik erfolgreich in den Rest der Welt gebracht. Es ermöglichte mir, international durch die Sones, Guarachas und Boleros anerkannt zu werden, die ich seit meiner Jugend gemacht habe. Es hat mich mit großartigen, erfahrenen Musikern zusammengebracht, die ich bewunderte. Buena Vista hat uns durch die Musik vereint und wir waren eine Familie. An diesem 25-jährigen Jubiläum werden wir mit verdientem Stolz der großen Legenden gedenken, die immer präsent sein werden. Wir werden mit Freude das Erbe des Buena Vista Social Club und die traditionelle kubanische Musik feiern.“

25 Jahre nach den glücklichen Tagen der Aufnahmen und während Legionen neuer Fans die anhaltende und verführerische Anziehungskraft des Albums entdecken, eröffnen uns diese 25. Jubiläums-Editionen die Möglichkeit, dem Mysterium näher zu kommen und die Sessions zu erleben, aus denen ein globales Phänomen geboren wurde.

PREORDER BUENA VISTA SOCIAL CLUB: 25th ANNIVERSARY EDITIONS HERE

17 HIPPIES – ZUGABEN-TOUR im Oktober/November 2019

Die 17 HIPPIES sind seit langem eine der originellsten Bands, die es in Deutschland gibt. Genre-Bezeichnungen wie Weltmusik reichen nicht aus, um zu beschreiben, wie die vielköpfige Band ihre musikalischen Stärken und ihre Experimentierfreudigkeit in den letzten Jahren zu Höchstform gebracht hat.

Nach dem großen Erfolg der Frühjahrstour gehen die 17 HIPPIES im Herbst 2019 mit ihrem aktuellen Album KIRSCHENZEIT ein zweites Mal auf Tour! Die Tour startet am 15.10. in Potsdam.
Die Band hat ein sehr schönes Spiel entwickelt: „SPIEL DICH AUF DIE GÄSTELISTE“ : https://who-is-who.17hippies.de/

Apropos Musikeranzahl: zählen ist zwecklos! 17 klingt einfach gut und der Bandname bedeutet nicht unbedingt das, was einem als erstes in den Sinn kommt. Seit ihrem 22-jährigen Bestehen haben sie 20 Alben veröffentlicht. Gleichzeitig touren sie seit Jahren mit 13 Musikern weltweit und haben mittlerweile in über 25 Ländern Konzerte gegeben. Anfangs noch von eingängigen Melodien und Grooves traditioneller Musik geprägt, entwickelten sie schnell ihren eigenen Stil, der wesentlich von eigenen Kompositionen, den einzelnen Musikern und ihrem akustischen Instrumentarium geprägt wurde. Balkanrhythmen haben dem anglo-amerikanischen Rock/Pop/Jazz-Background der Mitglieder neue Impulse gegeben und die Musik der 17 HIPPIES zu einem unverwechselbaren Sound verdichtet.

Tanzend legen sie Intimität aufs Parkett. Für die eigenen Gefühle gehen die 17 HIPPIES auf die Barrikaden – sie kämpfen, streiten und erschaffen. Die 13 Berliner Musiker zeigen, was sich nur in einer starken Gemeinschaft bewahren und entwickeln lässt. Es sind die Gefühle, die das Leben ausmachen. In den letzten 20 Jahren haben die 17 HIPPIES mehrfach die Welt umtourt und dabei verinnerlicht, was sich da draußen abspielt. Sie gehören zum originellsten Kolorit der deutschen Musiklandschaft. Ihre Sprache ist international: deutsch, englisch und französisch. Ihr Zusammenspiel ist mehr als überzeugend – weil sie leben, was sie sind. Nicht mehr und nicht weniger.

Über die Jahre sind die 17 HIPPIES auffällig grooviger geworden. Ihre Vielfalt bringen sie fast spielerisch auf den Punkt. Schlagkräftig, ideenreich und immer wieder überraschend bestätigen sie ihren Ruf, fesselnden Pop auf akustischen Instrumenten zu vollbringen. Diese Kunst, stetig zu suchen, neugierig zu bleiben und alles zu hinterfragen – genau das verkörpern die 17 HIPPIES. Dabei klingt ihre Anarchie zelebrierende musikalische Anfangszeit weiterhin durch: Ihre „Klassiker“ sind wahre Glanzstücke und stehen in stilsicherem Kontrast zu den neueren Songs und Chansons in Rock’n’Roll-Attitüde. Gekrönt von symphonischen Improvisationen ergibt dies alles einen modernsten Weltenklang.

HERBST-TOUR 2019
15.10.2019 • Potsdam // Lindenpark
16.10.2019 • Magdeburg // Factory
17.10.2019 • Kiel // Pumpe
18.10.2019 • Worpswede // Music Hall
19.10.2019 • Osnabrück // Rosenhof
20.10.2019 • Arnheim (NL) // Luxor Live
21.10.2019 • Bonn // Harmonie
22.10.2019 • Augsburg // Spectrum
23.10.2019 • Freiburg // Jazzhaus
24.10.2019 • Aschaffenburg // ColosSaal
25.10.2019 • Bensheim // Musiktheater Rex
26.10.2019 • Erfurt // HsD
13.11.2019 • Konstanz // Kulturladen
Tourbooking: FKP Scorpio Hamburg

Tickets: gibt es für 29,20 € an allen lokalen VVK Stellen und besondere Tourtickets unter: https://tickets.17hippies.de/produkte

Avantasia - Promofoto

AVANTASIA »Moonglow«

Tobias Sammet’s AVANTASIA veröffentlicht am 1. Februar 2019 sein 8. Studioalbum „Moonglow“ und wird seine Fans damit überraschen: Opulent, detailverliebt, melancholisch und vor allem persönlich, ist es künstlerisch genauso herausragend wie das faszinierendes Cover Artwork des renommierten schwedischen Zeichners Alexander Jansson.

Tobias Sammet's AVANTASIA veröffentlichen neues Album »Moonglow« am 01. Februar 2019 und enthüllen Coverartwork, Tracklist und Gastsänger!
Tobias Sammet’s AVANTASIA veröffentlichen neues Album »Moonglow« am 01. Februar 2019 und enthüllen Coverartwork, Tracklist und Gastsänger!

Dazu brillieren neben bekannten AVANTASIA- Gastsängern wie Michael Kiske (HELLOWEEN), Ronnie Atkins (PRETTY MAIDS), Eric Martin (MR. BIG), Geoff Tate (Original-QUEENSRYCHE), Jorn Lande und Bob Catley (MAGNUM) auch neue Gäste wie Candice Night (BLACKMORE’S NIGHT), Hansi Kürsch (BLIND GUARDIAN, DEMONS & WIZARDS) und Mille Petrozza (KREATOR).

Bereits im Dezember erscheint vorab die elfminütige Single ‚The Raven Child‘.

Über zwei Jahre hat sich Tobias Sammet Zeit genommen, um neue Ideen zu sammeln, in andere Welten einzutauchen, sein Innerstes nach außen zu kehren und mit „Moonglow“ ein neues AVANTASIA-Kapitel aufzuschlagen. Ohne Zeitdruck oder Verpflichtungen und losgelöst von Zugeständnissen an den Musikmarkt verbarrikadierte sich der Sänger und Songwriter im eigens eingerichteten „The Great Mystery“-Studio und schrieb Tag und Nacht an dem neuen Material, bis sich schließlich elf Tracks zu einem Werk zusammenfügten, das „Moonglow“ heißt und auch für den Künstler selbst neue Maßstäbe setzt:

»Ich denke, dass es das ausgeschmückteste und detailreichste Album ist, das wir bislang produziert haben. Das soll nicht über-ambitioniert klingen, aber es steckt definitiv viel Liebe zum Detail darin. AVANTASIA ist die ultimative Spielwiese, auf der die wildesten Fantasien eines Musikers wahr werden – und das hört man auf „Moonglow“ besonders deutlich: Keltische Elemente, Einflüsse aus der Weltmusik, große Chöre, atmosphärische Parts, Thrash-Elemente, klasse Gastgesangsbeiträge – und all das in das eingepackt, was ich als den typischen AVANTASIA-Sound betrachte.«

Tobias Sammet Avantasia - Promofoto
Tobias Sammet Avantasia – Promofoto

Für „Moonglow“ verwirklichte der Songwriter seine musikalischen Vorstellungen, indem er nicht nur wieder mit vielen großen Sängern, seinem Gitarristen und Produzenten Sascha Paeth, Drummer Felix Bohnke und dem für die bombastischen Orchestrationen zuständigen Michael Rodenberg zusammenarbeitete, sondern dieses Mal auch eine Harfenspielerin, sowie Gospelsänger engagierte und nichts unversucht ließ, bis die eigenen Erwartungen erfüllt waren.

»Ich bin absolut euphorisch! Bei „Moonglow“ habe ich mich völlig auf meine Intuition verlassen, und das Ergebnis klingt wie aus einem Guss, obwohl ich viele verschiedene Einflüsse und Elemente verarbeitet habe. Ich war so überzeugt von den Songs, dass mir sehr schnell klar war: wenn es jemals ein neues AVANTASIA-Kapitel geben soll, dann mit diesem Material – vorbei an allen Trends und den Vorgaben der Musikindustrie, handgemacht und persönlich, epische 10-Minuten-Stücke neben eingängigen Rocksongs; entstanden aus dem echtesten Beweggrund: nämlich großartige Musik zu machen!« Aber Tobias Sammet ́s AVANTASIA war schon immer mehr als „nur“ großartige Musik. Hier entstehen Geschichten, Welten, Charaktere und Bilder, die mit ihrer Vielschichtigkeit dafür sorgen, dass sich Musikliebhaber auf eine Reise zwischen Realität, Traum, Übermut und Melancholie begeben. Mit „Moonglow“ hat Tobias Sammet diese Kunst perfektioniert und liefert ein auch für ihn sehr besonderes Werk ab. »Auch wenn ich meine Gedanken in phantastischen und teils grotesken Bildern aus der Schauerromantik verpacke, ist es doch vielleicht das persönlichste Album, das ich jemals geschrieben habe. Das Konzept handelt von einem Wesen, das in der grellen Realität, in die es hineingeschaffen wird, keinen Platz findet und sich in die Dunkelheit zurückzieht, um dort die Tür in eine andere Welt aufzustoßen.« In die Welt von AVANTASIA entführt Tobias Sammet mit vielen Gaststars an seiner Seite auch auf der kommenden „Moonglow World Tour“; Auftakt ist im Frühjahr 2019.

AVANTASIA Line-Up:
Tobias Sammet | Gesang, Bass & Keyboards
Sascha Paeth | Gitarre, Bass & Keyboards
Michael Rodenberg | Orchestration & Keyboards
Felix Bohnke | Schlagzeug

AVANTASIA „Moonglow“ – Tracklist:
01. Ghost In The Moon
02. Book Of Shallows
03. Moonglow
04. The Raven Child
05. Starlight
06. Invincible
07. Alchemy
08. The Piper At The Gates Of Dawn
09. Lavender
10. Requiem For A Dream
11. Maniac
Bonustrack
12. Heart

AVANTASIA online:
www.avantasia.net
www.facebook.com/avantasia
www.nuclearblast.de/avantasia

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47SOUL – BALFRON PROMISE

47SOUL vereinen auf ihrem explosiven Debütalbum moderne elektronische Elemente sowie HipHop und Pop mit arabischer Roots-Musik.

47SOUL - elektronisch-arabischen Dabke-Band mit high-energy Shamstep und politischer Message
47SOUL – elektronisch-arabischen Dabke-Band mit high-energy Shamstep und politischer Message

Zusätzlich zu den Grooves, die seit Jahrhunderten in der arabischen Welt pulsieren, laden sie ihren Sound mit analogen Synthesizern, hypnotischen Gitarrenspuren und mehrstimmigen Gesang auf. Mit markanten Hooks und kraftvollen politischen Texten in Englisch und Arabisch, liefert ihre Musik den Soundtrack für die arabische Jugend.

47SOUL ist eine elektronisch-arabische Dabke (Shamstep) Band, die 2013 in Amman in Jordanien gegründet wurde. Die Mitglieder sind in ganz Bilad Al-Sham verwurzelt, das von Amman nach Galiläa, Ramallah und in den Rest der palästinensischen Diaspora reicht.

47SOUL - BALFRON PROMISE (23.03.18) Debütalbum der elektronisch-arabischen Dabke-Band
47SOUL – BALFRON PROMISE (23.03.18) Debütalbum der elektronisch-arabischen Dabke-Band

Mit ihrem neuen, elektronisch-arabischen Dabke-Sound und den politischen und scharfsinnigen Texten haben 47SOUL blitzschnell eine treue, leidenschaftliche Fanschaar in der arabischen Welt, in Europa und auf den anderen Kontinenten aufgebaut. Ihre Debut-Single „Intro to Shamstep“ hat auf Youtube bereits 5,4 Millionen Plays.

Zusätzlich zu den Grooves, die seit Jahrhunderten in der arabischen Welt pulsieren, laden 47SOUL ihren Sound mit analogen Synthesizern, hypnotischen Gitarrenspuren und mehrstimmigem Gesang auf. Jede Show bringt die Crowds erst zum Tanzen und versetzt sie dann in eine tiefe Trance. Ihre Texte, in denen sich Arabisch und Englisch mischen, rufen dazu auf den Kampf um Freiheit und Gleichheit innerhalb von Bilad Al-Sham und auf der ganzen Welt zu feiern und voranzutreiben.

Musikalisch und textlich ist BALFRON PROMISE das Ergebnis von 47SOULs dreijähriger Residency in London, die für die vier Mitglieder eine einzigartige Erfahrung war. Das Album und seine Themen sind sowohl vom modernen London inspiriert wie von der jahrhundertealten Politik, die bis heute das Leben der Mitglieder von 47SOUL mitprägt. In London wohnte die Band vorübergehend im Balfron Tower, der in Videoclips von Musikern wie Oasis, The Verve und Wiley als Hintergrund gedient hat. Das Gebäude war kürzlich von dem Luxusimmobilien-Entwickler Londonewcastle übernommen worden. Die Eigentümer überließen zeitweise mehrere ihrer ungenutzten Wohnungen Künstlern, während sie ihre langjährigen Mieter aus deren Wohnungen vertrieben. Die Erfahrung, ihren Nachbarn dabei zusehen zu müssen, wie sie von größeren, mächtigeren und reicheren Kräften aus ihrem Zuhause vertrieben wurden, war den Künstlern aus Palästina und Jordanien nur allzu vertraut und ein Erlebnis, das die Produktion dieses explosiven Albums mit angeheizt hat.

Der Titel BALFRON PROMISE ist eine bewusste Anspielung auf die Balfour-Deklaration, deren 100-jähriges Jubiläum gerade vergangen ist. Die Songs enthüllen die Gemeinsamkeiten zwischen Teilen der Welt, die wir für ferne, vom Krieg zerrüttete Länder halten und den kulturellen Kriegen und dem Klassenkampf, die wir vor unserer eigenen Haustür erleben. So geht das Album der Idee nach, dass Gentrifizierung und militärische Besatzung vielleicht nicht so verschieden sind, wie wir glauben.

47SOUL gelten als Erfinder des Genre Shamstep (auch der Name ihrer Debüt-EP), das englische und arabische Raps und Popsongs vereint. Shamstep ist aber mehr als nur ein Sammelbegriff für die hipsterfreundliche Verschmelzung von Ost und West. In der Heimat von 47Soul liefert ihre Musik den Soundtrack für die arabische Jugend. Ein zentraler Bestandteil des Shamstep sind die wirbelnden Synthspuren und synkopierten, Raggaeton-ähnlichen Beats der Dabke.

Diese elektronische Kreation mit Elementen arabischer Roots-Musik wurde auf BALFRON PROMISE auf den neuesten Stand gebracht, mit kinoreifen Soundscapes und bedrohlichen Rock-Untertönen, die ihrem Sound einen zusätzlichen atmosphärischen Touch verpassen.

47SOUL haben sich auch einen hervorragenden Ruf als energiegeladenen und berauschenden Live-Act erarbeitet. Unter anderem haben sie beim Glastonbury Festival und beim WOMAD in Großbritannien gespielt. Ihre markanten Hooks und die kraftvollen politischen Texte erzeugen eine starke Resonanz.

Jenseits ihres musikalischen Einflusses haben sich 47SOUL auch als politische Stimme einen Namen gemacht – schließlich ist der Name der Band auch eine Anspielung auf die Besetzung Palästinas. Ihre Texte erzählen oft Geschichten von Unterdrückung und von dem Engagement der Menschen, die sie bekämpfen – nicht nur im Nahen Osten, sondern auf der ganzen Welt.

BALFRON PROMISE erscheint über Cooking Vinyl. Dessen Gründer Martin Goldschmidt ist auch Mitbegründer der Palestine Music Expo ist, die die Musikszene in der Heimat von 47SOUL beleben will.

47 SOUL
Walaa Sbait / Vocals, Davul
Z the People / Vocals, Keys, Electronics
El Far3i / Vocals, MC, Percussion
El Jehaz / Vocals, Guitar, Electronics

TOUR TERMINE:
20.03.18 Aachen – Musikbunker
21.03.18 Bonn – Over The Border Music Diversity Festival
22.03.18 Berlin – Musik und Frieden
23.03.18 Bremen – Theater Bremen
24.03.18 Hamburg – Kampnagel
25.03.18 Wiesbaden – Schlachthof Wiesbaden
27.03.18 CH Bern – School concerts
28.03.18 CH Bern – Bee-Flat im Prog
12.04.18 AT Dornbirn – Spielboden
13.04.18 CH Aarau – KIFF
14.04.18 CH Biel – Le Singe
27.04.18 Ingolstadt – Kulturzentrum
28.07.18 Nürnberg – Bardentreffen

LINKS:
Website: http://47soul.com/
Facebook: http://facebook.com/47soul/
Instagram: http://instagram.com/47soul
YouTube: http://youtube.com/47soul

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VIAGGIO – II (FinestNoiseReleases/Radar)

VIAGGIO – II

Irgendwo an der Schnittstelle von World, Jazz, Ambient und Folk stehen VIAGGIO.

VIAGGIO – II (FinestNoiseReleases/Radar)
VIAGGIO – II (FinestNoiseReleases/Radar)

Die Band, deren Musiker, reichlich erfahren, aus Hamburg, Kiel und Neumüster stammen und uns musikalisch genau das präsentiert, was man durchaus als neu und unverbraucht bezeichnen könnte.

Nicht zuviel Jazz, um den Mainstream-Hörer abzuschrecken, aber genug, um auch den anspruchsvollen Musikkonsumenten für sich gewinnen zu können, genug, um auch offene über-den-Tellerrand-Gucker aus den oben benannten Genres in’s Boot zu holen.

Dass die vier Herren ihre Instrumente beherrschen, muss kaum erwähnt werden und dürfte sich von selbst verstehen.

Schlüssige, runde Kompositionen, fein verziert und dennoch ohne Firlefanz, alles wohl-dosiert mit viel Sinn für die Melodie. Die „II“ von Viaggio ist eine runde Sache geworden, und man kann sich sehr wohl vorstellen, diese Band dereinst auch irgendwo live sehen zu wollen.

Bernocchis Rosebud (mit FM Einheit)

Eraldo Bernocchi „Rosebud“ mit FM Einheit

New York, 23. November 2017 – Der experimentelle, italienische Gitarrist, Elektro-Produzent und Sound-Designer Eraldo Bernocchi trifft in Rosebud auf Percussionist FM Einheit (Mitbegründer der Band Einstürzende Neubauten) und der in London ansässigen Cellistin Jo Quail.

Bernocchis Rosebud (mit FM Einheit)
Bernocchis Rosebud (mit FM Einheit)

„Was mich wirklich fasziniert ist, verschiedene Elemente miteinander zu verschmelzen und zu sehen welche Alchemie des Sounds und Ideen es bei mir hochbringt“, erklärt Bernocchi. „Es ist wirklich schwierig für mich mir ein bestimmtes Ziel zu setzen oder einen Plan zu erstellen, wenn ich anfange an einem neuen Album zu arbeiten. Ich mag bestimmte Leute, Atmosphären, Haltungen des Sounds und Energien, und ich verweile bei ihnen. Es ist so, als würde man losfahren und verreisen ohne ein bestimmtes Ziel zu haben.“

Bernocchi hält großes Lob für seine zwei Mitstreiter auf Rosebud bereit. „FM Einheit ist einer der Gründe warum ich Musik mache. Seine Arbeit mit den Einstürzenden Neubauten hat mich tief beeinflusst, als ich in den 80ern anfing mit Sound zu experimentieren. Wir haben zusammen am Black Engine Projekt gearbeitet, mit Zu. Jo Quail ist eine englische klassisch-geschulte Cellistin mit einem unglaublichen Talent. Sie kann sich umstellen von Orchesterarbeit auf Kompositionen für Streicher und auf Distortion Pedale und wer weiss was sonst noch. Ausserdem teilen Jo und ich eine Vorliebe für bestimmte Metal Bands. Beide Musiker haben eine breite Sound-Palette mit eingebracht und wurden ausgesucht für ihre Fähigkeit sich von einem auf den anderen Moment an neue Formen anzupassen.“

Sowohl der Titel dieses provokativen Trio-Albums Rosebud, als auch der dunkle, Industriemetal Track „Xanadu“ sind Hinweise auf den Hollywood Klassiker Citizen Kane (1941), von Orson Welles gespielt, Regie geführt, produziert und geschrieben. In diesem Film geht es um einen mächtigen und korrupten Zeitungsmagnaten, Charles Foster Kane, der auf seinem Totenbett den Namen seines geliebten Schlitten ausspricht, Rosebud, an den er sich von seiner Jugend her erinnert. Bernocchi hat sich auf die Idee der Erinnerungen bezogen, in seinem eigenen Rosebud. „FM hat die meisten Titel beigesteuert und ich fand sie perfekt“, sagt er. „Die Citizen Kane-Referenz ist aktuell. Man sieht es überall – die Rolle der Medien, Trump, Erdogan, Brexit. Die Erinnerungen, die wir mehr und mehr schätzen, je weiter sie uns entgleiten. Der Machtmissbrauch, die Fake News im Internet, der aufkeimende Populismus. Das alles passiert jetzt! Am Ende habe ich gemerkt, dass alle meine besonders emotionalen Werke, wie Rosebud, sich an Erinnerungen festmachen.“

FM Einheit & Eraldo Bernocchi & Jo Quail

Um eine andere Filmreferenz geht es in „A Moment“, welches Ennio Morricone’s Musik für Sergio Leone’s Spaghetti Western in den 60ern wachruft. „Als ich ein Kind war, habe ich im Fernsehen ‚Für eine Hand voll Dollar‘ gesehen und ich habe mich sofort in diese Musik verliebt. Als Teenager fing ich an Morricone Soundtracks zu kaufen und ich habe niemals damit aufgehört. Er ist ein Genie und ein großer Einfluss nicht nur aus streng musikalischer Sicht, sondern auch bezogen auf die Arrangements. Er hat so innovative Klänge gefunden und hat sie in ‚Klassischeren‘ Stücken verarbeitet. Er hat die Perzeption verändert ohne das jemand seine Intention bemerkt hätte.“

„Kangoo“, welches aus dem Album für seinen 6/8 Groove heraussticht, stellt Cellistin Quail besonders heraus. „FM zeigte mir diesen Groove, diese Sequenz und ich sah einen 6/8, der ganz typisch ist für die marokkanische Gnawa Musik“, erklärt Bernocchi. „Darum hört man eine etwas ethnische Basslinie. Ich hab dann alles im Studio editiert und komponiert‘.“

CITIZEN KANE – Rosebud

Bernocchi, der das Label RareNoiseRecords, in 2008 zusammen mit Giacomo Bruzzo gegründet hat, ist einer der produktivsten Künstler auf dem Label. Er ist erschienen auf den Veröffentlichungen von Obake, Metallic Taste of Blood, Somma und Owls, und hat mit dem Minimalisten, Pianisten/Komponisten Harold Budd für das in London ansässige Label zusammengearbeitet. Nach einer musikalischen Überschneidung auf Rosebud und anderen RareNoise Projekten gefragt, sagt er: „Meine gesamte musikalische Historie ist ein Sich-Überschneiden. Es verwirrt Musikkritiker, Medienvertreter und eine Menge anderer Leute. Alles was ich kreiere bin Ich. Ich plane nicht und ich kategorisiere meine Arbeit nicht. Ich beobachte die Welt als etwas Gesamtes, eine Einheit, und ich benutze diese Herangehensweise auch in meiner Musik. Alles kann, darf passieren und ich liebe den Kontrast.“

Diese Qualitäten der Unvorhersehbarkeit und des Kontrastes kann man auf Rosebud zu hören bekommen, die neuste Soundexkursion von Maestro Bernocchi.

TRACKS Bernocchis Rosebud (mit FM Einheit)

1. Bloom
2. Ministry Of Disinformation
3. Xanadu
4. Kangoo
5. A Moment
6. The Inquirer

DAS LABEL – RareNoiseRecords wurde gegen Ende des Jahres 2008 von zwei Italienern in London ins Leben gerufen, dem Unternehmer Giacomo Bruzzo und dem Musikproduzenten Eraldo Bernocchi. Die Mission des Labels ist, zeitgenössische Trends in progressiver Musik aufzuspüren und diesen eine Plattform zu geben, in dem sie, unabhängig von Genre und ohne jede Voreingenommenheit, in Beziehung zur Geschichte der Artform gebracht werden. Das Label soll eine Inspiration sein, für alle, die gefesselt sind von spannenden, gewagten und progressiven Sounds. Für mehr Infos und zum Reinhören: www.rarenoiserecords.com.

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VERA "Nobody Else"

VERA „Nobody Else“

Musiknerds und aufmerksamen Beobachtern der internationalen Blogosphäre könnte VERA schon ein Begriff sein, auch wenn der dänische DJ und Produzent erst kürzlich begann als eigenständiger Künstler Musik zu machen.

VERA "Nobody Else"
VERA „Nobody Else“
William Asingh, der sich hinter dem Pseudonym Vera verbirgt, arbeitete allerdings schon mit diversen Hochkarätern wie MØ, Solmeia, Off Bloom und Liss zusammen und wird von Szenekennern für seine Produktionen gefeiert. 

Für Letztere produzierte er den Track „Try“, welcher der Band zum Durchbruch verhalf.

Pop-Vocals, sanfte Saxophon- und Gitarrentöne, die an Flamenco erinnern, gemischt mit modernen, elektronischen Beats, ergeben den unvergleichlichen Vera-Sound. Einen ganz besonderen Sound.

Wie besonders, das kann man jetzt auf seiner neusten Single „Nobody Else“ hören!

VERA „Nobody Else“ (Single)
Ultra Records / B1

https://www.facebook.com/veralovesuuu/
https://twitter.com/veralovesuuu
https://www.instagram.com/veralovesuuu/
https://soundcloud.com/veralovesuuu

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Andromeda Mega-Express Ochestra by Christoph-Soeder

Andromeda Mega Express Orchestra ab morgen auf Tour

Explosionen am Firmament, kollektive Streifzüge durch abenteuerliche Klanglandschaften: Andromeda Mega Express Orchestra sind zurück mit ihrem vierten Album „Vula“.

Nachdem das „genresprengende Faszinosum“ (FAZ) zuletzt das 10-jährige Jubiläum mit etlichen Live-Shows zelebriert hat, klingen AMEO im Jahr 2017 deutlich melodischer – aber kein bisschen weniger explosiv und unberechenbar.

ANDROMEDA MEGA EXPRESS ORCHESTRA - ALBUM: Vula (07.07.2017, via Alien Transistor)
ANDROMEDA MEGA EXPRESS ORCHESTRA –
ALBUM: Vula (07.07.2017, via Alien Transistor)

Flirrend bahnt es sich an, mit leichten Winden, tänzelnden Melodien, aber ihre Schuldigkeit tun die altbekannten Isothermen und Isotheren schließlich doch: Blitze zucken durch die vertonte Einträchtigkeit, ungeahnte Energien entladen sich, rollen rhythmisch wie Urgewalten über die Klanglandschaft hinweg. Indem sie inmitten der sich entfaltenden Dramatik mit vereinten Kräften nach wiederkehrenden Harmoniemomenten suchen, Schutzräume aufmachen, bricht das 18-köpfige Großensemble um Leiter und Komponist Daniel Glatzel auf ins vierte Album: „Vula“!

Während auch diese sieben Kompositionen durch zu viele Dekaden, Traditionen und Genres führen, um das in wenigen Zeilen fassen zu können, ist „Vula“ durchaus anders gelagert als der Live-Vorgänger oder auch das letzte Studioalbum „BUM BUM“ von 2012: Weniger kleinteilig und verknüpft durch wiederkehrende Motive und Harmonien, wirkt die LP geschlossener, wie ein vielsträngiges Abenteuer, das erst über seine gesamte Spieldauer seine volle Wirkung entfaltet. „Die Musik wird sich dem Hörer nicht durch flüchtiges Durchzappen erschließen, sondern nur durch konzentriertes Hören in stiller Umgebung, mit gutem Sound und über die volle Länge des Albums“, so Glatzel. „Das mag anachronistisch klingen, aber so hat sich auch die Arbeit dargestellt: Es gab in der jahrelangen Entstehungsphase extrem viele inhaltliche und organisatorische Widerstände, die sehr hohen Einsatz gefordert haben. Trotz des Getöses war aber immer wieder eine klare Eingebung zu spüren, der ich folgen konn
te. Die Musik scheint uns zu sagen: Wenn du dich nicht hingeben kannst, bist du verloren. Und wenn du es kannst, dann kannst du was erleben.“

Andromeda Mega-Express Ochestra by Christoph-Soeder
Andromeda Mega-Express Ochestra by Christoph-Soeder

Seit seiner Gründung 2006 ist das Andromeda Mega Express Orchestra (AMEO) eines der unverkennbarsten und eigenwilligsten Großensembles. In seiner aktuellen Besetzung besteht es unter der Leitung von Komponist, Arrangeur und Saxophonist Daniel Glatzel aus 18 jungen Instrumentalisten unterschiedlichster musikalischer und kultureller Herkunft. Das Kollektiv bewegt sich seit jeher kompositorisch und interpretatorisch zwischen und jenseits der gängigen Musikszenen-Aufteilung und veröffentlichte bisher drei hochgelobte, unkonventionelle Alben ausschließlich mit Eigenkompositionen.

Dabei ist die eingeschworene und fest zusammenarbeitende Gruppe ein vielteiliges Mosaik aktueller Musik: Die Mitglieder sind versiert in Jazz und Neuer Musik, Klassik, Afro-Funk, Electronica, Progressive Rock und Freier Improvisation, sowie Tanz, Theater und Contemporary Performance. Sie arbeiten regelmäßig mit renommierten Künstlern ihrer Gattung zusammen, z.B. als feste Mitglieder im Ensemble Intercontemporain, The Notwist oder als Solisten mit Kenny Wheeler, Tony Allen, Bobby Hutcherson, Cory Arcangel, Robert Wilson, Pina Bausch’s Tanztheater oder Camerata Bern.

Andromeda Mega Express Orchestra LIVE:
14.10.2017 – DE – Berlin, Zafraan Ensemble invites @ Musikbrauerei
19.10.2017 – DE – Bremen, Theater Bremen
20.10.2017 – DE – Köln, Philharmonie
24.10.2017 – DE – Ludwigshafen, Enjoy Jazz Festival
25.10.2017 – AT – Salzburg, Jazz & The City

The Notwist:
andromedameo.com
facebook.com/andromedameo

Alien Transistor:
alientransistor.de
facebook.com/alientransistorlabel
soundcloud.com/alientransistor

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Project Mama Earth mit Joss Stone - Mini Album am 10. November!

Project Mama Earth mit Joss Stone – Mini Album

Impulsiv und spontan – so lassen sich die Aufnahmesessions für das erstaunliche Debüt von Project Mama Earth beschreiben.

Project Mama Earth mit Joss Stone - Mini Album am 10. November!
Project Mama Earth mit Joss Stone – Mini Album am 10. November!
Fünf weltbekannte Musiker trafen sich im Juni 2017 im britisch-ländlichen Devon ohne Songs, Noten oder eine Strategie. Die meisten Bands wäre an dieser Aufgabe gescheitert, doch das Allstar-Line Up von Joss Stone (Gesang), Nitin Sawhney (Gitarre), Jonathan Joseph (Schlagzeug), Étienne M’Bappe und Jonathan Shorten (Keyboards) nahm die Herausforderung an und meisterte sie mit Bravour.

„Die Chance, dass alles in einer musikalischen Katastrophe enden würde, war groß.“, gibt Joseph zu. „Doch als wir dann gemeinsam im Studio standen, wusste ich, dass das Ergebnis großartig werden würde.“

Das Mini Album erscheint am 10.11.2017 bei Provogue / Mascot Label Group. „Mama Earth“ wurde innerhalb von zehn aufregenden Tagen aufgenommen. Das Quintett traf sich schließlich in Joss Stones Heimstudio im ländlichen Devon. „Es war alles sehr spontan.“, erinnert sich Sawhney. „Es ging darum, in kurzer Zeit einen neuen Vibe zu kreieren, den anderen zuzuhören, Ideen einzubringen und kreativ zu sein. Jedes Mal, wenn Du mit so großen Musikern zusammen arbeitest, entwickelst Du Dich selbst weiter, egal wie lange Du selbst schon spielst.“

‘Mama Earth‘ ist keine Durchschnittsmusik. Einen Rockvibe mit einem afrikanischen Rhythmus zu kombinieren, ist ein Kunststück, denn der Gegensatz zwischen den beiden Kulturen ist wirklich stark. Es beginnt erst sanft, doch dann knallen die Türen. Mit Joss‘ und Étiennes Gesang, den Tablas und anderen Percussion Elementen und dem Bikutsi verschmelzen diese Kulturen miteinander. Es ist wirklich unglaublich.“

Vorab gibt es schon mal ein sehr interessantes EPK mit Musik und Interviews und den Titeltrack im Pre-Listening…

“Project Mama Earth“ EPK:

Track Pre-Listening “Mama Earth“:

Project Mama Earth unterstützt das Community Development Network in Kamerun. http://www.codevnet.org/

Mehr Infos: www.jossstone.com

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