The Horrors Frontmann schleicht sich mit seinem Projekt Cat’s Eyes in den Königspalast!
Cat’s Eyes spielen Guerrilla-Gig im Buckingham Palace!Das Pop-Noir Duo Cat’s Eyes mit The Horrors Frontmann Faris Badwan und Sopranistin Rachel Zeffira hat einen echten Coup gelandet: Während einer Kunstgesprächsrunde im Buckingham Palace schlichen sich die beiden Musiker ein und performten mehrere Songs ihres kommenden Albums „Treasure House“ mit historischen Instrumenten. Die anwesenden Gäste und Diplomaten wurden im Glauben gelassen, es handle sich dabei um authentische Kompositionen aus der Renaissance, die im Zusammenhang mit der Kunstsammlung der Queen stehen.
Badwan sang, während Zeffira ein Dulzian spielte. Begleitet wurden sie von einem Flöten-Quintett, welches ebenso ahnungslos wie die Gäste war. Unklar ist allerdings wie das Duo es schaffte sich Eintritt zu einem privaten Empfang eines ausländischen Botschafters im „sichersten Ort Londons“ zu verschaffen. Die britischen Medien von der Daily Mail über den Mirror bis hin zur Times feierten diesen Coup des Duos mit zahlreichen Schlagzeilen, sowie TV und Radio-Beiträgen.
Die Performance gibt es hier zu sehen:
Der performte Song ist „We’ll Be Waiting“ aus dem kommenden Album „Treasure House“, welches am 03. Juni über RAF via Kobalt Label Services erscheint. Cat’s Eyes, die erst kürzlich den European Film Award in der Kategorie „Best Composers“ für den Soundtrack für Peter Stricklands „The Duke Of Burgundy“ gewannen, haben durchaus ein Faible für derartige Guerilla Aktionen. So spielten sie ihren ersten Gig überhaupt vor fünf Jahren im Vatikan unter ähnlichen Umständen. Selbstverständlich wurde dies ebenso filmisch festgehalten.
Und auch das erste Video „Drag“ zum Album „Treasure House“ ist durchaus sehenswert, wenn auch aufgrund der dargestellten Gewaltszenen nicht für jeden unbedingt gut erträglich.
Am 1. Oktober 2013 verwandelte der britische Streetart-Künstler Banksy die Stadt New York für einen Monat in die größte Open-Air-Kunst-Galerie der Welt.
Banksy Does New York DVDJeden Tag tauchte an einem zuvor nicht bekanntgegebenen Ort in der Stadt ein neues Bild oder Kunstwerk des mysteriösen Künstler-Phantoms auf. Eine 31 Tage andauernde Schnitzeljagd begann und versetzte die New Yorker Kunstszene, viele Fans und vor allem die sozialen Medien in Aufruhr.
Um diesen Monat der Kunsthysterie festzuhalten, wurden für den Film nutzergenerierte Inhalte der New Yorker und von Banksy-Jägern zusammengetragen – von Youtube-Filmen über Instagram-Fotos bis hin zu Mitschnitten der lokalen TV-Sender.
Die gesammelten Reaktionen werden dadurch gleichsam Teil dieses Kunst-Happenings.
Mit „Banksy Does New York“ ist ein umfassendes, subtiles und amüsantes Porträt einer gelungenen Kunst-Aktion entstanden – an dem der Künstler selbst seine Freude haben wird.
Genre: Dokumentation
Kultur & Gesellschaft
Land: USA
Regie: Chris Moukarbel
Produktion: HBO
Originaltitel: Banksy Does New York
Pressestimmen
„Ein bravourös umgesetztes Doku-Feature. Geradezu spielerisch, unkonventionell und frech.“
The Globe and Mail, Toronto
„Einen Monat lang verwandelte der mysteriöse Graffiti-Künstler Banksy New York in seine Privatgalerie und versetzte die Stadt in Aufruhr. Jeden Tag tauchte ein neues Werk auf. Die tollste Schnitzeljagd, die die kunst- und kultbesessene Metropole New York City seit langem erlebt hat.“
Spiegel Online am 1.11.2013 zur Kunstaktion Banksy in New York
Das Staatsballett Berlin wagt etwas Neues! Eine choreographische Auseinandersetzung mit Folter und Terror von Nacho Duato
Mit „Herrumbre“ betritt das Staatsballett Berlin ästhetisches Neuland
Die Zeit der bunten Figuren und pompös inzsenierten Stücke ist zunächst vorbei und der Februar steht beim Staatsballett Berlin im Zeichen des Terrors. Bei Herrumbre, handelt es sich um einen politischen Aufruf des Intendanten Nacho Duato, dem damit ein wichtiges, modernes Stück gelungen ist.
Unter den Eindrücken der Terroranschläge in Madrid von 2004 und den Bildern aus dem US-amerikanischen Gefangenenlagers Guantanamo entschloss sich Nacho Duato, den Terror und die Abgründe menschlichen Schmerzes zum Thema einer neuen Choreographie zu machen. Unerbittlich zeichnet er Spuren erlebten Schmerzes choreographisch nach. Zugleich formuliert er mit seiner Inszenierung einen Aufruf zur Wahrung der menschlichen Würde.
Staatsballett Berlin – Foto: Fernado MarcosHerrumbre ist unterlegt mit elektronischen Klängen, die mit klassicher Streichmusik kombiniert werden. Erstmals wurden Pedro Alcalde und Sergio Caballero beauftragt, eigens für diese Choreographie die Musik zu erschaffen. Pedro Alcande leitet weltweit in zahlreichen Konzertsälen und Opernhäusern namhafte Orchester und arbeitete bereits mit Richie Hawtin zusammen. Sergio Caballero ist einer der drei Leiter des Sónar-Festivals in Barcelona.
Die Premiere ist am 14. Februar um 18.00 Uhr. Weitere Vorstellungen sind am 16., 18., 21. und 26. Februar, jeweils um 19.30 Uhr sowie am 28. Februar um 15.00 Uhr in der Staatsoper im Schiller Theater.
Berliner Erstaufführung HERRUMBRE Choreographie Nacho Duato
Musik Pedro Alcalde, Sergio Caballero und David Darling („Dark Wood“)
Bühne Nacho Duato
Kostüme Francis Montesinos
Licht Brad Fields
Es tanzen Solisten und Corps de ballet des Staatsballetts Berlin. Die Spieldauer beträgt 65 Minuten ohne Pause.
Am 29.12.2015 um 12:00 Uhr beendete Der Bürgermeister der Nacht angeschlagen, aber stehend mit einem letzten, schwungvollen Set sein 24 Stunden-Konzert in der Hamburger Astra Stube.
In den vorhergehenden 24 Stunden wurde sein Programm 20 Mal aufgeführt und variiert. Er improvisierte, förderte Abseitiges zutage, begrüßte Gäste und ging der Frage nach, was passiert, wenn man das, was eine Band am liebsten macht, bis zum Exzess betreibt. Dabei wurde das Ritual „Konzert“ so sehr aufgebrochen, dass es wieder zum rohen Aufeinandertreffen von Publikum und Musikern wurde. Bilder dieser denkwürdigen Momente findet Ihr hier:
Weiter geht es im metatronischen Staccato! Nimmermüde präsentiert der Bürgermeister Conny Winters Video zu Naomi Samples Remix von „Der Wilde, das Licht und was aus uns wurde“.
Die vorliegende Arbeit ist ein Video zur Remix- Platte „Kennen Sie den Bürgermeister?“, die noch vor „In Champagnerlaune“ als Downloadalbum auf Hand11 veröffentlicht wurde.
Kongenial transzendieren Remix und Video den Bürgermeister in lichte Sphären, dort wo Klebeband, Urschrei und Kaleidoskop im Gleichschritt der Sonne entgegen marschieren. Die Videoarbeit entstand als Gemeinschaftswerk des Kunstkollektivs Krautzungen und wurde in ihrer Urform erstmals 2012, anlässlich der Ausstellung „Splendid Isolation“(http://krautzungen.org/splendid-isolation/), im Hamburger ISLAND gezeigt.
Der Videoinstallation liegt die Frage zugrunde, was dort entsteht, wo Wildheit und das Licht der Erkenntnis sich erstmals begegnen. Die Klebebandinstallation ist eine Arbeit der Künstlerin Fiona Hinrichs nach einer Idee von Fynn Steiner. Darsteller ist Joachim Franz Büchner. Die Überarbeitung des Materials hat der Hamburger Künstler Conny Winter vorgenommen.
Der Bürgermeister der Nacht live 2016: 26.2. Zürich / Helsinki
28.2. Thun/ Cafè Mokka
2.- 4.9. / Platzhirsch Festival Duisburg
35 Jahre nach ihrer Gründung sind Laibach noch immer eine der rätselhaftesten, meist prophetischen und authentischen Künstler dieser Welt. Als selbsternannte Ingenieure der menschlichen Seele, lassen sie einen grübeln, tanzen und marschieren auf die gleiche Musik. Dieses Mal jedoch, unterstützt durch das RTV Slowenische Symphonie Orchester, bleibt man an seinen Platz genagelt!
Ein Gespenst geht um in Europa … der Geist von Laibach …Gegründet im Todesjahr Titos in der Industriestadt Trbovlje, dem sogenannten revolutionären Red District von Slowenien, kam Laibach zu Ruhm, als ihr Land vor dem Zerfall stand. Seit ihrer Gründung haben sie sich konsequent gegen Etiketten jeglicher Art gewehrt, und weigern sich, als „Rock“, „Pop“, „Techno“ oder „Industrial“ kategorisiert zu werden. Als erste Band seiner Art ist Laibach im August 2015 im geheimnisvollen Nordkorea aufgetreten, einem zurückgezogenen Garnisonsstaat, der sowohl bekannt steht für seine Militärmärsche, Massengymnastik und Hymnen an den großen Führer, als auch für seinen trotzigen Widerstand gegen die westliche Popkultur.
The Henry Le Boeuf HallZusammen mit dem RTV Slowenischen Symphonie Orchester präsentieren die Stadt Ljubljana, das Ljubljana Festival und BOZAR am 9. Februar 2016 ein einzigartiges Konzert von Laibach, an einem ganz besonderen Ort. Der junge slowenische Komponist Anže Rozman arrangierte die Orchestrierungen und Simon Dvoršak wird das Orchester dirigieren. Das Publikum wird neue Interpretationen von bekannten Laibach Songs präsentiert bekommen, die unter anderem auf ihren Sound of Music- und Spectre Projekten zu hören sind.
THE SOUND OF MUSIC The Sound Of Music with RTV Slovenia Symphony Orchestra at BOZAR
Laibach mit dem RTV Slowenischen Symphonie Orchester
BOZAR BRÜSSEL
Henry Le Boeuf Hall
9. Februar 2016, 20.00
Eurovision Lyrics
There are crowds in the streets
They are crying to be heard
There are crowds in the streets
They are crying to be heard
I hear echoes of voices
I hear echoes of voices
They are trying so hard
But the ears are kept shut
Trying so hard
But the ears are kept shut
Trying so hard
But the ears are kept shut
I see millions of hands
They are raised to the sky
I see millions of hands
They are raised to the sky
I see visions of outrage
I see visions of outrage
They are trying so hard
But the eyes are kept shut
Trying so hard
But the eyes are kept shut
Trying so hard
But the eyes are kept shut
Europe is falling apart
Europe is falling apart
Europe is falling apart
Europe is falling apart
Europe is falling apart
In the absence of war
We are questioning peace
In the absence of God
We all pray to police
Oceans of people
Oceans of souls
Oceans of people
Oceans of souls
They are trying so hard
But the minds are kept shut
Trying so hard
But the minds are kept shut
Trying so hard
But the minds are kept shut
Europe is falling apart
BOZAR BRUSSEL Henry Le Boeuf Hall
9. Februar 2016, 20.00 Uhr
PRESSESTIMMEN
Focus: „Wie immer gilt auch hier: Wer nur oberflächlich hinhört, hat verloren.“
Stormbringer.at: „Kontrovers, provokativ – aber auch experimentell, originell und ingeniös, das sind jene Adjektive, die bei LAIBACH als tragende Grundpfeiler wie ein Fels in der Brandung stehen.“
Roling Stone: „Gescheit, eloquent und raffiniert, aber in der Opulenz der Mittel so überwältigend wie ein militärischer Schlag. Kurz: „Spectre“ ist das beste Laibach-Album seit „NATO““.
Whiskey Soda: Laibach sind trotz ihres wunderbar komischen, ironischen Gutmenschengetues immer noch die beißend politische Band, die sie schon immer waren. „We are Laibach – and you will be assimilated.“ Gut so!“.
35 Jahre nach ihrer Gründung in der damals noch jugoslawischen Industriestadt Trbovlje sind Laibach die bekannteste und bis heute international erfolgreichste Rockband, die je einem ehemaligen Ostblock-Staat entsprungen ist.
Laibach
Laibach gründeten sich im Todesjahr Titos, als ihr Land vor dem Zerfall stand.
Mit ihrem letzten Album SPECTRE (zwei Jahre vor dem gleichnamigen James Bond Film erschienen) gelang Laibach ein weiterer wichtiger Schritt ihrer Karriere. Klang das Album wie ein politisches Manifest in Versform, haben Laibach mit dem nächsten Schritt erneut Öffentlichkeit und Weltpresse zu kontroversen Diskussionen geführt.
Grund dafür ist ihre im August 2015 absolvierte Liberation Day Tour, bei der sie zwei Konzerte im nordkoreanischen Pjöngjang spielten und damit die erste westlich geprägte Rockband waren, die in dem abgeschottetenStaat überhaupt auftreten konnten.
Die Liberation Day Tour fand im Rahmen der Feierlichkeiten zum 70. Jahrestag des Endes der japanischen Besatzung in Nordkorea statt. Bei ihrer einzigartigen Reise durch Nordkorea wurden Laibach von einem Kamerateam begleitet, das aus den Filmaufnahmen eine abendfüllende Dokumentation produziert. Die Filmpremiere ist für das Frühjahr 2016 geplant. Der Doku-Trailer und eine exklusive Sneak-Preview wird bei den Shows der Sound Of Music Tour präsentiert.
LAIBACH – THE SOUND OF MUSIC
Im Rahmen ihrer nun angekündigten 2016er Sound Of Music Tour präsentieren Laibach Teile des Programms, das auch in Pjöngjang zur Aufführung kam. Wie der Tour-Name schon verrät, wird es auch Neuinterpretationen der Songs des auch in Nordkorea wohlgeschätzten Musicals „Sound Of Music“ enthalten. Zudem werden natürlich auch ältere Songs ihres Repertoires gespielt. Darunter Songs wie “Now You Will Pay” und “The Great Devide” aus ihrem 2003er Album WAT, die sich beide mit Flüchtlingskrisen in Europa und dem Mittleren Osten beschäftigen.
Nachdem Laibach letztes Jahr von ihrer erfolgreichen Tour durch Nordamerika zurückkehrten, feierten sie nicht zufällig am 4. Juli ihr 35jähriges Bandbestehen standesgemäß in ihrer Heimatstadt Trbovlje, gefolgt von einer traditionellen Feier auf dem nahegelegenen Berg Kum und einem rooftop concert auf dem Museum für zeitgenössische Kunst in Zagreb.
Zu einen Tourtermin statten Laibach auch dem Berliner Haus Der Kulturen Der Welt einen Besuch ab, wo sie im Rahmen des Veranstaltungsreihe “Krieg Singen” neben u. a. Zeitkratzer, Milo Rau, FM Einheit, Andreas Ammer und Alexander Hacke auftreten.
Zuletzt widmete das Museum für moderne Kunst der slowenischen Hauptstadt Ljubljana Laibach eine große Retrospektive zu ihrer Arbeit als interdisziplinäres Künstlerkollektiv NSK (Neue Slowenische Kunst).
THE SOUND OF MUSIC –TOURDATES
13.1. Nürnberg – Hirsch
14.1. Berlin – Haus der Kulturen Der Welt
16.1. DK-Kopenhagen – Concert Huset
17.1. SE-Stockholm – Debaster Medi
18.1. NO-Oslo – Parkteatret 19.1. Hamburg – Knust
20.1. Köln – Live Music Hall 21.1. IT-Mailand – Magnolia
09.2. BE-Brüssel – Palais des Beaux-Arts
“…the unlikely godfathers of Occupy and Anonymous (…) More relevant than ever. (…) Laibach at their best blur art and confrontation”. (The Guardian)
‘Laibach’s most uplifting pop moment’ (Terrorizer)
‘Laibach’s endlessly provocative pop-art has made the average Turner Prize winner seem like a child getting a little bit transgressive with its Lego.’ (The Quietus)
‘Compelling electro assault on the disintegration of modern society.’ (The Times)
‘Bewildering, ambitious and ripe for misinterpretation and overanalysis’ (Rock A Rolla)
‘Eccentric outing from one of European pop’s most enduring bunch of oddballs. (…) For pop fans there’s a fair amount to like on Spectre’. (Classic Pop)
‘Their most direct album since they soundtracked a disintegrating Yugoslavia at the end of the Cold War. (…) One of the oddest albums you’ll hear this year’. (Q Magazine)
Filmclub Baukultur 2011 zeigt Architekturfilme an außergewöhnlichen Orten.
Filmclub Baukultur 2011 zeigt Architekturfilme an außergewöhnlichen Orten
Der Filmclub Baukultur 2011 startet am 3. Mai 2011 mit der Deutschlandpre-miere des Dokumentarfilms „The Museum – Daniel Libeskind“ von Kenton Vaughan in der englischen Originalfassung.
Spannend und unterhaltsam dokumentiert der Film den Umbau und die Erweiterung des Toronto Royal Ontario Museum von Daniel Libeskind, die Genese einer Vision aus Kunst und extravaganter Persönlichkeit, aus Stahl und Beton.
Das Gebäude des visionären Architekten Norman Foster mit der markanten Form und dem inoffiziellen Namen „The Gherkin“ („Die Gurke“) beeinflusste zugleich die Karriere des Architekten, das Image des Unternehmens Swiss Re und die Skyline von London.
Mirjam von Arx und ihr Team begleiteten die Planung und den Bau des Hauptquartiers des Schweizer Versicherungskon-zerns Swiss Re in London über einen Zeitraum von viereinhalb Jahren. Die Ergebnisse fasste die Schweizer Regisseurin in dem Film „Building The Gherkin – Norman Foster baut in London“ zusammen.
Der Film in englischer Originalfassung mit deutschen Untertiteln läuft am 11. Mai 2011.
Am 18. Mai 2011 dokumentiert „Empire St. Pauli – Von Perlenketten und Platzanweisern“ von Irene Bude und Olaf Sobczak die Entwicklung von Hamburgs berühmtesten Stadtteil.
Eine der letzten Lücken in der „Perlenkette“ an der Elbe wird geschlossen und immer mehr Gut- und Bestverdienende leben und arbeiten nun im ehemals armen St. Pauli.
Im Film kommen St. PaulianerInnen zu Wort und bilden jenseits von Rotlicht, Kleinkriminellen und Arme-Leute-Klischee ein vielfältiges Meinungsspektrum ab.
Den Abschluss der Reihe bildet am 25. Mai 2011 der Film „Rem Koolhaas – A Kind of Architect“.
Markus Heidingsfelder zeichnet das Bild eines Menschen und Künstlers, der eine typische Ästhetik entwickelt und dessen Bauten auch jenseits postmoderner Spielereien noch etwas zu sagen haben. Dem Hol-länder Rem Koolhaas ging es nie um das einzelne „masterpiece“, sondern stets darum, zu provozieren und Spannung zu erzeugen. Die Seattle Library, die Casa da Música in Porto oder die Niederländische Botschaft in Berlin sind eindrucksvolle Beispiele seiner Architektur.
3. Mai 2011, 20 Uhr, Stadthaus 1, Natruper-Tor-Wall 2, 49074 Osnabrück, Raum 717/718: „The Museum – Daniel Libeskind“ (von Kenton Vaughan, 2008)
Einführung: Architekt Dipl.-Ing. Daniel Jo Krüger, SCHNEIDER & SŒHNE Architekten und Designer, Berlin (ehemaliger Mitarbeiter im Büro Libeskind)
11. Mai 2011, 20 Uhr, Iduna-Hochaus, Erich-Maria-Remarque-Ring 11, 49074 Osnabrück, Schwimmbad im 19. Stockwerk: „Building the Gherkin – Norman Foster baut in London“ (von Mirjam von Arx, 2005)
Einführung: Dr. Jons Messedat, Institut für Corporate Architecture, Stuttgart
18. Mai 2011, 20 Uhr, Neue Osnabrücker Zeitung, Breiter Gang 10-16, 49074 Osnabrück, Konferenzraum 5B, Zugang über Breiter Gang: „Empire St. Pauli – Von Perlenketten und Platzanweisern“ (von Irene Bude und Olaf Sobczak, 2009)
Einführung: N.N.
25. Mai 2011, 20 Uhr, Universität Osnabrück, Fachbereich Kunst, Seminarstraße 33, 49074 Osnabrück, Zeichensaal Raum 308, Eingang im Hof: „Rem Koolhaas – A Kind of Architect “ (von Markus Heidingsfelder, 2006)
Einführung: Prof. Dr. Falk Jaeger, Architekturkritiker, Berlin
Ein Programm. Es geht um Liebe. Lyrik, bis an die Seele bewaffnet. Musik, bis zum Herzen entwaffnend. Poesie – gesungen, gelesen, melodisch und rhythmisch aufgefasst.
Schnermann's Poetryclan "All What Love"
Die verschiedenen Ausdrucksformen dürfen bei Schnermann’s Poetryclan fließen. Ineinander, übereinander, miteinander. Etwas Eigenständiges entsteht.
Andreas Schnermann, Pianist, Komponist und Bandleader des Poetryclans, vertont englische Liebesgedichte zu von Jazz inspirierten Songs, die von der Sängerin Inga Lühning zu gleichsam luftigen und erdigen Bildern komplettiert werden.
Bekannte Schauspieler und Sprachkünstler greifen die gleichen, zuvor von Johannes Tröger ins Deutsche übersetzten Texte wieder auf und beleben sie auf höchst unterschiedliche Weisen erneut.
All What Love, das Debütalbum von Schnermann’s Poetryclan aus Köln, ist eine musikalisch-lyrische Liebeserklärung zu Tönen, Sprache, Gesang, Literatur.
22 für sich stehende Kunststücke, die, angefangen bei Rupert Brookes Libido und endend mit When We Two Parted, menschliche Sehnsüchte, Abgründe, Selbstzweifel und Hochmütigkeiten zu einem CD-Programm über die Liebe verbinden – großes Kino für Körper und Seele, ohne den Kopf zu vernachlässigen.
Joachim Król intoniert dunkle und helle Momente der Liebe. Otto Sanders Leidenschaft für nuancenreiche Sprache ist unbedingt präsent, wenn er die Größe der Wörter von Byrons Sie sagen: Hoffnung ist Glück fühlbar inszeniert.
Christian Brückner, die deutsche Stimme Robert de Niros, konnte für die Rezitation von Larkins Der Morgen breitet sich schon wieder aus gewonnen werden. Weitere Rezitatoren wie Maria Schrader, Hannah Herzsprung, Sophie von Kessel, Roger Willemsen, Felix Vörtler, Heio von Stetten und Burghart Klaußner gaben All What Love mit ihren Namen und ihrem Enthusiasmus einen großen Vorschuss. Ein Wagnis.
Seit Mitte der Nullerjahre hält Andreas Schnermann das Clan-Stammbuch in der Hand, dessen Mitgliedseinträge seither um ein paar konstante und etliche gelegentliche Charaktere erweitert wurden. Der berühmte Funeral Blues, im Film Vier Hochzeiten und ein Todesfall wiederentdeckt, inspirierte Schnermann zur Vertonung von Gedichten W.H. Audens.
Die CD Tell Me The Truth About Love entstand in Zusammenarbeit mit der Sängerin Inga Lühning. Das Album fiel Joachim Król in die Hände, machte nachhaltigen Eindruck und ließ den Schauspieler Ausschau halten nach Schnermann. Für einen ersten gemeinsamen Auftritt während der lit.cologne 2007 wurde Johannes Tröger an Bord geholt.
Seine deutschen Übersetzungen bildeten den Grundstoff für das Musik-Hörbuch Sag mir die Wahrheit über die Liebe, auf dem Joachim Król zu Schnermanns Musik Audens Gedichte interpretierte. Eine zweijährige Tour folgte. Obwohl Schnermanns Kreativkind seinen heutigen Namen noch nicht besaß, wurden große Häuser voll.
Festivals buchten die Band und immer häufiger wurde gefragt, warum es das Konzertprogramm – Rezitationen der übersetzen Texte auf Deutsch, neben gesungenen Interpretationen in englischer Sprache und von der Lyrik inspirierten Kompositionen – nicht komprimiert auf einer CD gab. All What Love ist die Album gewordene Antwort.
Keine klassische Musik-CD, aber auch kein Musik-Hörbuch, sondern ein Wagnis, sozusagen der logische, nächste Schritt. Musik und Lyrik erleben eine beispiellose Gleichwertigkeit, weil der äußerst lebendige Club der toten Dichter aus Köln Musikpoesie kreiert. Ein Abenteuer.
Wie können Atemstocken, Herzrasen, Verzweiflung und lebendiges Erfahren der Liebe, der Verlustängste, der Hoffnungen und des Scheiterns, der Nähe und Distanz, des Himmels und der Hölle von William Shakespeare, Lord Byron, Thomas Lovell Beddoes, Christina Rossetti, Rupert Brooke, William B. Yeats, Edna St. Vincent Millay und Philip Larkin anders als bisher empfunden werden? Schnermann’s Poetryclan nähert sich deren Werken respektvoll, aber keineswegs starr.
Hin und wieder mit erhobener Augenbraue, manchmal mit Humor, aber immer mit einem unerhörten Maß an Hingabe und emotionaler Intensität. Dabei entstehen frühlingshaft lebendige, herbstlich-melancholische und manchmal wie von Schnee verpackte sanfte und leise Bilder. Ein Novum. Vielleicht.
Aber sicher keine Mission. Es gibt keine Verpflichtung, zu wissen, wer Lord Byron oder Christina Rossetti waren, um All What Love verstehen und genießen zu können. Schnermann’s Poetryclan hat einen künstlerischen Anspruch sich selbst gegenüber, er folgt aber keinem Erwachsenenbildungsauftrag. Im Gegenteil. Die Option, individuelle Annäherungen an die Gedichte finden zu können, ist gewünscht.
Die vier Interpretationsvarianten der Debüt-CD von Schnermann’s Poetryclan – Vertonung, Gesang, Übersetzung, Rezitation – räumen der Vorstellungskraft der Zuhörer den gebührenden Platz ein. Somit bleibt alles, was die Liebe noch ist, der persönlichen Geschichte jedes Einzelnen überlassen, der sich von der Musikpoesie des Albums entführen lässt.
In die Seelenwelt der Autoren, die Gedichte für die Ewigkeit schrieben. Und schließlich zurück in die eigene Seelenwelt. Die Stimmungen der Liebe sind endlos. Die Auseinandersetzungen mit den Texten auch.
Es gibt keine definitive Annäherung an die Ausdruckskraft der Verfasser. Aber es gibt die Vorstellungskraft und das Gefühlsempfinden von Frauen und Männern, Mädchen und Jungen, Liebenden und Verlassenen, Hoffnungsfrohen und Enttäuschten, Leidenden und Glücklichen.
Sie alle werden sich in der Liebesauffassung von All What Love wiederfinden, neu finden und sogar weitere Perspektiven an Musik und Lyrik erkennen. Den Sinnen sind keine Grenzen gesetzt. Warum sollten sich die Liebe und die Hingabe für Musik und Lyrik Grenzen setzen lassen?
Ausstellung: 27. April – 29. Mai 2011 – Cinema 2011 – Das Filmprogramm des 24. EMAF
24. EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL
Für das Programm des 24. European Media Art Festivals in Osnabrück hat die Film- und Videokommission aus mehr als 2200 eingesandten Beiträgen etwa 110 Kurz- und Langfilme, Musikvideos und Animationsfilme ausgewählt.
Sonderprogramme wie „Japanese Media Art Now“, die Retrospektive mit Filmen des amerikanischen Experimentalisten Standish Lawder und die Auswahl des Media Campus ergänzen das Filmprogramm.
Ein Trend, der sich schon im vergangenen Jahr abzeichnete, lässt sich auch an den Einreichungen 2011 ablesen: Die Zeit der rein formalen Experimente scheint passé. Verstärkt beschäftigen sich die Filme mit dokumentarischen, narrativen Themen, wobei der Formaspekt eher als Gerüst oder Vehikel zum Transport der filmischen Inhalte dient.
Ein Thema, mit dem sich viele Filmemacher beschäftigen, ist das Ende einer Ära des Fortschrittsglaubens an die absolute Beherrschbarkeit technischer Entwicklungen und des Willens mithilfe dieser, in neue Welten vorzustoßen. Anna Abrahams verwendet historisches Material einer Arktisexpedition, um den Mythen und Behauptungen, schon in der Antike seien Menschen am Nordpol angelangt, einen (Gegen-)Beweis zu liefern.
Sputnik, Challenger, Voyager und der vor kurzem in Rente geschickte Spaceshuttle sind Beispiele technischer Abenteuer, die ganze Generationen begeisterten. „The Voyagers“ von Penny Lane beschreibt anhand historischen NASA Materials die Lebens- und Liebesgeschichte der beiden Initiatoren, deren Idee der Voyager-Rakete eine ‚Golden Disc‘ mitzugeben, heute noch erstaunt. Auf die Disk wurden Musik, Sprache und Geräusche aufgespielt, um möglicher außerirdischer Intelligenz einen auditiven Eindruck unserer zivilisierten Welt zu geben.
Wider besseren Wissens hält der Mensch sich und die Erde scheinbar immer noch für das Zentrum der ihn umgebenden Welt. Siegfried Fruhauf hat mit seinem visuell beeindruckenden Film „Tranquility“ dafür ein schönes Bildtableau gefunden – Dädalus lässt grüßen.
Häufig behandeln die Videos auch sozialkritische, politische oder komplexe historische Zusammenhänge. Dabei werden Schauplätze, z. B. der Kolonialgeschichte, in den Kontext der eigenen Person und Sozialisation gesetzt. Die Portugiesin Raquel Schefer setzt im Film „Avó (Muidumbe)“ altes Super-8 Filmmaterial in einen politisch motivierten, persönlichen Kontext, indem sie die Kleidung, die ihre Großmutter bei der Reise in die damals portugiesische Kolonie Mosambik trug, nachschneidern lässt – und damit bekleidet – die teils burlesque Ankunftsszene re-inszeniert.
‚Re-enactment’ ist auch in vielen anderen Filmen der formale Ansatz, um Geschichte und Geschichten anders auf die Spur zu kommen. In „?wie?e wi?nie/Fresh Cherries“ lässt Anna Baumgart eine bedrückende – und oftmals unterdrückte – Wahrheit in den Konzentrationslagern der Nazis nachspielen. In einer stilisierten Baracke inszeniert Baumgart die Leidensgeschichte zweier jüdischer Polinnen, die in Auschwitz zur Prostitution gezwungen wurden und selbst über 50 Jahre danach aus Scham nie darüber sprechen konnten.
Pip Choderov präsentiert seinen Film „Free Radicals“ – ein Rückblick auf die eigene Biografie und eine Hommage an den neuseeländischen Großmeister des Handmadefilms Len Lye. Aufgewachsen in einem amerikanischen Filmemacherhaushalt, kam Choderov schon in seiner Jugend mit dem Experimental- und Avantgardekino in Berührung. Ikonen wie Stan Brakhage, Jonas Mekas und Robert Breer wurden seine Bezugspersonen und geben in diesem Film ihrem Gefühl des neuen, progressiven Filmemachens und gesellschaftlichen Aufbruchs in den 60er Jahren in Interviews und Filmausschnitten Ausdruck.
Neben den thematisch geordneten Programmen zeigt das EMAF natürlich auch wieder Unterhaltsames wie zum Beispiel die POP-Parade, ein Programm mit Musikclips der besonderen Art. Auch der Fruit Basket ist kein gewöhnliches Kurz- und Animationsfilmprogramm, vielmehr eine „Tour de Force“ durch das visuelle Schaffen einer jungen Art-Clip Generation.
Die Retrospektive ist Standish Lawder gewidmet, der auch heute, im Alter von 75 Jahren, noch in seinem „Denver Darkroom“ jungen Fotografen und Filmemachern den Umgang mit analoger Bildgestaltung lehrt. Als Deutschlandpremiere präsentiert er sein filmisches Gesamtwerk, allerdings nicht auf einer DVD sondern als Original 16mm Kopien.
Das Japan-Programm „Japanese Media Art Now“ umfasst eine Auswahl an neuen Filmen des Japan Media Arts Festivals in Tokyo, Kinofilme sowie eine Retrospektive von einem der führenden Experimental-Filmemacher des Landes, Takashi Ito.
„In der Ferne, so nah“ zeigt Filme und Videos von Künstlern aus verschiedenen Ländern der arabischen Welt, zum Beispiel aus Ägypten, Syrien, Tunesien, Palästina, Libanon und dem Irak. Sie stellen eine Vielzahl von ästhetischen und experimentellen Ansätzen dar und werden von der Kuratorin Charlotte Bank vorgestellt.
Das Filmprogramm des diesjährigen EMAF behandelt zahlreiche Inhalte und repräsentiert die experimentelle Medienkunst aus ganz verschiedenen Blickwinkeln. Getreu dem Motto: This Is Media Art.
Alle Neuigkeiten und Infos sowie einige Pressefotos gibt es unter www.emaf.de und regelmäßig auch auf facebook, twitter, vimeo und flickr.
European Media Art Festival
Das EMAF in Osnabrück zählt zu den bedeutendsten Foren internationaler Medienkunst und ist ein offenes Labor für kreative und künstlerische Experimente, die zur Weiterentwicklung der Medien und der Ästhetik ihrer Inhalte beitragen.
Als lebendiger Treffpunkt für Künstler, Kuratoren, Verleiher, Galeristen und ein interessiertes Fachpublikum hat es Thematik und Ästhetik der medialen Kunst entscheidend mitgeprägt.
// KONZEPT UND FESTIVALLEITUNG
Hermann Nöring, Alfred Rotert, Ralf Sausmikat.
// FÖRDERER
nordmedia – Die Mediengesellschaft Niedersachsen/Bremen mbH
2200 Einreichungen bewerben sich um die Preise des EMAF!
Das European Media Art Festival (EMAF) in Osnabrück ist mit seinen internationalen Film- und Videoprogrammen und seiner Medienkunstausstellung deutschlandweit das einzige Festival, das die ganze Bandbreite des experimentellen Medienschaffens und die Werke der Schnittstellen von experimentellem und narrativem Kino zeigt.
European Media Art Festival 2011
Auch in diesem Jahr werden im Rahmen des 24. EMAF vom 27. April – 1. Mai 2011 rund 250 Beiträge präsentiert.
Aus über 60 verschiedenen Ländern erreichten das EMAF mehr als 2200 Einsendungen, darunter Kurz- und Langfilme, Musikvideos, Soundprojekte, Installationen und Performances.
Die Film- und Videobeiträge werden von der Kommission des EMAF 2011, bestehend aus Florian Wüst, Berlin, Katrin Mundt, Essen, Jennifer Jones, Köln, und Ralf Sausmikat (EMAF) gesichtet und bewertet.
Künstler aus Deutschland, den USA, Spanien, England aber auch einige aus z. B. Taiwan, Mosambik oder dem Libanon hoffen, dass ihr Beitrag Teil dieses Programms wird und einen der ausgelobten Preise gewinnt: Außer dem „EMAF-Award“, dem „Dialogpreis“ des Auswärtigen Amts und dem „Preis für den besten deutschen Experimentalfilm“ wird in diesem Jahr erstmals auch ein „EMAF Newcomer-Award“ vergeben.
Einen inhaltlichen Schwerpunkt des EMAF bildet der Themenbereich Japanese Media Art Now, der anlässlich des Jubiläums „150 Jahre Freundschaft Deutschland – Japan“ gezeigt wird.
Neben Animationsfilmen und Manga-Produktionen, die in Japan ein Millionenpublikum faszinieren, sind die international preisgekrönten Performances „Braun Jazz Tube Band“ von Ei Wada und „Rheo“ von Ryoichi Kurokawa weitere Highlights des Programms.
In der Ausstellung Planet M vom 27. April bis 29. Mai 2011zeigt das Osnabrücker Medienkunstfestival aktuelle Positionen international anerkannter Künstler sowie Arbeiten junger Talente.
Moving Stories bildet hierbei den Hauptteil und wurde in Kooperation des EMAF mit fünf weiteren europäischen Kunstinstitutionen zusammengestellt. Die Künstlerinnen und Künstler erforschen neue Formen der Erzählkunst rund um das bewegte Bild, jeder auf seine ganz persönliche künstlerische Art und Weise.
Das EMAF konnte die renommierte Künstlerin Candice Breitz gewinnen, eine neue Arbeit für Moving Stories zu schaffen.
Transit – European Young Talents Forum als weiterer Part der Ausstellung zeigt 15 Arbeiten von Studenten verschiedener europäischer Kunsthochschulen. Das Projekt fördert in Zusammenarbeit mit den Hochschulen und den Festivals Vidéoformes in Clermont-Ferrand und FLACC workspace in Genk junge Künstlerinnen und Künstler aus sechs europäischen Ländern.
Der Media Campus des EMAF als Plattform für Studenten um neue Projekte zu präsentieren und um Kontakte zu knüpfen, bietet zugleich verschiedenen Medienuniversitäten, Kunstakademien und Designhochschulen Europas die Möglichkeit, sich und ihre Programme vorzustellen
Vorträge, interessante Präsentationen verschiedener Künstler und zahlreiche Workshops verspricht auch der Kongress des 24. Media Art Festivals. Referenten sind u.a. der renommierte Medienphilosoph Siegfried Zielinski, Vilem Flusser Archiv der UdK Berlin, und der Medientheoretiker Timothy Druckrey aus New York, die Vorträge zur Geschichte und Zukunft der Medien und des Kinos bieten werden.
Gemeinsam mit dem Media Art Flow Festival (MAFF) in Almelo/NL präsentiert das EMAF in diesem Jahr den Media Art Garden. Dieses Gartenprojekt wird in den Innenstädten der beiden Festival-Orte aufgebaut.
In Workshops können Besucher und Passanten zusammen mit den Künstlern Karl Heinz Jeron und Wessel Westerveld mechanische Pflanzen und Maschinen (an-)bauen, die ihre elektrische Energie aus Obst und Gemüse erhalten.
24. European Media Art Festival, 27. April – 1. Mai 2011
Ausstellung: 27. April – 29. Mai 2011
European Media Art Festival
Das EMAF in Osnabrück zählt zu den bedeutendsten Foren internationaler Medienkunst und ist ein offenes Labor für kreative und künstlerische Experimente, die zur Weiterentwicklung der Medien und der Ästhetik ihrer Inhalte beitragen.
Als lebendiger Treffpunkt für Künstler, Kuratoren, Verleiher, Galeristen und ein interessiertes Fachpublikum hat es Thematik und Ästhetik der medialen Kunst entscheidend mitgeprägt.
Zusätzlich werden auch einige Songs von „WAT“ gespielt werden, das Album, welches bereits im Jahr 2003 auf prophetische Weise von der Flüchtlings- und Migrationskrise in Europa und dem Nahen Osten handelt. Dass Laibach in der Hauptstadt Europas auftreten werden, ist daher möglicherweise auch kein Zufall … angesichts der Vorhersage aus dem Song „Eurovision“ des 2014 erschienenen „Spectre“ Albums.
